Libérer la créativité grâce aux partitions graphiques

Par Véronique Mathieu

La créativité, ou la force motrice qui permet d'apporter des changements, de construire, de développer et de favoriser la croissance dans le monde, est un élément essentiel de l'existence humaine. Dans le monde des musiciens, cependant, cet aspect important est parfois éclipsé par l'importance accordée à la maîtrise de la technique d'un instrument. Les complexités de la musique elle-même et les subtilités de la notation ne font qu'ajouter au défi, si bien qu'il semble souvent presque impossible de faire d'un élève un véritable artiste créatif.

Bien qu'il n'y ait pas de raccourci pour développer l'art, j'ai trouvé qu'aborder la musique contemporaine par le biais de partitions graphiques était un moyen efficace de débloquer la créativité des élèves. En se plongeant dans ces représentations visuelles d'idées musicales, les élèves sont encouragés à explorer des voies d'expression non conventionnelles, ce qui favorise une connexion plus profonde avec leurs instincts artistiques et ouvre la voie à des interprétations musicales imaginatives et novatrices.

Le dilemme de la pédagogie musicale contemporaine

Pendant des siècles, le public a apprécié la musique écrite par ses contemporains. Les compositeurs se voyaient souvent commander de nouvelles œuvres à l'occasion de célébrations, d'événements marquants ou de fonctions importantes qui étaient d'actualité au moment de leur création. Toutefois, à l'époque actuelle, les compositeurs modernes sont confrontés à un défi unique. Avec les progrès remarquables des industries de l'impression et de l'enregistrement, ils se retrouvent en concurrence avec les œuvres intemporelles de leurs prédécesseurs pour trouver un public dans les salles de concert. Au XXe siècle, avec la montée du modernisme et l'exploration de nouvelles techniques musicales, les compositeurs ont adopté les dissonances comme moyen de repousser les limites et d'exprimer de nouvelles idées, laissant souvent leurs auditeurs perplexes. Cela pose également un défi aux interprètes, qui doivent maîtriser divers styles de jeu et un large éventail de techniques afin de répondre aux exigences de ce vaste répertoire.

L'étude de la musique de Bach, Mozart et Beethoven est le fondement de l'enseignement de la musique classique et constitue un élément essentiel du développement artistique et technique des musiciens. Les élèves apprennent l'expression musicale, le phrasé et la précision technique en étudiant le répertoire de base. Cependant, la nécessité et le désir d'une bonne compréhension des idiomes baroque, classique et romantique laissent généralement peu de place dans le programme d'études pour l'étude du répertoire contemporain.

Il peut être décourageant pour un enseignant d'introduire la notion de microtonalité à des élèves qui ne contrôlent pas totalement leur intonation, ou de travailler sur différents modes de jeu lorsqu'un élève est encore en train de développer sa production de sons. Par ailleurs, l'enseignement de la musique contemporaine aux jeunes musiciens présente de nombreux avantages, car il peut contribuer à développer la créativité, l'esprit critique, l'ouverture d'esprit et la sensibilité culturelle. Non seulement il enrichit leur expérience musicale globale, mais il leur permet aussi d'exprimer leur propre créativité, en complément des compétences qu'ils acquièrent en étudiant le répertoire de base.

Notes graphiques

L'introduction de concepts contemporains par le biais de partitions graphiques est un moyen efficace de familiariser les jeunes élèves avec des possibilités allant au-delà des sons traditionnels classiques, sans compromettre leur étude des éléments techniques de base. En fonction de l'âge ou du niveau des élèves, les enseignants peuvent choisir d'introduire d'autres techniques nouvelles et contemporaines, donnant aux élèves les outils nécessaires pour découvrir une variété encore plus grande de sons et de couleurs.

Naviguer dans une partition graphique peut être une expérience stimulante qui encourage les élèves à utiliser leur imagination, à expérimenter différents sons et techniques et à explorer divers éléments musicaux tels que les rythmes, la dynamique et la structure d'une manière plus intuitive et personnelle. Cela peut aussi être l'occasion de collaborer avec d'autres pour donner vie à un morceau de musique, ou de donner confiance à un élève qui ne lit pas couramment les notes.

