Le problème avec "Relax"

Utiliser la technique Alexander pour développer un vocabulaire pédagogique plus clair

Par Lisa Toner

Vous êtes tendu. Détendez-vous ! Baissez les épaules. Détendez votre bras. Jouez de dos. Tenez-vous droit. Sortez de votre tête ! Entrez dans votre corps. 

Vous avez peut-être entendu des messages de ce type au cours de votre parcours pour devenir un meilleur musicien. Si vous avez eu de la chance, le professeur ou l'entraîneur vous a fourni un contexte et une démonstration claire, et vous l'avez imité avec succès. Ou alors, vous avez essayé de suivre leur suggestion, mais vous vous êtes senti encore plus confus, incertain d'y arriver un jour - quel que soit le "truc". Dans le pire des cas, vous vous êtes heurté à des limites, vous avez développé des compensations ou vous vous êtes même blessé en appliquant consciencieusement de tels messages à votre jeu. Qu'en est-il de votre propre enseignement ? Utilisez-vous des instructions de ce type ? Si oui, quand, et que remarquez-vous chez vos élèves avant et après avoir reçu ce type d'informations ? En tant que professeur certifié de Technique Alexander, l'un de mes principaux objectifs est d'apprendre à mes élèves à relâcher les tensions excessives et à bouger librement, mais j'évite complètement ce type de langage. Ces messages de "détente" ne sont pas clairs et sont inexacts parce qu'ils sont en contradiction avec la façon dont les artistes ont besoin de bouger et d'apprendre. Je vous invite ici à envisager l'apprentissage de manière plus nuancée et à clarifier votre vocabulaire d'enseignement.

En tant que professeurs de musique, nous transmettons un processus immensément complexe à l'aide de mots, de démonstrations et du toucher. La littérature de recherche sur l'éducation musicale est remplie d'études qui organisent et expliquent les caractéristiques d'un enseignement efficace. Les enseignants novices ont tendance à se concentrer sur les problèmes de surface tels que les fausses notes, alors que les enseignants experts comprennent parfaitement les niveaux actuels et futurs de développement de l'élève et donnent des instructions significatives en conséquence. De nombreuses études sur les enseignants experts ont montré des modèles de connaissances pédagogiques très organisées, des prises de décision rapides, une discrimination fine des détails et un retour d'information fréquent et spécifique (voir, par exemple, Colprit 2000 ; Duke 2006 ; Duke, 2009 ; Duke & Simmons, 2006 ; Gholson 1998). Cette connaissance approfondie permet aux grands enseignants de choisir intuitivement les objectifs de la leçon qui apporteront les changements les plus positifs pour l'élève. Comme l'ont déclaré Duke et Simmons, les enseignants "choisissent les objectifs non seulement en fonction de la possibilité de les atteindre, mais aussi de leur contribution au produit musical" (2006, p. 12). C'est la raison pour laquelle le travail des grands enseignants est si clair et qu'ils donnent l'impression que l'acte complexe d'enseigner est facile.

Bien avant que ces études n'existent, le Dr Suzuki a nommé ce type d'enseignement la leçon en un point. Cathy Lee, la formatrice de professeurs de violon Suzuki avec laquelle j'ai suivi la plupart de mes cours, est un maître de la leçon en un point et a été la première personne à m'offrir une alternative vraiment utile aux messages de " relaxation ". "Il faut à la fois un engagement et un relâchement sains", a souligné Cathy, qui nous a ensuite montré comment faire ! Elle nous a appris à préparer un débutant avec un équilibre corporel fort et souple. Suzuki, qui comprend divers exercices d'archet activant de grands groupes musculaires et des schémas de mouvement, ainsi que de nombreuses techniques pour la main gauche, à la fois précises et souples. J'ai passé plusieurs années à l'université à réapprendre ma technique et à essayer de me détendre en jouant. Pendant mes années de formation d'enseignant, j'ai encore actualisé mon jeu. Ma sonorité s'est améliorée, ma technique s'est clarifiée et je me suis sentie prête à enseigner à mes élèves de plus en plus nombreux. Lorsque nous apprenons à enseigner, nous avons l'occasion de nous réapprendre à nous-mêmes.

