Apprendre Telemann à travers une nouvelle (ancienne) lentille

L'étude du Concerto pour alto en sol majeur de Georg Philipp Telemann, que l'on trouve vers la fin du Livre quatre, offre une occasion unique à l'interprète de mettre en œuvre des éléments d'une pratique d'interprétation historiquement informée, même en utilisant des instruments à cordes d'aujourd'hui. La pratique du concerto de Telemann dans l'optique d'une pratique d'interprétation historiquement informée nécessite une familiarité avec les instruments utilisés à l'époque de Telemann ainsi qu'une connaissance du contexte plus large dans lequel cette œuvre a été écrite. Considéré comme l'un des premiers concertos pour alto connus, il représente un défi formidable mais gratifiant pour l'étudiant altiste. J'ai appris le concerto de Telemann pour la première fois à l'âge de 11 ans, alors que je jouais de l'alto depuis trois ans, et j'ai revisité l'œuvre lorsque j'étais au lycée et que je l'ai jouée avec l'orchestre de mon école. Aujourd'hui, en tant que professionnel jouant fréquemment sur des altos modernes et baroques, j'enseigne et pratique le concerto de Telemann à travers le prisme d'une pratique d'interprétation historiquement informée, dans l'espoir d'inculquer une profonde appréciation de la musique baroque à mes étudiants et à mon public.

La première étape cruciale pour tout interprète désireux d'étudier un morceau de musique sous l'angle d'une pratique d'interprétation historiquement éclairée consiste à s'immerger dans la fonctionnalité, la sensation et le son des instruments utilisés à l'époque de l'écriture de la musique. Telemann, l'un des compositeurs les plus prolifiques de l'ère baroque, a écrit le Concerto pour alto vers 1715 pour une série de concerts hebdomadaires alors qu'il vivait à Francfort, en Allemagne. À l'époque de l'écriture du concerto, les archets utilisés par les interprètes étaient légèrement courbés vers l'extérieur à partir du milieu de l'archet, et les archets étaient plus lourdement lestés au niveau de la hausse. La forme de l'archet baroque est naturellement avantageuse pour l'interprète, qui peut ainsi modeler et affiner chaque note. En fait, l'archet était le principal moyen d'expression dans la musique de l'ère baroque, tandis que le vibrato était utilisé comme un ornement ou une décoration pour certaines notes seulement. En revanche, l'archet moderne est conçu pour la projection et son poids est réparti plus uniformément de la hausse à la pointe. La conception de l'archet moderne se prête à une sonorité plus uniforme et connectée, et le vibrato tend à être la principale forme d'expression. L'interprète qui étudie à travers une perspective historique doit également prendre en considération la différence entre les cordes en acier d'aujourd'hui et les cordes en boyau utilisées à l'époque baroque. Les cordes en boyau plus sensibles (généralement en boyau de mouton) répondent naturellement à la forme de l'archet baroque, alors que jouer sur des cordes en acier modernes demande plus d'effort de la part de l'interprète pour donner n'importe quelle forme à l'archet.

Saisir le terme messa di voceSelon le dictionnaire Oxford Music, il s'agit de chanter ou de jouer une note longue de manière à ce qu'elle commence doucement, qu'elle atteigne son volume maximal, puis qu'elle diminue pour revenir au ton calme d'origine. Pour le jeu des cordes dans la musique de l'ère baroque, la maîtrise de la *messa di voce *est la clé de la maîtrise de l'archet baroque. Giuseppe Tartini (1692-1770) a écrit la lettre suivante en 1760 à son élève Maddalena Lombardini :

Votre principale étude devrait être l'utilisation de l'archet, afin de vous rendre maître dans l'expression de tout ce qui peut être joué ou chanté. . . Tout d'abord, exercez-vous à une *messa di voce *sur une corde à vide, par exemple sur la deuxième, qui est la corde de ré. Commencez pianissimoet augmentez la tonalité par degrés lents jusqu'à fortissimoIl faut le faire aussi bien sur l'arc descendant que sur l'arc montant. Commencez immédiatement cet exercice et consacrez-y au moins une heure chaque jour, mais à des heures différentes, un peu le matin et un peu le soir, et gardez constamment à l'esprit que c'est, de tous les exercices, le plus difficile et le plus important. Lorsque vous maîtriserez cet exercice . ... tous les degrés de pression sur la corde deviendront faciles et certains ; et vous pourrez exécuter avec votre arc tout ce qui vous plaira.

Toutes les notes de musique de l'époque baroque ne seront pas jouées en tant qu'instrument de musique. messa di voceLa pratique de cette technique aide les instrumentistes à façonner avec précision chaque note à l'aide de l'archet baroque, certaines avec un déclin, d'autres avec une croissance jusqu'à la note suivante. Même lorsqu'une note commence fortLe fait de pouvoir exécuter la *messa di voce *permet à l'interprète d'enfoncer l'archet dans la corde (même si c'est rapidement) sans l'accent rude qui pourrait naturellement accompagner une *forte* similaire jouée avec un archet moderne.

Comment l'interprète d'aujourd'hui peut-il acquérir de l'expérience avec un archet baroque et des cordes en boyau ? La plupart des étudiants n'y ont pas accès, en particulier dans le monde socialement distant d'aujourd'hui. Je demande parfois à mes élèves de tenir leur archet à cinq ou six pouces au-dessus de la hausse lorsqu'ils jouent un passage du concerto de Telemann.