Une partition graphique (également appelée notation graphique ou partition visuelle) est une forme particulière de notation musicale qui utilise des symboles visuels, des formes et des graphiques pour représenter des éléments musicaux et des instructions afin de transmettre une idée musicale. Les compositeurs peuvent incorporer un bref passage en notation graphique dans une œuvre musicale plus vaste, ou créer une composition entière à l'aide d'éléments visuels. Cette forme innovante de notation n'a cessé d'évoluer depuis le milieu du XXe siècle, ouvrant un nouveau champ passionnant de possibilités créatives pour les compositeurs et les interprètes.

Plusieurs compositeurs ont largement exploré la notation graphique dans leurs œuvres, repoussant les limites de la notation musicale traditionnelle. Parmi eux figurent George Crumb (1929-2022), Brian Eno (né en 1948) et Krzysztof Penderecki (1933-2020), chacun ayant élaboré un système de notation distinct et personnel pour ses œuvres. D'autres exemples de partitions comportant une notation graphique sont également inclus. J'ai sélectionné ces pièces parce qu'elles illustrent la façon dont les compositeurs ont utilisé des éléments visuels pour transmettre leurs visions musicales de manière non conventionnelle, tout en invitant les interprètes à s'embarquer pour un voyage d'exploration et d'innovation.

L'exemple 1 est *Caminhada *(Walk), une partition créée en 2021 par Giovanna Lelis Airoldi, une étudiante en composition de l'Université de Sao Paulo (Brésil), pour une collaboration avec un groupe de mes étudiants à l'Université de Saskatchewan. Le compositeur combine la notation standard avec des formes et des couleurs, donnant à l'interprète la liberté d'interpréter les différents éléments de manière créative. La durée suggérée de cette œuvre est d'environ cinq minutes.

L'exemple 2 est un extrait de deux pages de l'œuvre *Treatise *(1963-1967) du compositeur britannique Cornelius Cardew. *Treatise est une collection de 193 pages de symboles abstraits, de formes et de lignes dépourvues d'instructions écrites à l'intention des interprètes. Les éléments graphiques permettent aux interprètes de faire des choix individuels quant à l'interprétation et à la réalisation de la musique. Cardew voulait que son œuvre encourage les interprètes à s'engager dans l'improvisation et la prise de décision collective.

Le dernier extrait (ex. 3) est la quatrième page d'une partition de cinq pages intitulée *Dark Night *pour "tout instrument", écrite par le compositeur et improvisateur canadien Randy Raine-Reusch en 2015. Les instructions du compositeur sont de "jouer comme si l'image était un écho, le son un goût, la sensation un parfum, la saveur un toucher, l'essence une ombre". Cette pièce est jouée en utilisant le son et/ou le silence, ou en n'utilisant ni le son ni le silence". Pris ensemble, ces trois exemples montrent une variété de partitions graphiques, allant d'un exemple précoce et fondateur (Cardew) à un compositeur établi et vivant (Raine-Reusch), en passant par un compositeur étudiant (Airoldi).

Exemple 2. Cornelius Cardew, Traité, pp. 73 et 84.

Introduction aux partitions graphiques et aux techniques étendues

Lorsque l'on présente des partitions graphiques aux élèves, il est utile de les guider et de les soutenir, d'expliquer les symboles ou les éléments visuels utilisés et de les encourager à discuter de leurs interprétations. Les élèves peuvent développer leurs propres idées musicales et s'engager en toute confiance dans les possibilités créatives offertes par la partition graphique. En raison de la nature subjective des partitions graphiques, tout enseignant, quelle que soit son expérience dans l'interprétation de la musique contemporaine, peut guider les élèves dans leur interprétation.