Une autre façon pour de nombreux musiciens de se réapprendre est d'étudier la technique Alexander, une méthode éducative qui aide les gens à améliorer consciemment leurs pensées et leurs mouvements.¹  Lorsque j'enseigne la technique Alexander, je la décris de différentes manières. L'une de mes préférées est la suivante : La technique Alexander est une façon d'alléger délibérément la pression qui pèse sur l'ensemble de votre système afin que vous puissiez faire quoi que ce soit avec plus d'aisance, de clarté et de joie. C'est une façon d'outrepasser les vieilles habitudes et de les remplacer par une façon plus efficace de penser, de bouger et d'être dans le monde. Une introduction complète à la Technique dépasse le cadre de cet article, et rien ne remplace un cours d'introduction en personne ou en ligne. Au lieu de cela, je vais intégrer quelques principes qui sont les plus pertinents pour mettre à jour votre langage pédagogique. 

F.M. Alexander (1869-1955) a découvert que la relation entre la tête et la colonne vertébrale régit la qualité globale de nos mouvements et que nous pouvons consciemment accéder à ces mouvements et les améliorer. En termes plus simples, si votre cou est tendu, le reste de votre corps sera plus comprimé et plus raide. Vous pouvez apprendre à relâcher la pression de votre système en demandant à votre tête de se relever légèrement, ce qui libère votre cou et permet au reste de votre corps de suivre. Ce n'est qu'à ce moment-là qu'il sera possible de bouger les autres articulations plus librement. Parce que nous bougeons comme un tout, essayer de relâcher une partie du corps alors que l'ensemble du système est comprimé entraînera une compensation et déplacera la tension ailleurs. Il s'agit d'une idée simple et, en général, mes élèves de technique Alexander remarquent un changement significatif dès leur première leçon. Cependant, l'intégration de cette nouvelle façon de penser et de bouger dans une activité très structurée comme la pratique d'un instrument de musique demande de la pratique. Nous passons des années à pratiquer notre technique et à créer des habitudes, et cela peut prendre du temps pour mettre à jour ces schémas. 

Lorsque l'on comprend la pensée et le mouvement humains dans cette perspective holistique, les messages de "relaxation" commencent à perdre de leur clarté. Ce sont des objectifs pédagogiques vagues qui offrent une solution superficielle à un problème plus complexe et qui n'aideront pas l'exécutant à effectuer des changements significatifs. Voici les messages que j'ai énumérés au début de l'article, suivis d'une discussion et de nouvelles possibilités.

Tension

Anciens messages : Vous avez des tensions. J'ai de la tension. Tu es tellement tendu ! Je suis tellement tendu ! 

Je vous invite à recadrer fondamentalement l'idée de tension. La tension n'est pas quelque chose que vous avez ou que vous êtes. La tension est quelque chose que vous faire. Transformez le nom en verbe. 

Nouvelle possibilité : Vous vous resserrez. Je me resserre. En faisant ce changement crucial, vous prenez la responsabilité de ce que fait votre système. La tension n'est alors plus un mal mystérieux sans remède. Si vous étudiez la technique Alexander, vous pouvez apprendre à soulager rapidement votre système, à relâcher les tensions et à vous déplacer avec plus de fluidité et d'aisance. Même si vous ne suivez pas de cours, le fait de changer votre façon de penser de cette manière peut être puissant. 

"Détendez-vous !

Ancien message : Détendez-vous ! Il n'y a rien de mal à dire cela si vous invitez quelqu'un à faire une pause et à se reposer. Cependant, "détendez-vous" ne fait pas partie du vocabulaire pédagogique actif d'un enseignant expert. En effet, la musique n'est PAS une activité relaxante. Les arts du spectacle sont une activité hautement coordonnée, complexe et cérébrale. Nous sommes des athlètes extrêmes sur un terrain de jeu minuscule. Les musiciens peuvent et doivent cultiver la concentration, la clarté et l'attention. Cependant, le fait de demander à quelqu'un de se détendre entraîne généralement une sorte de baisse de régime, consciente ou inconsciente. 

Il est complexe d'aider les étudiants à surmonter l'anxiété liée à la performance et le fait de leur dire "détendez-vous" peut sembler une recommandation apaisante et amicale. Cependant, cela ne rend pas service à nos élèves. Comme le dit Cathy Madden, maître de la technique Alexander, "demander aux artistes de se détendre pendant qu'ils jouent leur donne une tâche impossible. Vous pourriez tout aussi bien leur demander d'être sur scène et hors scène en même temps" (2014, 74). Si vous essayez de vous détendre pendant que vous jouez, vous vous tirez en fait vers le bas, ce qui provoque un resserrement. Dans cet état de compression et d'incongruité, votre poussée d'adrénaline naturelle est plus susceptible de se transformer en une véritable anxiété de performance. 

