La pédagogie Suzuki dans la formation des professeurs de musique

Ma carrière, voire ma vie musicale, a pris un certain nombre de tournants auxquels je ne m'attendais pas lorsque j'ai entrepris mes études musicales. J'ai déjà écrit dans l'ASJ que lorsque j'étais jeune professeur d'orchestre, je pensais avoir tout compris et que l'apprentissage de la pédagogie Suzuki lors de mes études supérieures a changé à la fois mon enseignement et mon attitude envers les élèves pour le meilleur (Saccardi, 2022). Récemment, j'ai dû faire face à un autre changement dans ma vie musicale que je n'avais pas anticipé : ne plus enseigner la musique aussi souvent. En tant que membre du corps enseignant de l'École de musique de l'Université d'État de Louisiane, je fonctionne désormais en partie comme ce que de nombreux acteurs de l'enseignement supérieur appellent un éducateur de professeurs de musique. À ce titre, je suis chargé de former les étudiants de premier cycle en éducation musicale aux méthodes et aux éléments d'un enseignement efficace. Ce rôle me donne de nombreuses occasions de parler de musique en aidant à préparer la prochaine génération de professeurs de musique, mais moins de faire de la musique comme je le faisais autrefois en tant que professeur d'orchestre et professeur de basse en studio à temps plein. En m'installant dans ce rôle, j'ai réfléchi à la manière dont la pédagogie et les principes du Dr Suzuki pourraient être appliqués à la formation des professeurs de musique et mis en œuvre dans mes cours de méthodologie à l'université. Même si je ne fais plus de musique aussi souvent qu'avant, je peux modéliser les principes de Suzuki pour mes étudiants et les encourager à adopter ces mêmes principes dans leurs propres classes. Voici quelques exemples de la façon dont j'ai appliqué les principes de Suzuki à la formation des professeurs de musique.

Un beau cœur, un beau ton

L'un des principes les plus durables du Dr Suzuki est peut-être celui d'élever les enfants en tant qu'"êtres humains nobles" (Suzuki, 1969). C'était pour lui une priorité absolue, plus encore que le développement de l'excellence musicale. Dans son esprit, le développement des compétences musicales était un moyen de cultiver l'humanité durable d'une personne. Bien que mes étudiants soient déjà des adultes lorsqu'ils arrivent à l'université, le concept de Beautiful Heart, Beautiful Tone guide à la fois mon travail en classe avec eux et l'identité que je les encourage à cultiver en tant que jeunes enseignants.

J'ai l'occasion de travailler avec des enseignants en formation tout au long de leur séjour à l'université. Je les rencontre d'abord dans le cadre de mon cours d'introduction à l'éducation musicale, dont les objectifs sont de fournir aux étudiants leurs premières expériences d'enseignement guidé, d'apprendre les éléments d'un enseignement efficace, de commencer à faire évoluer leur identité d'étudiant en musique à celle de professeur de musique, et de les inciter à réfléchir à une philosophie personnelle de l'éducation musicale. Ce dernier objectif donne souvent lieu à plusieurs jours de discussions approfondies sur les convictions des étudiants et sur les raisons pour lesquelles ils sont dans une école de musique. Nombre de mes étudiants ont choisi de devenir professeurs de musique en raison du lien profond qu'ils ont ressenti avec la musique, mais ce que nous découvrons souvent après plusieurs discussions en classe, c'est que ce qui les a vraiment conduits à leur programme d'études, c'est le sentiment que la musique était un endroit où ils se sentaient à leur place, un endroit où ils s'intégraient. Pour beaucoup, le cours de musique est l'endroit où ils se sentent le plus considérés en tant qu'êtres humains et où ils peuvent répondre musicalement à cette attention et à cette compassion. Cela m'amène à partager avec eux l'un des principes directeurs de ma propre philosophie : J'enseigne aux gens et le sujet est la musique.

Nous nous identifions souvent comme professeur de violon, professeur d'orchestre ou même professeur de Suzuki, mais combien d'entre nous s'identifient comme quelqu'un qui enseigne aux gens ? Le changement que j'essaie de susciter oriente la pensée de mes étudiants de manière à ce qu'ils travaillent avec des êtres humains vivants, respirant, et non avec des récipients vides à remplir de leurs connaissances musicales. Ces jeunes enseignants sont encouragés à considérer l'humanité de leurs futurs élèves comme une priorité absolue, qui ne sera suivie que par le développement musical de leurs élèves. Une belle sonorité suit un beau cœur. Nous avons ces discussions relativement tôt dans le programme d'études, car il est important pour moi qu'ils conservent cette disposition tout au long de leurs cours de méthodologie, de leurs expériences sur le terrain et de leur stage d'enseignement.