Comme point de départ, je propose deux scénarios pour introduire les partitions graphiques dans un ensemble de musique de chambre ou dans un groupe d'étudiants jouant du même instrument. Avant d'aborder ces scénarios, il peut être utile de faire un rapide tour d'horizon des techniques contemporaines. Il existe plusieurs ressources imprimées disponibles pour les enseignants qui décrivent diverses techniques étendues. Par exemple, les méthodes d'orchestration telles que l'Essential Dictionary of Orchestration de Dave Black et Tom Gerou constituent une ressource complète, traitant de tous les instruments. Un autre ouvrage utile est The Contemporary Violin : Extended Performance Techniques de Patricia et Allen Strange, qui traite en profondeur des techniques étendues et peut facilement être appliqué à d'autres instruments à cordes.

En outre, il existe d'excellentes bases de données en ligne, facilement accessibles, qui contiennent des exemples musicaux : "The Orchestra : A User's Manual" d'Andrew Hugill, "Instrument Studies for Eyes and Ears" de Don Freund, "Shaken not Stuttered" de Leilehua Lanzilotti et "Cello Map" d'Ellen Fallowfield. Leurs citations complètes figurent à la fin de cet article. Ces ressources peuvent grandement améliorer l'expérience d'apprentissage et la compréhension des techniques contemporaines. Il est également important de noter que les partitions graphiques peuvent être exécutées sans utiliser de techniques étendues et qu'elles peuvent être un moyen rafraîchissant de consolider les éléments musicaux traditionnels tels que la dynamique et les articulations.

Scénario 1

• Les étudiants collaboreront à l'interprétation et à l'exécution d'une partition graphique dans le cadre d'une activité de groupe interactive. Pour cet exercice, la partition choisie est celle de Cornelius Cardew. Traitép. 73 (ex. 2).
• Six étudiants travailleront en groupes de deux : Groupe A ; Groupe B ; Groupe C

Avant de travailler en binôme, les élèves sont invités à dresser une liste des techniques et des modes de jeu qu'ils souhaitent envisager pour leur interprétation de la partition graphique. En fonction du niveau et de la capacité des participants, les élèves peuvent démontrer à tour de rôle les techniques suggérées, ou les écrire au tableau pour les essayer plus tard en groupe, en s'assurant que tout le monde est à l'aise avec elles. Les techniques peuvent inclure des sons parlés, des battements de mains, des répétitions de hauteur, du pizzicato, des battements de pieds, des glissandi à l'archet, des coups d'archet circulaires, etc. Une fois que suffisamment d'options ont été sélectionnées, chaque groupe (A, B et C) choisit un symbole à interpréter sur la partition (point, ligne courte, ligne longue, chiffres) et expérimente diverses techniques. A ce stade, des éléments tels que la dynamique, la durée et/ou le tempo doivent être pris en compte. Lorsque les trois groupes ont eu suffisamment de temps pour choisir la manière d'interpréter leurs symboles, une première lecture avec tous les musiciens peut avoir lieu. Les élèves décideront ensemble de la manière de lire la partition : de gauche à droite, de haut en bas, toutes les lignes simultanément, etc. Il devrait y avoir plusieurs occasions de jouer la partition en groupe pour permettre aux élèves de se sentir à l'aise et d'expérimenter les sons qui les entourent.

Exemple 3. Randy Raine-Reusch, Dark Night (2015), page 4. Reproduit avec l'autorisation de l'auteur.

Scénario 2

• Les étudiants contribueront de manière indépendante à l'interprétation et à la représentation de la partition graphique *Dark Night *de Randy Raine-Reush.
• Nombre d'étudiants au choix

Comme dans le scénario 1, les élèves exploreront d'abord différentes techniques pour inspirer les autres à créer de nouveaux sons. Cette interprétation sera sensible à la musique jouée et entendue dans l'environnement. L'enseignant peut donner des indications sur la durée approximative de la partition, offrant ainsi un cadre aux élèves. En outre, il peut y avoir une brève discussion sur l'endroit où commencer dans la partition, ou bien la partition peut être laissée ouverte, ce qui permet une plus grande liberté de création.