Évitez d'utiliser l'expression "trac", qui ne fait qu'encourager les élèves à avoir peur de se produire. Sensibilisez les parents à ce sujet dès le début des études. Commencez plutôt à parler des représentations des semaines et des mois à l'avance. Donnez aux élèves de nombreuses occasions de se produire avant un récital officiel et apprenez-leur à avoir une bonne présence sur scène. Demandez-leur de visualiser la salle remplie de personnes devant lesquelles ils vont jouer. Le simple fait de reconnaître qu'ils auront un public peut être extrêmement utile. Faites-leur savoir que leur système leur donnera un supplément d'énergie et d'adrénaline, ce qui est nécessaire et souhaité pour un événement tel qu'une représentation. Le pic d'adrénaline dure généralement une vingtaine de minutes avant de se calmer, et parfois, cette information peut aider les élèves à coopérer avec leur biologie. 

Les adolescents sont naturellement plus gênés et sont prêts à utiliser les principes de la technique Alexander. Je leur apprends donc à relâcher la pression sur leur système, puis à créer un plan de performance qui inclut des mouvements libres, la reconnaissance du public et un plan pour envoyer leur son dans toute la salle. Cette approche nécessite un investissement à chaque cours pendant plusieurs semaines, mais au fur et à mesure qu'ils pratiquent, les poussées d'adrénaline s'ajustent et deviennent moins accablantes. Ces méthodes ont aidé même mes adolescents les plus timides et les plus anxieux à exécuter de mémoire des mouvements de concerto avec confiance, projection et assurance ! 

De nouvelles possibilités de travail ciblé pendant les cours : Vous pouvez vous déplacer librement tout en travaillant intensément à la réalisation d'un objectif clair ; les erreurs sont des informations. Malheureusement, de nombreuses personnes associent l'assiduité et la concentration à la crispation. De plus, les musiciens se crispent souvent en réaction à des erreurs. Il est tentant de dire à un élève trop inquiet de se détendre, mais n'oubliez pas que cela ne fera que provoquer une crispation d'un autre genre. Pour créer un changement dans votre studio, essayez d'abord de prendre soin de vous, car vos élèves vous imiteront. La prochaine fois que vous participerez à un cours, soyez attentif à la façon dont vous réagissez lorsqu'un élève manque quelque chose. Ensuite, observez-le attentivement. Est-ce que l'un ou l'autre d'entre vous se rétrécit, s'abaisse et se resserre ? Quand ? Lorsque j'ai suivi l'atelier des professeurs de musique de l'université de l'Indiana, je me souviens que Mimi Zweig a dit : "Les erreurs sont des informations", et elle nous a invités à apprendre d'elles sans porter de jugement sévère. Cette devise est restée gravée dans ma mémoire et m'a aidée à faire preuve d'attention et de curiosité dans mon travail axé sur les erreurs, dans ma propre pratique et dans l'enseignement.

"Détendez votre corps

Ancien message : Posez votre (vos) épaule(s) vers le bas, détendez votre bras.etc. Les instruments tels que le violon, l'alto et la flûte traversière impliquent tous de lever les mains au-dessus de la clavicule, ce qui implique une légère élévation de la clavicule et de la région de l'épaule. Les messages du type "épaules baissées" peuvent en fait provoquer des blessures. Le fait de lever les mains et de comprimer le bras vers le bas en même temps restreint les nerfs et les vaisseaux sanguins qui passent sous la clavicule. Cela peut parfois entraîner des blessures désagréables comme le syndrome du défilé thoracique, une impaction nerveuse qui provoque des engourdissements dans les mains. 

Nouvelle possibilité : Rétablir la liberté et l'alignement de l'ensemble du corps, puis libérer l'ensemble du bras.. Si un élève se crispe sur ses bras, il faut d'abord s'attaquer à la façon dont son corps bouge dans son ensemble. La technique Alexander est l'un des moyens les plus rapides et les plus efficaces pour y parvenir, mais si vous n'avez pas accès à un cours, voici quelques exercices simples à essayer : marcher en jouant, marcher en arrière pour rééquilibrer la colonne lombaire, se tenir debout sur un coussin de mousse élastique pour introduire un peu plus de mouvement, se tenir sur un pied en jouant pour perturber les vieux schémas, expérimenter l'inclinaison du bassin, ou plier profondément les genoux et revenir à la position debout afin de réorganiser le corps. 

