Unlocking Creativity with Graphic Scores – Suzuki Association of the Americas

Por Veronique Mathieu

La creatividad, o la fuerza motriz para efectuar cambios, construir, desarrollar y fomentar el crecimiento en el mundo, es una parte esencial de la existencia humana. Sin embargo, en el ámbito de los músicos, este importante aspecto a veces queda eclipsado por el énfasis en dominar la técnica de un instrumento. Además, la complejidad de la propia música y los entresijos de la notación hacen que a menudo parezca casi imposible convertir a un alumno en un verdadero artista creativo.

Aunque no existe un atajo para desarrollar el arte, he descubierto que el compromiso con la música contemporánea a través de partituras gráficas es una forma eficaz de desbloquear la creatividad de los alumnos. Al profundizar en estas representaciones visuales de ideas musicales, se anima a los alumnos a explorar vías de expresión poco convencionales, fomentando una conexión más profunda con sus instintos artísticos y allanando el camino para interpretaciones musicales imaginativas e innovadoras.

Ejemplo 1. Giovanna Lelis Airoldi, Caminhada (2021). Se trata de la partitura completa. La duración sugerida para esta obra es de unos cinco minutos. Reimpreso con permiso

El dilema de la pedagogía musical contemporánea

Durante siglos, el público ha disfrutado de la música escrita por sus contemporáneos. Los compositores solían recibir encargos de nuevas obras para ocasiones de celebración, acontecimientos significativos o funciones importantes que eran relevantes en el momento de sus estrenos. Sin embargo, en la era actual, los compositores modernos se enfrentan a un reto único. Con los notables avances de las industrias de la impresión y la grabación, se encuentran compitiendo con las obras intemporales de sus predecesores por un público en la sala de conciertos. En el siglo XX, con el auge del modernismo y la exploración de nuevas técnicas musicales, los compositores adoptaron las disonancias como medio para superar los límites y expresar nuevas ideas, dejando a menudo perplejos a sus oyentes. Esto supone un reto también para los intérpretes, a los que se pide que dominen diversos estilos de interpretación y una serie de técnicas para satisfacer las exigencias de este amplio repertorio.

El estudio de la música de Bach, Mozart y Beethoven es la base de la educación musical clásica y constituye un componente vital en el desarrollo artístico y técnico de los músicos. Los alumnos aprenden expresión musical, fraseo y precisión técnica estudiando el repertorio básico. Sin embargo, la necesidad y el deseo de una buena comprensión de los lenguajes barroco, clásico y romántico suelen dejar poco espacio en el plan de estudios para el estudio del repertorio contemporáneo.

Puede resultar desalentador para un profesor introducir la noción de microtonalidad a los alumnos cuando no tienen un control total sobre su entonación, o trabajar diferentes modos de tocar cuando un alumno aún está desarrollando la producción del tono. Por otra parte, la enseñanza de música contemporánea a los jóvenes músicos tiene muchas ventajas, ya que puede ayudarles a desarrollar la creatividad, la capacidad de pensamiento crítico, la apertura mental y la conciencia cultural. No sólo enriquece su experiencia musical en general, sino que también les permite abrazar sus voces creativas únicas, complementando las habilidades que están cultivando a través del estudio del repertorio básico.

Partituras gráficas

Introducir conceptos contemporáneos mediante el uso de partituras gráficas es una forma eficaz de familiarizar a los alumnos más jóvenes con posibilidades que van más allá de los sonidos clásicos tradicionales, sin comprometer su estudio de los elementos técnicos básicos. Dependiendo de la edad o el nivel de los alumnos, los profesores pueden optar por introducir otras técnicas nuevas y contemporáneas, dando a los alumnos las herramientas para descubrir una variedad aún mayor de sonidos y colores.