Bien que la forme physique de l'archet baroque et la réactivité des cordes en boyau soient absentes de cette expérience, le poids supplémentaire de l'archet près de la main d'archet oblige les doigts de la main droite de l'interprète à devenir plus flexibles. Cette nouvelle dextérité permet à l'interprète de pratiquer *messa di voce *sur l'archet moderne tout en tenant l'archet plus près de la grenouille comme d'habitude.

Voici un exemple dans lequel j'utilise la pratique de la *messa di voce *pour façonner une phrase dans le contexte d'un tempo lent.

Dans le troisième mouvement du concerto pour alto de Telemann, je forme la phrase d'ouverture vers le temps faible de la première mesure, puis vers le temps faible de la deuxième mesure. J'ai détaillé le type de direction que je donne à chaque note avec les lignes tracées sous les notes. Les coups d'archet du manuscrit de Telemann sont dessinés au-dessus des notes à titre de référence.

*La Messa di voce n'est pas seulement une technique à maîtriser pour les tempi lents de la musique baroque. Voici un exemple de la façon dont je forme une phrase à l'aide de l'archet dans le début du quatrième mouvement du concerto :

Dans les deux exemples, la courbe de l'archet baroque permet à l'interprète d'éviter les débuts de notes brutaux et encourage les mouvements circulaires du poignet droit lorsque l'interprète passe d'un archet vers le bas à un archet vers le haut ou à une reprise de l'archet. Si l'interprète garde à l'esprit ces avantages naturels lorsqu'il utilise un archet moderne, chaque note prendra vie avec résonance et forme.

L'étude du concerto de Telemann dans l'optique d'une pratique d'interprétation historiquement informée implique également une recherche sur le contexte plus large des autres musiques écrites à l'époque baroque. Une grande partie de la musique écrite en Europe occidentale à l'époque de Telemann était destinée à la danse, qui se composait d'une combinaison de grands et de petits pas, le plus grand étant généralement placé sur le premier temps de chaque mesure. Par conséquent, même dans la musique baroque d'Europe occidentale qui n'était pas directement destinée à la danse, le premier temps de chaque mesure est généralement mis en valeur, les autres temps de la mesure s'éloignant ou menant au premier temps suivant. En gardant à l'esprit l'archet baroque courbe, l'interprète peut utiliser sa familiarité avec la *messa di voce* pour créer un accent arrondi sur le temps fort, tout en laissant l'archet faire des coups plus petits et plus légers pour les temps plus faibles. L'interprète doit également distinguer une hiérarchie de temps forts dans les phrases plus longues. Par exemple, dans l'ouverture du premier mouvement, l'interprète évitera généralement un accent au début, mènera légèrement jusqu'à la mesure 10, puis arrivera véritablement au temps faible de la mesure 12, tout en gardant les notes résonnantes et légères, comme s'il s'agissait d'une danse solennelle.

Les auditeurs de Telemann étaient familiarisés avec une certaine structure musicale. Par conséquent, les changements harmoniques surprenants ou inattendus permettaient à des compositeurs comme Telemann d'insuffler du drame dans leurs œuvres et de capter l'attention de leurs auditeurs. Les interprètes d'aujourd'hui peuvent également mettre en valeur ces notes "bizarres" pour inspirer le drame et l'expression. Par exemple, dans la mesure 9 du troisième mouvement du concerto de Telemann, le si bémol est une note tout à fait inattendue dans la tonalité du mouvement (mi mineur). Telemann utilise ce si bémol pour résoudre un accord de sol mineur. Ensuite, Telemann répète le si bémol à la mesure 10, en l'utilisant cette fois pour faire monter la tension jusqu'à la tonique en si mineur. L'interprète peut mettre en évidence les intentions de Telemann en faisant ressortir ces notes spéciales avec une combinaison de finesse de la main gauche et de la main droite.

Enfin, à l'époque où Telemann écrivait son concerto pour alto, des compositeurs comme Bach écrivaient de la musique très contrapuntique pour des instruments à cordes solistes, avec des notes dans tous les registres de l'instrument, arrangées comme si deux, trois ou même quatre instruments jouaient au lieu d'un seul. Les Suites pour violoncelle BWV 1007-1012 et les Partitas et Sonates pour violon seul BWV 1001-1006 sont des exemples de ce type d'écriture. Ces deux œuvres ont été transcrites pour alto solo.

Il est important pour l'interprète de garder à l'esprit les œuvres solistes de Bach lorsqu'il étudie le concerto de Telemann en raison de la prédominance du contrepoint entre deux ou plusieurs "voix" dans plusieurs passages. Dans l'exemple suivant, tiré du deuxième mouvement, deux voix se distinguent l'une de l'autre à la mesure 45 et se rejoignent finalement au temps faible de la mesure 52. L'interprète peut faire ressortir ces différentes voix en variant le poids et la vitesse de l'archet, tout en gardant à l'esprit la courbe et le poids de l'archet baroque.

À la fin du quatrième mouvement, l'interprète peut distinguer trois voix distinctes : L (basse), M (milieu) et T (haut), comme indiqué ci-dessous.

La connaissance du style d'autres œuvres écrites à l'époque baroque permet à l'interprète de savoir quels sont les éléments à mettre en valeur dans le concerto de Telemann, comme le lien étroit avec la danse et les tendances contrapuntiques.

L'étude du concerto de Telemann à travers le prisme d'une pratique d'interprétation historiquement informée donne à l'interprète une occasion gratifiante de donner vie à l'œuvre sur les instruments d'aujourd'hui. Armé de la connaissance du contexte musical et de la fonctionnalité des instruments d'époque, l'interprète peut en toute confiance donner à n'importe quel morceau de musique une interprétation nouvelle et documentée.