Parallel Lives (Vidas Paralelas): Suzuki e a arte da improvisação e do jazz

Tenho muita sorte de minhas linhas musicais terem sido borradas em um
desde cedo. Meus pais eram amantes da música e expuseram
me levou a uma fonte de blues, jazz, soul, Motown
som e música clássica.
Tendo crescido no sistema de escolas públicas de Detroit, minha
os professores de ensino fundamental e médio eram talentosos no jazz

jogadores. Tocamos o repertório clássico necessário no estado.
grandes competições orquestrais. Mas também tocamos em orquestras

peças de jazz.
O trompetista Jesse Virden foi meu professor no ensino médio que
nos incentivou a tocar de ouvido. O violista Anderson White foi meu
professor do ensino médio que apresentou aos meus colegas de classe a energia elétrica
violinos e arranjos orquestrais de jazz. Ele nos fazia
"Levante-se e faça um solo" na gloriosa tradição das grandes bandas.
Também tive aulas particulares com Joe Striplin, que era o
primeiro violinista negro da Orquestra Sinfônica de Detroit.
Minha meta é criar e executar uma ideia diferente a cada vez

que eu improviso. Isso é o que torna uma pessoa versátil e completa.
músico de azulejos. Porque não há erros - apenas melhores

escolhas. É por isso que adoro ensinar improvisação e jazz.
Dr. Suzuki vem para os Estados Unidos
Lírios em um campo de violinos flutuantes.
Foi isso que eu imaginei quando o Dr. Shinichi Suzuki veio para
o Max and Marjorie S. Fisher Music Center no centro da cidade

Detroit. O Fisher Center foi o local perfeito para experimentar.
jazz e música de câmara. Anteriormente Orchestra Hall, o

O local havia sido reformado depois de muitos anos e a acústica foi melhorada.
A música era ideal, rivalizando com a perfeição sônica da Carnegie

Hall e o Concertgebouw em Amsterdã. Eu pude ver e

ouvir cada criança individualmente e, ao mesmo tempo, vivenciar a experiência.
a excelência do conjunto: o casamento entre o

as respirações, a música e a inspiração meditativa de
A pedagogia do Dr. Suzuki transformou minha maneira de pensar. Eu queria
para incorporar as texturas do conjunto em minha própria
métodos de ensino e rituais de performance. O Dr. Suzuki tinha
me levou para a quarta dimensão.
Matsumoto com o Dr. Suzuki
Depois de receber meu treinamento em Suzuki na Spartanburg
Suzuki Institute em Spartanburg, Carolina do Sul, viajei

para Tóquio para fazer shows em clubes de jazz, o que coincidiu com a viagem de Tóquio.
alinhado com a classificação do Talent Education Research Institute

programa de verão em Matsumoto. E foi lá que conheci o dr.
Suzuki. Tive o privilégio de passar dois dias fantásticos
observando seus métodos de ensino significativos.

Eles incluíam:

• "Ouvindo boa música"
• Desenvolvimento de uma boa produção de tom antes da leitura de notas
  habilidades
• Aprendizado por memorização
• Exercícios de colocação do arco para velocidade, equilíbrio e fraseado
  e articulação.
  A Dra. Suzuki nos incentivou a ouvir de uma forma que não estávamos acostumados.
  novo para mim. Essa é uma filosofia universal para qualquer músico
  que deseja explorar e expandir sua arte.
  Para o músico curioso, a transcrição de improvisos
  solos nos permite entender como o fraseado, a articulação,
  e os fundamentos dos acordes são organizados. A transcrição é
  especialmente valioso para o jogador com treinamento clássico que
  ansiosos para ir além de seu nível de conforto. O visual
  A transcrição, por si só, nos permite conceituar e
  imaginar o que estamos ouvindo.
  Eu também priorizaria a importância de aprender a
  desenvolver um bom som. Isso vem com o aprendizado de como alinhar
  seu instrumento com seu corpo. Especialmente para os mais jovens
  jogadores, segurar o arco e puxar e empurrar o arco é muito
  informações, mesmo antes de aprenderem a ler. Por rotina

ouvir boa música e ficar atento ao alinhamento do corpo.
e produção de tons, podemos preparar nossos alunos para

uma abordagem bem-sucedida para desenvolver seu som e estilo.

Uma vez que essa logística física esteja implementada, a repetição consistente de
A tonalidade facilita a destreza, a velocidade e a produção de um bom timbre.

Para jogadores iniciantes, gosto de implementar uma
repetição ao introduzir escalas pentatônicas como abertura
jogo de improvisação. Essa escala é fácil de ouvir e utiliza
uma sequência de dedilhado que pula a segunda ou a terceira
dedos, dependendo da tonalidade. Também peço aos alunos que permaneçam
dentro desse padrão pentatônico quando estão improvisando.
(Por exemplo, ao usar a pentatônica de Mi, usamos apenas as notas Ré e
Uma string).
A tendência natural de um instrumentista de cordas que está improvisando

é tocar uma frase longa sem pausa. E eu incentivo os alunos...
os alunos a permanecerem dentro dos limites tonais para que entendam

a disciplina envolvida na improvisação. Mas quando os alunos
são limitados a duas cadeias de caracteres, torna-se um desafio único
criar ritmos e ideias melódicas mais curtas. Eu uso a analogia de
tornar-se um contador de histórias. Na história, há frases que
têm vírgulas e pontos finais. Também haverá novos parágrafos.
Ao tocar essas novas frases melódicas, os alunos devem

levantam o arco e respiram. E quando alcançam um novo para-
O gráfico permite o desenvolvimento de uma nova estrutura melódica.