Formation des talents

Certains aspects de l'éducation aux talents peuvent sembler trop tardifs pour être abordés lorsque l'étudiant est en âge d'aller à l'université. Par exemple, mes étudiants sont déjà des musiciens expérimentés, et non de très jeunes débutants. Ce sont généralement des lecteurs compétents, qui doivent atteindre un certain seuil de musicalité pour être admis à l'école de musique. Les parents ne font généralement pas partie du processus d'apprentissage à l'université ; les étudiants apprennent souvent à devenir des adultes en même temps qu'ils apprennent à enseigner. Mais il existe d'autres aspects de l'éducation aux talents qui transcendent l'âge ou l'expérience et qui peuvent s'appliquer à n'importe quel contexte.

Au cours des années intermédiaires de leur cursus, les étudiants en éducation musicale suivent généralement des cours de méthodologie organisés autour de différentes familles d'instruments. J'enseigne le cours de méthodes de cordes, qui offre une vue d'ensemble semestrielle des aspects techniques et pédagogiques de l'enseignement des instruments à cordes aux enfants. Plutôt que de diviser le cours en plusieurs unités où tous les étudiants apprennent chaque instrument dans un ordre clinique et séquentiel, j'ai choisi de structurer le cours de la même manière que je l'enseignais à mes étudiants débutants en orchestre. La seule différence est qu'à la fin de chaque leçon, nous débriefons et discutons de ce que j'ai appris et de la façon dont j'ai abordé cette leçon, ce qui inclut presque toujours une discussion sur les aspects saillants de l'Education au Talent. Voici quelques points concernant l'éducation au talent tirés directement du site Web de la SAA et la façon dont ils sont appliqués dans nos cours de méthodologie.

• Les professeurs de Suzuki croient que les capacités musicales peuvent être développées chez tous les enfants : La plupart des élèves de mes cours de méthodologie ne sont pas des instrumentistes à cordes natifs ; ils jouent plutôt des instruments à vent, des cuivres ou des percussions et ont l'intention de devenir professeur d'orchestre ou de musique générale au niveau élémentaire. Malgré cela, l'expérience de l'apprentissage d'un instrument à cordes leur permet de découvrir que tout le monde peut en fait apprendre n'importe quel instrument s'il est enseigné correctement. Elle permet également de cultiver l'empathie à l'égard des élèves qui en sont aux premiers stades de l'apprentissage d'un instrument.
• La technique est enseignée dans le contexte des morceaux plutôt que par des exercices techniques arides : Nous ne regardons même pas un livre de méthode jusqu'à bien après les partiels (lecture différée ; nous y reviendrons plus tard). Au lieu de cela, nous apprenons la position correcte de l'instrument (Statue de la Liberté), la tenue de l'archet (Up like a Rocket) et la production du son (Mississippi Stop Stop, etc.) par la pratique plutôt que par la lecture. Toutes les techniques suivantes sont apprises grâce à un répertoire commun mémorisé tel que "Hoe Down" et "Mary Had A Little Lamb" et en utilisant les rythmes Twinkle pour enseigner les schémas de doigts et les coups d'archet.
• Les élèves se produisent fréquemment, en groupe ou individuellement : Nous élargissons cette idée pour inclure le fait de jouer ET de s'enseigner les uns les autres fréquemment. Oui, nous jouons beaucoup individuellement et en groupe pour mettre en valeur chaque musicien et montrer des techniques de répétition efficaces, mais les élèves ont aussi de nombreuses occasions de s'enseigner mutuellement leurs instruments respectifs. Les élèves restent sur un seul instrument pendant tout le semestre afin de développer une expertise approfondie sur un instrument plutôt que d'expérimenter un peu les quatre (violon, alto, violoncelle, basse). Cela leur permet d'apprendre par l'enseignement et de consolider leurs propres compétences.

Ce n'est qu'à la fin du semestre que je présente explicitement la méthode Suzuki et la philosophie qui la sous-tend à mes étudiants en méthodes de cordes. Lorsque je le fais, cette introduction est généralement accueillie par la question suivante : "Attendez, n'avons-nous pas fait cela tout le semestre ?!" C'est là tout l'intérêt ! Incorporer les éléments de l'éducation des talents dans son enseignement est un enseignement efficace. Ils apprennent cette leçon à temps pour la mettre en pratique dans leur dernier cours sur la façon de gérer un programme scolaire, de mener des répétitions, et dans leur dernier travail sur le terrain avant l'enseignement stagiaire.

Suzuki dans les écoles

La SAA propose des formations pour les professeurs de musique des écoles afin d'intégrer les principes de Suzuki dans les classes d'instruments à cordes de la maternelle à la 12e année. De nombreux enseignants ont mis en œuvre cette variante avec succès dans leurs écoles, et le programme d'études collégiales en éducation musicale peut appliquer son message principal, qui consiste à viser les plus hauts niveaux de réussite des élèves tout en développant l'estime de soi de chaque enfant dans un environnement positif et stimulant (Suzuki Association of the Americas, 2023). Non seulement je vise à incorporer ces idéaux dans mon propre enseignement universitaire, mais j'encourage mes étudiants à développer une disposition philosophique similaire au fur et à mesure qu'ils forment leur propre identité d'enseignant.