Navegar por una partitura gráfica puede ser una experiencia estimulante que anime a los alumnos a utilizar su imaginación, experimentar con diferentes sonidos y técnicas y explorar diversos elementos musicales como ritmos, dinámicas y estructuras de una forma más intuitiva y personal. También puede crear la oportunidad de colaborar con otros para dar vida a una pieza musical, o de dar confianza a un alumno que quizá no lea las notas con fluidez.

Una partitura gráfica (también conocida como notación gráfica o partitura visual) es una forma distintiva de notación musical que utiliza símbolos visuales, formas y gráficos para representar elementos musicales e instrucciones para transmitir una idea musical. Los compositores pueden incorporar un breve pasaje en notación gráfica dentro de una obra musical más amplia, o crear una composición entera utilizando elementos visuales. Esta innovadora forma de notación no ha dejado de evolucionar desde mediados del siglo XX, abriendo un nuevo y apasionante abanico de posibilidades creativas tanto para compositores como para intérpretes.

Varios compositores han explorado ampliamente la notación gráfica en sus obras, ampliando los límites de la notación musical tradicional. Entre ellos se encuentran George Crumb (1929-2022), Brian Eno (1948) y Krzysztof Penderecki (1933-2020), cada uno de los cuales creó un sistema de notación distinto y personal para sus obras. Se incluyen otros ejemplos de partituras con notación gráfica. He seleccionado estas piezas porque ejemplifican cómo los compositores han utilizado elementos visuales para transmitir sus visiones musicales de formas poco convencionales, invitando al mismo tiempo a los intérpretes a embarcarse en un viaje de exploración e innovación.

El ejemplo 1 es *Caminhada*, una partitura creada en 2021 por Giovanna Lelis Airoldi, estudiante de composición de la Universidad de Sao Paulo (Brasil), para una colaboración con un grupo de mis alumnos de la Universidad de Saskatchewan. La compositora combina la notación estándar con formas y colores, dando libertad al intérprete para interpretar los distintos elementos de forma creativa. La duración sugerida de esta obra es de unos cinco minutos.

El ejemplo 2 es un extracto de dos páginas de la obra *Treatise* (1963-1967) del compositor británico Cornelius Cardew. *Tratado" es una colección de 193 páginas de símbolos abstractos, formas y líneas sin instrucciones escritas para los intérpretes. Los elementos gráficos permiten a los intérpretes tomar decisiones individuales sobre la interpretación y realización de la música. Cardew pretendía que su obra animara a los intérpretes a la improvisación y a la toma de decisiones colectiva.

El extracto final (ej. 3) es la cuarta página de una partitura de cinco páginas titulada *Dark Night* para "cualquier instrumento", escrita por el compositor e improvisador canadiense Randy Raine-Reusch en 2015. Las instrucciones del compositor son "interpretar como si la imagen fuera un eco, el sonido un sabor, el sentimiento un aroma, el sabor un tacto, la esencia una sombra". Esta pieza se interpreta utilizando el sonido y/o el silencio, o no utilizando ni el sonido ni el silencio". En conjunto, estos tres ejemplos muestran una variedad de partituras gráficas, desde un ejemplo temprano y seminal (Cardew), pasando por un compositor establecido y vivo (Raine-Reusch), hasta un compositor estudiante (Airoldi).

Ejemplo 2. Cornelius Cardew, Tratado, pp. 73 y 84.

Presentación de partituras gráficas y técnicas ampliadas

Al presentar las partituras gráficas a los alumnos, resulta útil proporcionarles orientación y apoyo, explicarles los símbolos o elementos visuales utilizados y animarles a debatir sus interpretaciones. Los alumnos pueden desarrollar sus propias ideas musicales y comprometerse con confianza con las posibilidades creativas que presenta la partitura gráfica. Debido a la naturaleza subjetiva de las partituras gráficas, cualquier profesor, independientemente de su experiencia en la interpretación de música contemporánea, puede guiar a los alumnos en su interpretación.

