Vies parallèles : Suzuki et l'art de l'improvisation et du jazz

J'ai la chance que mes limites musicales aient été brouillées dès l'enfance.
très tôt. Mes parents étaient des mélomanes qui ont exposé
de blues, de jazz, de soul, de la Motown, de la musique de l'époque, etc.
et la musique classique.
Ayant grandi dans le système scolaire public de Détroit, mon
les enseignants des collèges et lycées ont été des jazzmen accomplis

joueurs. Nous avons joué le répertoire classique requis dans le domaine de l'État.
des concours d'orchestre à grande échelle. Mais nous avons également joué des

des morceaux de jazz.
Le trompettiste Jesse Virden était mon professeur de collège qui
nous encourageait à jouer à l'oreille. L'altiste Anderson White était mon
professeur de lycée qui a initié mes camarades de classe à l'électricité
violons et des arrangements orchestraux de jazz. Il nous faisait
"se lever et prendre un solo" dans la glorieuse tradition des big bands.
J'ai également pris des cours particuliers avec Joe Striplin, qui était le
premier violoniste noir de l'orchestre symphonique de Détroit.
Mon objectif est de créer et de mettre en œuvre une idée différente à chaque fois.

que j'improvise. C'est ce qui fait de moi une personne bien équilibrée, versa-
musicien carreleur. Parce qu'il n'y a pas d'erreurs - seulement de meilleures

des choix. C'est pourquoi j'aime enseigner l'improvisation et le jazz.
Le Dr Suzuki arrive en Amérique
Des lys dans un champ de violons flottants.
C'est ce que j'ai imaginé lorsque le Dr Shinichi Suzuki est venu à l'hôpital.
le Max and Marjorie S. Fisher Music Center au centre ville

Détroit. Le Fisher Center était l'endroit idéal pour faire l'expérience de la vie...
Il est également un lieu de rencontre pour le jazz et la musique de chambre. Anciennement Orchestra Hall, le

La salle a été rénovée après de nombreuses années et l'acoustique a été améliorée.
tiques étaient idéales ; elles rivalisaient avec la perfection sonore de Carnegie

Hall et le Concertgebouw à Amsterdam. J'ai pu voir et

entendre chaque enfant individuellement et, simultanément, faire l'expérience de la vie en société.
l'excellence de l'ensemble : le mariage entre les

les respirations, la musique et l'inspiration méditative des
La pédagogie du Dr Suzuki a transformé ma façon de penser. Je voulais
de tisser les textures de l'ensemble dans mon propre jeu.
les méthodes d'enseignement et les rituels d'exécution. Le Dr Suzuki avait
m'a propulsé dans la quatrième dimension.
Matsumoto avec le Dr. Suzuki
Après avoir reçu ma formation Suzuki au Spartanburg
Suzuki Institute à Spartanburg, en Caroline du Sud, j'ai voyagé

à Tokyo pour donner des concerts dans des clubs de jazz, ce qui coïncidait avec le début de la saison.
talement alignés sur les critères de l'Institut de recherche sur l'éducation des talents.

programme d'été à Matsumoto. C'est là que j'ai rencontré le Dr.
Suzuki. J'ai eu le privilège de passer deux jours fantastiques.
l'observation de ses méthodes d'enseignement significatives.

Il s'agit notamment de

• "Écouter de la bonne musique
• Développer une bonne production sonore avant la lecture de notes
  compétences
• Apprentissage par mémorisation
• Exercices de placement de l'archet pour la vitesse, l'équilibre et le phrasé
  et l'articulation.
  Le Dr Suzuki nous a encouragés à écouter d'une manière qui nous était propre.
  nouveau pour moi. C'est une philosophie universelle pour tout musicien
  qui souhaite explorer et développer son art.
  Pour le joueur curieux, la transcription de l'improvisation
  solos nous permet de comprendre comment le phrasé, l'articulation,
  et les fondements des accords sont organisés. La transcription est
  particulièrement précieux pour les joueurs ayant reçu une formation classique qui
  désireux d'aller au-delà de leur niveau de confort. Le visuel
  La transcription seule nous permet de conceptualiser et d'approfondir l'analyse de la transcription.
  imaginer ce que nous écoutons.
  Je mettrais également l'accent sur l'importance d'apprendre à
  développer un bon son. Pour cela, il faut apprendre à aligner
  l'instrument avec le corps. Particulièrement pour les très jeunes
  les joueurs, la tenue de l'arc et la traction-poussée de l'arc sont
  avant même qu'ils n'apprennent à lire. Par habitude