Après avoir abordé le corps dans son ensemble, regardez le bras. Savez-vous ce qu'est un bras entier et où il est relié à votre torse ? De nombreuses personnes, même des joueurs professionnels accomplis, pointeront à tort leur épaule, là où se trouve la couture de leur manche. Placez plutôt votre main sur le milieu de votre clavicule. C'est là que le bras est relié au corps, au niveau de l'articulation sternoclaviculaire. Oui, la clavicule fait partie du bras ! Savoir cela vous aidera à mieux bouger et à enseigner le mouvement plus clairement. Pour plus d'informations, consultez un livre de cartographie corporelle tel que celui de Jennifer Johnson. Ce que tout violoniste doit savoir sur le corps. 

"Jouer de dos

Ancien message : Jouez depuis votre dos. J'ai entendu des professeurs de cordes et de claviers utiliser cette expression qui prête à confusion. Et, maintenant que j'ai l'œil très exercé d'un professeur de Technique Alexander, j'ai vu ces professeurs déformer leurs propres mouvements lorsqu'ils démontraient ce concept ! Lorsqu'un professeur dit "jouez de dos", il essaie probablement d'aider l'élève à trouver une plus grande puissance et une meilleure coordination de l'ensemble du bras. Oui, le bras comprend l'omoplate et il y a des muscles dans le dos qui travaillent lorsque nous utilisons nos bras. Mais "jouer avec le dos" est une façon très peu claire de communiquer cela, et les élèves consciencieux risquent de se contorsionner douloureusement en réponse. 

Nouvelle possibilité : Les bras se trouvent principalement sur le côté avant du corps et se déplacent dans le plan frontal ! Envoyez votre puissance dans les touches du piano, vos cordes, votre archet, etc. 

"Stand Up Straight" (se tenir droit)

Anciens messages : Se tenir droit. Ce message conduit souvent l'élève à resserrer certaines parties de son corps vers l'arrière et vers le bas, dans une tentative de pousser le reste de son corps vers le haut, dans une certaine idée de meilleure posture. Aie ! N'est-ce pas là une façon déroutante de se mouvoir ? Évitez à tout prix les fictions anatomiques. Notre colonne vertébrale a quatre courbes. Elle est conçue pour être courbée. Les courbes sont une bonne chose.

Nouvelles possibilités : Tenez-vous debout, courbés. Tenez-vous droit et facilement. Demandez à votre tête de se lever et au reste de votre corps de suivre. Plus vous apporterez de vérité anatomique à votre langage, plus vous et vos élèves vous déplacerez et penserez clairement.

L'être entier

Ancien message : Sortez de votre tête ! Entrez dans votre corps ! Les gens disent souvent cela lorsqu'ils remarquent qu'un artiste devient autocritique, renfermé, tendu ou trop analytique. Cependant, il n'est pas possible de "sortir de sa tête" ou de "rentrer dans son corps". Nous sommes des êtres incarnés, entiers. Dans son ouvrage classique L'utilisation du soi, F.M. Alexander a écrit qu'"il est impossible de séparer les processus 'mentaux' et 'physiques' dans toute forme d'activité humaine". Aujourd'hui, les neurosciences, domaine en plein essor, expliquent les mécanismes de l'unité corps-esprit. Pour un article amusant et accessible sur ce sujet, consultez l'article de Jon Hamilton sur NPR intitulé "An Overlooked Brain System Helps you Grab a Coffee - and Plan your Next Cup" (Un système cérébral méconnu vous aide à prendre un café - et à planifier votre prochaine tasse). ² 

Nouvelle possibilité : Pensez à l'ensemble. La technique Alexander m'a appris que nous sommes des êtres à part entière et que le mouvement est une pensée incarnée. Les pensées et les mots que nous utilisons s'inscrivent dans nos mouvements. Les artistes doivent bouger avec clarté, énergie, efficacité et assurance, et non se détendre. Avec une base de connaissances plus large et un vocabulaire pédagogique plus précis, vous choisirez des objectifs plus efficaces pour vos élèves, et ils en récolteront les fruits. Alors, au lieu de vous détendre, choisissez la facilité, la clarté et la joie !

Lisa Toner enseigne le violon, l'alto et la technique Alexander à Bellingham, WA. Après avoir obtenu une licence de violon à l'université Western Washington, où elle a joué dans le quatuor à cordes de la bourse, sa curiosité pour le processus d'enseignement et d'apprentissage l'a amenée à poursuivre un master en psychologie de l'éducation à l'université de Washington. Elle y a mené un projet de recherche de trois ans sur l'interaction entre l'enseignant et l'élève pendant les cours de musique individuels. Elle a suivi une formation de professeur de Suzuki avec Cathy Lee, a créé un studio de violon privé florissant et est devenue professeur certifiée de Technique Alexander en 2019. Elle enseigne la technique Alexander à des particuliers et à des groupes et aime aider ses élèves à libérer leur potentiel.