Como punto de partida, sugiero dos escenarios para introducir partituras gráficas en un conjunto de música de cámara o en un grupo de estudiantes que toquen el mismo instrumento. Antes de abordar estas situaciones, puede ser útil hacer un breve repaso de las técnicas actuales. Existen varios recursos impresos a disposición de los profesores que describen diversas técnicas extendidas. Por ejemplo, métodos de orquestación como el Essential Dictionary of Orchestration (Diccionario esencial de orquestación) de Dave Black y Tom Gerou proporcionan un recurso exhaustivo, en el que se tratan todos los instrumentos. Otro libro útil es The Contemporary Violin: Extended Performance Techniques, de Patricia y Allen Strange, que trata en profundidad las técnicas extendidas y puede aplicarse fácilmente a otros instrumentos de cuerda.

Además, existen excelentes bases de datos en línea de fácil acceso que incluyen ejemplos musicales: "The Orchestra: A User's Manual" de Andrew Hugill, "Instrument Studies for Eyes and Ears" de Don Freund, "Shaken not Stuttered" de Leilehua Lanzilotti y "Cello Map" de Ellen Fallowfield. Sus citas completas aparecen al final de este artículo. Estos recursos pueden mejorar enormemente la experiencia de aprendizaje y la comprensión de las técnicas contemporáneas. También es importante señalar que las partituras gráficas pueden ejecutarse sin utilizar técnicas extendidas, y pueden ser una forma refrescante de solidificar elementos musicales tradicionales como la dinámica y las articulaciones.

Escenario 1

Los alumnos colaborarán en la interpretación y ejecución de una partitura gráfica como actividad interactiva de grupo. Para este ejercicio, la partitura elegida es la de Cornelius Cardew Tratadopág. 73 (ej. 2).
Seis estudiantes trabajarán en grupos de dos: Grupo A; Grupo B; Grupo C

Antes de trabajar en parejas, se invita a los alumnos a identificar una lista de técnicas y formas de tocar que deseen considerar para su interpretación de la partitura gráfica. Dependiendo del nivel y la capacidad de los participantes, los alumnos pueden demostrar por turnos las técnicas sugeridas, o escribirlas en una pizarra para probarlas después en grupo, asegurándose de que todos se sienten cómodos con ellas. Las técnicas pueden incluir sonidos hablados, palmas, repetición de tonos, pizzicato, pisotones, glissandi con arco, arcos circulares, etc. Una vez seleccionadas suficientes opciones, cada grupo (A, B y C) elegirá un símbolo para interpretar en la partitura (punto, línea corta, línea larga, números) y experimentará con diversas técnicas. En este momento, se tendrán en cuenta elementos como la dinámica, la duración y/o el tempo. Una vez que los tres grupos hayan tenido tiempo suficiente para elegir cómo interpretar sus símbolos, podrá realizarse una primera lectura con todos los intérpretes. Los alumnos decidirán juntos cómo leer la partitura: de izquierda a derecha, de arriba abajo, todas las líneas simultáneamente, etc. Deberían darse varias oportunidades para tocar la partitura en grupo, para que los alumnos se sientan cómodos y experimenten los sonidos que les rodean.

Ejemplo 3. Randy Raine-Reusch, Noche oscura (2015), página 4. Reimpreso con permiso.

Escenario 2

Los alumnos contribuirán de forma independiente a la interpretación y representación de la partitura gráfica *Dark Night* de Randy Raine-Reush.
Cualquier número de estudiantes

De forma similar al escenario 1, los alumnos explorarán inicialmente diferentes técnicas para inspirar a otros a crear nuevos sonidos. Esta interpretación responderá a la música que se esté tocando y escuchando en el entorno. El profesor puede proporcionar unas pautas aproximadas de duración de la partitura, ofreciendo un marco a los alumnos. Además, puede haber un breve debate sobre por dónde empezar en la partitura o, alternativamente, puede dejarse abierta, permitiendo una mayor libertad creativa.