A próxima etapa seria adicionar o
que teriam diferentes
notas e dedilhados. É importante
que os alunos pensem nas mesmas notas
em diferentes oitavas, em diferentes
cordas. Alcançando uma faixa mais ampla
de oitavas expande a cor do
improvisação; isso também desafia
um aluno para criar simultaneamente
além de sua zona de conforto.
Ao nos aprofundarmos mais, há
também notas específicas em uma tecla (geralmente
a dominante ou subdominante) que

se prestam ao alinhamento com a com-
mas, períodos, respiração e determinação.

Sempre gosto de lembrar aos alunos que
estamos criando música, melodias,
ritmos e momentos que têm
nunca foi ouvido!
Vidas Paralelas

Aprender a executar é a base para o sucesso.
de jogo.

Com jogadores improvisadores, a prática
escalas, padrões e acordes específicos
progressões e ideias melódicas em
a repetição consistente fica embaçada

intencionalmente depois de ser aprendido com o usuário.
de forma sólida. O motivo é criar um

variação ou nova ideia sobre qualquer coisa
tema, fragmento melódico ou frase
que praticamos.
Muitas vezes, uma ideia melódica ou célula
que se desenvolveu a partir desse processo de
a prática se torna um tema original
pelo qual os músicos improvisadores que também
Os compositores utilizarão isso para um
segmento de uma composição original.
E essa é a beleza e a magia de
conceitualização: a noção de que

Os compositores e improvisadores são inter
criadores de música mutáveis.

Acredito que a curvatura é a virada
ponto na arte da música improvisada.
Ele pode criar um ambiente maravilhosamente quente e escorregadio,
sons de alma, jazz e blues. I
Adoro o arco virado de cabeça para baixo que o dr.
Suzuki usa em seus ensinamentos; é um ótimo
maneira de se tornar fluente em fraseado e
articulação. Em geral, os instrumentistas de cordas
podem fazer a si mesmos a justiça suprema
prestando muita atenção à delicadeza
de fraseado em outros instrumentos.
Isso também pode ser especialmente útil

para alunos que estão estudando
trabalho de escala e transcrição onde
É necessária uma repetição constante.
Estudando cantores, músicos de trompa,
pianistas ou qualquer outro instrumento

de outro lugar em nosso vilarejo global.
lagem, podemos aumentar nossa sensibilidade

e consciência além do clássico
Esses novos sons não apenas
transporte, mas também o engaja a jogar
com a lente de ângulo mais amplo.
Incorporação de
Improvisação e jazz
Como incentivamos um aluno a
solo durante um ensaio de orquestra?
Quando estou dando aulas em residências e
não tiveram tempo suficiente para se tornarem
familiarizado com os alunos, às vezes
incorporar a ideia de "coletivo/livre
improvisação" como uma forma de proporcionar um ambiente seguro
paraíso para que todos se sintam "suficientemente livres"
experimentar sem ser ouvido.
Eu os incentivo a escolher uma escala
que seja confortável para todos e
compor um tema melódico curto para tocar
em uma abordagem de estilo livre. Ao observar o
coletivo em movimento, posso perceber qual
os alunos parecem se concentrar em suas próprias
som, o que me permite separá-los
para breves momentos de improvisação

e, em seguida, envolver-se com toda a comunidade.
semble novamente. Talvez eu repita esse padrão

por mais algumas rodadas com vários
outros alunos para colocar meu dedo na
pulso de quem está ficando "intrigado"
com esse jogo de improvisação.
Também acredito muito na fuga
grupo. Ao longo de meus anos como
artista docente, testemunhei a
resultados mais surpreendentes quando jovem
as pessoas têm a liberdade criativa para
explorar um com o outro. Vendo-os
se reúnem e retornam com uma nova melodia
ou uma harmonia que acabaram de compor
é de tirar o fôlego. O processo não apenas
capacita-os artisticamente, mas também

incentiva o livre-pensamento e a convivência social.
consciência e um tipo democrático de

trabalho em equipe e formação de equipes. O pro-
também promove talentos ocultos e

habilidades, e traz à tona a promessa e a
potencial de muitos arranjadores iniciantes.

Corações e mentes

Aqui estão alguns dos clássicos
improvisadores e compositores treinados

que me inspiraram:
Violino
John Blake, Stephane Grappelli, Stuff
Smith, Ray Nance, Ginger Smock,
Leroy Jenkins, Índia Cooke, Jean
Luc Ponty, Billy Bang, Regina Carter,
Charles Burnham, Papa John Creach
Viola
Svend Asmussen
Violoncelo
Akua Dixon, Deirdre Murray, Tomeka
Reid
Quartetos
Quarteto de Cordas de Turtle Island, Harlem
Quarteto, New Muse4tet, Catalyst
Quarteto, Quarteto Publiq

Portanto, vou deixá-los com o seguinte
pensamentos de baixa: Você está aberto a

explorando sons e técnicas
além de seu treinamento e experiência? O que você faz

você se permite ser criativo
vulnerável? Você tem a obrigação de

como professor para representar para seus alunos
dencia uma visão multicultural da música?

Gwen Laster atua no Conselho de
Diretores da BeaconArts, uma organização 501 (c)
3 organização sem fins lucrativos que tem
promoveu e fomentou as artes em
Beacon há mais de 15 anos. A missão

da BeaconArts é fomentar e incentivar a
o avanço da cidade de

Beacon como um centro de artes e cultura.
Para ler mais e apoiar a BeaconArts,