Le dernier cours que les étudiants de premier cycle suivent avant leur stage d'enseignement est le cours de méthodes instrumentales pour le secondaire. Il s'agit d'un cours où les étudiants apprennent traditionnellement à gérer un programme de musique instrumentale dans une école, avec des sujets tels que la planification des cours, la sélection du répertoire, l'étude des partitions, la technique de direction et, à l'occasion, le travail sur le terrain pour mettre en pratique les techniques de répétition et le rythme des cours. Bien que nous fassions toutes ces choses dans mon cours, nous adoptons une approche très orientée vers Suzuki.

Lorsque nous abordons les programmes d'études et la planification des cours, nous discutons souvent du concept du son avant la vue, similaire à l'utilisation de la lecture différée par Suzuki. Bien que le Dr Suzuki ait été un peu le pionnier de cette façon de penser, l'utilisation de cette stratégie est devenue beaucoup plus courante dans l'éducation musicale moderne. Même notre manuel de cours encourage l'utilisation du son avant la vue pour l'orchestre et la fanfare débutants, en consacrant un chapitre entier à ce concept (Feldman & Contzius, 2020). Lors de nos discussions sur le choix du répertoire, j'encourage les étudiants à développer un répertoire "de base" pour leurs classes qui peut être mémorisé et répété, en plus d'autres œuvres préparées pour les concerts. Ceci est similaire à ce que font les élèves de Suzuki en avançant dans un livre.

Lorsque mes étudiants préparent des plans de cours à mettre en œuvre sur leurs sites de travail, ils doivent démontrer dans le plan de cours non seulement comment ils ont l'intention de séquencer leur enseignement, d'utiliser leur temps et de fournir un retour d'information efficace, mais aussi comment ils prévoient de développer l'estime de soi de chaque enfant et d'aider à cultiver un environnement positif et stimulant. Les rappels les plus courants que les étudiants s'écrivent à eux-mêmes ou qu'ils reçoivent en retour sont de s'adresser aux élèves par leur nom, d'apprendre de petits détails personnels sur les élèves (goûts, anniversaires, etc.) et d'apporter une énergie chaleureuse, positive et enthousiaste à leur enseignement. Ces points sont tout aussi importants pour moi (et reçoivent tout autant de crédit) que leur séquence pédagogique. Il s'agit de renforcer constamment le fait qu'ils enseignent à des personnes et que le sujet est la musique. Les élèves ne peuvent pas produire de belles sonorités pour vous s'ils ne sentent pas votre beau cœur.

Coda

Ok, vous avez lu cela et vous vous êtes dit : "C'est bien, mais comment cela s'applique-t-il au travail que je fais dans mon studio ou dans ma salle de classe ? Je n'enseigne pas à l'université". Peut-être, mais considérez les contextes suivants : Si vous dirigez votre propre studio Suzuki, vous pourriez un jour vous retrouver à suivre une formation de professeur Suzuki et à diriger des groupes de formation dans le cadre d'un institut d'été. Ou bien vous vivez dans une région très peuplée avec votre studio bien établi lorsqu'un professeur Suzuki plus jeune ou moins expérimenté s'installe en ville, ouvre son propre studio et vous appelle pour vous demander des conseils et du mentorat. Et si vous êtes directeur d'un orchestre scolaire et qu'un sympathique professeur d'université comme moi vous demande d'accueillir un élève professeur ? Comment aborderez-vous le mentorat de ces enseignants en devenir ?

Les enseignements du Dr Suzuki s'appliquent à de nombreux aspects de notre vie et fonctionnent dans de nombreuses situations d'enseignement. Les principes philosophiques des beaux cœurs, de l'éducation au talent et de Suzuki dans les écoles peuvent être appliqués dans de nombreuses circonstances, y compris la formation des professeurs de musique et le mentorat des nouveaux enseignants. Alors que ces enseignements sont transmis de génération en génération, les enseignants réfléchis et compatissants continueront à trouver de nouvelles façons et de nouveaux contextes dans lesquels cette philosophie peut être appliquée. De plus en plus d'élèves s'en trouveront enrichis.

Références

Feldman, E. & Contzius, A. (2020). *Instrumental Music Education : Teaching with the musical and practical in harmony *(3e éd.). Routledge.

Saccardi, D. (2022). En retard sur la fête. American Suzuki Journal, 50(2). [url=https://suzukiassociation.org/news/late-to-party/]https://suzukiassociation.org/news/late-to-party/[/url]

Suzuki, S. (1969). Nourris par l'amour. Alfred Music.

Association Suzuki des Amériques. (2023, 30 mars). Suzuki dans les écoles. [url=https://suzukiassociation.org/teachers/training/schools/]https://suzukiassociation.org/teachers/training/schools/[/url]