Se pueden considerar algunas técnicas extendidas adicionales: col legno, trémolo, armónicos, pizzicato, glissando, sul tasto, sul ponticello, efectos vocales, tono scratch, arco circular, tocar sobre o detrás del puente. Si los alumnos aún están trabajando para sentirse cómodos sujetando el arco, entonces se recomienda favorecer las técnicas que no comprometan la sujeción del arco. Otras técnicas que no utilizan el arco son los chasquidos de lengua, los susurros, las palmadas o el pizzicato. Antes de intentar leer la partitura en grupo, también se pueden identificar parámetros generales como el orden de las entradas, el tiempo entre entradas, una señal para indicar la conclusión de la pieza, un plan general para la dinámica, etc. Los profesores también pueden optar por reproducir una grabación para que los alumnos conozcan nuevas posibilidades antes de trabajar con una partitura gráfica.

Reflexiones finales

Hay muchas más partituras gráficas que resultan eficaces en la enseñanza, como *Projection 1* para violonchelo solo, de Morton Feldman, y *Music for Airports*, de Brian Eno. La partitura de Feldman no contiene indicaciones de interpretación, y puede transponerse fácilmente para violín, viola o contrabajo, mientras que la de Eno es para instrumentación abierta.

Cuando se trabaja con una partitura gráfica que es más una representación artística, se puede asignar a los alumnos un color de la partitura y asignarles la tarea de improvisar un breve pasaje. Si se trata de un grupo más numeroso, se pueden formar varios grupos más pequeños y asignar a cada grupo una página o sección diferente de la partitura para que la presenten a los demás. Los alumnos más jóvenes también pueden disfrutar dibujando sus propias partituras gráficas.

Incorporar una actividad relacionada con el estudio de una partitura gráfica puede dar algo de variedad a una clase de estudio, proporcionar a los estudiantes un descanso muy necesario durante una época estresante del año, ser una forma divertida de romper el hielo en un campamento de verano o con un nuevo grupo de música de cámara, e incluso ser un proyecto de clase para un evento de divulgación o un recital de estudio. Sea cual sea la ocasión para la que se utilicen, las partituras gráficas son una gran oportunidad para fomentar la imaginación, la amplitud de miras y la toma de decisiones.

Recursos técnicos ampliados

Black, Dave y Tom Gerou. Diccionario esencial de orquestación. Los Angeles: Alfred, 1998.

Fallowfield, Ellen. "Mapa del violonchelo". Consultado el 25 de julio de 2023. [url=https://cellomap.com/] https://cellomap.com/[/url].

Freund, Don. "Estudios instrumentales para ojos y oídos". Consultado el 24 de julio de 2023. [url=https://adoring-yonath-076396.netlify.app]https://adoring-yonath-076396.netlify.app[/url].

Hugill, Andrew. "La Orquesta: Manual del usuario". Última modificación: agosto de 2021. [url=https://andrewhugill.com/OrchestraManual/]https://andrewhugill.com/OrchestraManual/[/url].

Lanzilotti, Leilehua. "Agitado, no tartamudeado". Consultado el 25 de julio de 2023. [url=http://www.shakennotstuttered.com/]http://www.shakennotstuttered.com/[/url].

Strange, Patricia y Allen Strange. The Contemporary Violin: Extended Performance Techniques. Berkeley: University of California Press, 2001.

{media:49937:med:c:Veronique Mathieu. Crédito de la foto: Julie Isaac Photography}

La violinista canadiense Véronique Mathieu, descrita como una violinista con "una gran técnica y una sólida musicalidad" (The Whole Note, Toronto), disfruta de una apasionante carrera como solista, músico de cámara y pedagoga musical. Ávida intérprete de música contemporánea, ha encargado y estrenado numerosas obras de compositores estadounidenses, brasileños y canadienses, y ha trabajado con compositores como Pierre Boulez, Heinz Holliger y Krzysztof Penderecki.