Quelques techniques supplémentaires peuvent être envisagées : col legno, tremolo, harmoniques, pizzicato, glissando, sul tasto, sul ponticello, effets vocaux, scratch tone, archet circulaire, jeu sur ou derrière le chevalet. Si les élèves travaillent encore à se sentir à l'aise en tenant l'archet, il est recommandé de privilégier les techniques qui ne compromettent pas la tenue de l'archet ! D'autres techniques qui n'utilisent pas l'archet peuvent inclure les clics de langue, les chuchotements, les battements de mains ou le pizzicato. Avant d'essayer de lire la partition en groupe, des paramètres généraux peuvent également être identifiés, tels que l'ordre des entrées, le temps entre les entrées, un signal pour indiquer la fin de la pièce, un plan général pour la dynamique, etc. Les enseignants peuvent également choisir de faire écouter un enregistrement aux élèves pour leur faire découvrir de nouvelles possibilités avant de travailler sur une partition graphique.

Réflexions finales

Il existe de nombreuses autres partitions graphiques efficaces pour l'enseignement, notamment *Projection 1 *pour violoncelle solo de Morton Feldman et *Music for Airports *de Brian Eno. La partition de Feldman ne contient aucune indication d'exécution et peut facilement être transposée pour le violon, l'alto ou la contrebasse, tandis que celle d'Eno est destinée à une instrumentation ouverte.

Lorsque l'on travaille sur une partition graphique qui est davantage une représentation artistique, les élèves peuvent se voir attribuer une couleur présente dans la partition et se voir confier la tâche d'improviser un court passage. Lorsqu'il s'agit d'un grand groupe d'élèves, plusieurs petits groupes peuvent être formés et chaque groupe peut se voir confier une page ou une section différente de la partition à présenter aux autres. Les jeunes élèves peuvent également s'amuser à dessiner leurs propres partitions graphiques !

L'intégration d'une activité relative à l'étude d'une partition graphique peut apporter une certaine variété à un cours de studio, offrir aux élèves une pause bien nécessaire pendant une période stressante de l'année, constituer un moyen amusant de briser la glace lors d'un camp d'été ou avec un nouveau groupe de musique de chambre, et même servir de projet de classe pour un événement de sensibilisation ou un récital de studio. Quelle que soit l'occasion pour laquelle vous les utilisez, les partitions graphiques sont une excellente opportunité de stimuler l'imagination, l'ouverture d'esprit et la prise de décision.

Ressources sur la technique étendue

Black, Dave et Tom Gerou. Dictionnaire essentiel de l'orchestration. Los Angeles : Alfred, 1998.

Fallowfield, Ellen. "Carte du violoncelle". Consulté le 25 juillet 2023. [url=https://cellomap.com/] https://cellomap.com/[/url].

Freund, Don. "Études d'instruments pour les yeux et les oreilles". Consulté le 24 juillet 2023. [url=https://adoring-yonath-076396.netlify.app]https://adoring-yonath-076396.netlify.app[/url].

Hugill, Andrew. "L'Orchestre : Un manuel d'utilisation". Dernière modification en août 2021. [url=https://andrewhugill.com/OrchestraManual/]https://andrewhugill.com/OrchestraManual/[/url].

Lanzilotti, Leilehua. "Secoué pas bégayé". Consulté le 25 juillet 2023. [url=http://www.shakennotstuttered.com/]http://www.shakennotstuttered.com/[/url].

Strange, Patricia et Allen Strange. The Contemporary Violin : Extended Performance Techniques. Berkeley : University of California Press, 2001.

{media:49937:med:c:Véronique Mathieu. Crédit photo : Julie Isaac Photography}

Décrite comme une violoniste ayant " des cordes à brûler et une solide musicalité " (The Whole Note, Toronto), la violoniste canadienne Véronique Mathieu mène une carrière passionnante de soliste, de chambriste et d'éducatrice musicale. Passionnée de musique contemporaine, elle a commandé et créé de nombreuses œuvres de compositeurs américains, brésiliens et canadiens, et a travaillé avec des compositeurs tels que Pierre Boulez, Heinz Holliger et Krzysztof Penderecki.

Mme Mathieu est titulaire de la chaire de musique David L. Kaplan à l'Université de la Saskatchewan, où elle est professeure agrégée de violon. Elle a précédemment enseigné à l'Université de l'État de New York (SUNY) à Buffalo et à l'Université du Kansas.