écouter de la bonne musique et être vigilant sur l'alignement du corps.
de la production de sons, nous pouvons préparer nos étudiants à l'apprentissage de l'anglais et du français.

une approche réussie pour développer leur son et leur style.

Une fois cette logistique physique mise en place, il est possible de la répéter régulièrement.
tion facilite la dextérité, la rapidité et la production d'un bon son.

Pour les joueurs débutants, j'aime mettre en place des
la répétition en introduisant des gammes pentatoniques en guise d'ouverture
jeu d'improvisation. Cette gamme est facile à entendre et utilise
un enchaînement de doigtés qui saute le deuxième ou le troisième
doigts, en fonction de la clé. Je demande également aux élèves de rester
à l'intérieur de ce schéma pentatonique lorsqu'ils improvisent.
(Par exemple, en utilisant la pentatonique en mi, nous n'utilisons que les notes de ré et d'octave.
Une chaîne de caractères.)
La tendance naturelle d'un instrumentiste à cordes qui improvise

est de jouer une longue phrase sans pause. Et j'encourage les stu-
Les élèves doivent rester dans les limites de la tonalité afin de comprendre ce qui se passe.

la discipline qu'implique l'improvisation. Mais lorsque les étudiants
sont limités à deux chaînes de caractères, cela devient un défi unique pour
créer des rythmes et des idées mélodiques plus courtes. J'utilise l'analogie de
devenir un conteur. L'histoire contient des phrases qui
ont des virgules et des points. Il y aura également de nouveaux paragraphes.
En jouant ces nouvelles phrases mélodiques, les élèves doivent

lèvent leur arc et respirent. Et lorsqu'ils atteignent un nouveau para-
graph, il permet de développer un nouveau cadre mélodique.

L'étape suivante consisterait à ajouter l'élément extérieur
qui auraient des
les notes et les doigtés. Il est important
que les élèves pensent aux mêmes notes
dans différentes octaves, sur différents
cordes. Une gamme plus large
d'octaves élargit la couleur de la
l'improvisation, ce qui constitue également un défi
un étudiant à créer simultanément
au-delà de leur zone de confort.
En approfondissant, on constate qu'il y a
également des notes spécifiques à l'intérieur d'une tonalité (généralement
la dominante ou la sous-dominante) qui

se prêtent à l'alignement sur les com-
mas, périodes, respiration et résolution.

J'aime toujours rappeler aux étudiants que
nous créons de la musique, des mélodies,
des rythmes et des moments qui ont
jamais entendue !
Vies parallèles

L'apprentissage de l'exécution est le fondement de la réussite.
tion de jeu.

Avec les joueurs improvisateurs, la pratique
des gammes spécifiques, des motifs, des accords
progressions et idées mélodiques dans
la répétition cohérente devient floue

intentionnellement après l'avoir appris com-
fortablement. L'objectif est de créer une

variation ou nouvelle idée sur n'importe quel sujet
thème, fragment mélodique ou phrase
que nous pratiquons.
Souvent, une idée mélodique ou une cellule
qui s'est développée à partir de ce processus de
la pratique devient un thème original
par lequel les joueurs improvisateurs qui
sont les compositeurs qui l'utiliseront pour une
segment d'une composition originale.
Et c'est là toute la beauté et la magie de
conceptualisation : l'idée que

compositeurs et improvisateurs sont inter-
des faiseurs de musique changeants.

Je crois que l'inclinaison est le retournement
dans l'art de la musique improvisée.
Il permet de créer de merveilleuses surfaces chaudes et lisses,
des sons soulful, jazzy et bluesy. I
J'adore le nœud à l'envers de ce Dr.
Suzuki utilise dans ses enseignements ; c'est une grande
de devenir fluide dans la phraséologie et dans l'écriture.
l'articulation. En général, les instrumentistes à cordes
peuvent se rendre l'ultime justice
en prêtant attention à la finesse
de phrasé sur d'autres instruments.
Cela peut également s'avérer très utile

pour les étudiants qui étudient des sujets spécifiques
l'échelle et le travail de transcription où
une répétition constante est nécessaire.
En étudiant les chanteurs, les cornistes,
les pianistes ou tout autre instrument

d'un autre endroit de notre vil-
lage, nous pouvons accroître nos sensibilités

et la sensibilisation au-delà de l'approche classique
Ces nouveaux sons ne vont pas seulement
transport, mais aussi de vous faire jouer
avec l'objectif le plus grand.
Incorporer
Improvisation et jazz
Comment encourager un élève à
solo lors d'une répétition d'orchestre ?
Lorsque j'enseigne dans le cadre de résidences et
n'ont pas eu le temps de devenir
de la connaissance des étudiants, il m'arrive d'être
intégrer l'idée de "collectif/libre
l'improvisation" comme moyen d'offrir un environnement
un havre de paix pour que chacun se sente "suffisamment libre"
d'expérimenter sans être entendu.
Je les encourage à choisir une échelle
qui soit confortable pour tout le monde et
composer un court thème mélodique à jouer
dans une approche freestyle. En observant les
collectif en mouvement, je peux remarquer quels
les étudiants semblent se concentrer sur leur propre
son, ce qui me permet de les isoler
pour de courts moments d'improvisation

et s'engager ensuite avec l'ensemble de l'en-
semble à nouveau. Il se peut que je répète ce schéma

pour quelques tours supplémentaires avec divers
d'autres élèves pour mettre le doigt sur la
le pouls de ceux qui deviennent "intrigués"
avec ce jeu d'improvisation.
Je crois aussi beaucoup à l'éclatement de la bulle.
groupe. Tout au long de mes années en tant que
artiste enseignant, j'ai été témoin de la
les résultats les plus étonnants sont obtenus lorsque l'on est jeune
les personnes ont la liberté créative de
explorer l'un avec l'autre. Les voir
se blottissent et reviennent avec une nouvelle mélodie
ou une harmonie qu'ils viennent de composer
est à couper le souffle. Le processus n'est pas seulement
leur permet de s'épanouir sur le plan artistique, mais aussi

encourage la libre pensée, la con-
de la conscience et d'une forme de démocratie.

le travail d'équipe et le renforcement de l'esprit d'équipe. Le pro-
Le processus permet également de promouvoir les talents cachés et les

et fait ressortir les promesses et les
de nombreux arrangeurs en herbe.

Le cœur et l'esprit

Voici quelques-uns des classiques...
des improvisateurs et des compositeurs formés

qui m'ont inspiré :
Violon
John Blake, Stephane Grappelli, Stuff
Smith, Ray Nance, Ginger Smock,
Leroy Jenkins, India Cooke, Jean
Luc Ponty, Billy Bang, Regina Carter,
Charles Burnham, Papa John Creach
Viola
Svend Asmussen
Violoncelle
Akua Dixon, Deirdre Murray, Tomeka
Reid
Quatuors
Turtle Island String Quartet, Harlem
Quartet, New Muse4tet, Catalyst
Quartet, Publiq Quartet

Je vous laisse donc avec le texte suivant...
des pensées négatives : Êtes-vous ouvert aux

explorer les sons et les techniques be-
au-delà de votre formation et de votre expérience ? Faites-vous

vous vous autorisez à devenir créatif
vulnérable ? Avez-vous l'obligation

En tant qu'enseignant, vous devez représenter à vos élèves les avantages et les inconvénients de l'enseignement supérieur.
dents une vision multiculturelle de la musique ?

Gwen Laster siège au conseil d'administration de
Administrateurs de BeaconArts, une association 501 (c)
3 organisation à but non lucratif qui a
a promu et nourri les arts au sein de l'Union européenne.
Beacon depuis plus de 15 ans. La mission

de BeaconArts est de favoriser et d'encourager les
l'avancement de la ville de

Beacon en tant que centre artistique et culturel.
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