Rythmes complémentaires : Pédagogie Dalcroze et Suzuki

Par Jeremy Dittus, Rhea Edelman, Bret Serrin

Depuis 2000, j'entretiens une longue relation avec la méthode créée par Shin'ichi Suzuki (1898-1998). D'abord en tant que pianiste collaborateur, travaillant avec les étudiants et le corps enseignant de la Wyoming String Academy à Cincinnati, Ohio, puis dans la même institution en créant des cours de musique et de mouvement inspirés de Dalcroze pour leur programme de théorie musicale. Des années plus tard, le programme pour les jeunes a été mis en place à la Dalcroze School of Music and Movement (anciennement Dalcroze School of the Rockies). Dès le début, j'ai eu plusieurs élèves qui suivaient à la fois l'enseignement Dalcroze et la méthode Suzuki. J'étais ravie que nos diplômés aient développé un amour et une compréhension profonds de la musique ; certains ont même poursuivi des études musicales dans des institutions prestigieuses. C'est à cette époque que j'ai commencé à travailler avec les directeurs d'instituts Suzuki à travers le pays pour introduire l'enseignement Dalcroze dans les programmes d'été Suzuki et dans la communauté Suzuki en général. Je suis redevable à la vision intrépide de personnes telles que Ann Kitayama, Gail Seay, Bruce Boiney, Kathie Reed, Cynthia Scott, Donna Davis, Gail Johansen, Ramona Stirling, Pam Brasch et April Losey, qui croyaient que l'eurythmie Dalcroze offrirait aux étudiants une éducation unique et précieuse en plus de leur formation Suzuki. Cela a ouvert d'autres opportunités de faire dialoguer les pédagogies Suzuki et Dalcroze lors de conférences et de festivals.

Aujourd'hui, la relation entre Suzuki et Dalcroze se développe davantage au Suzuki Music Institute of Dallas (SMID), où le curriculum de la Dalcroze School of Music and Movement (DSM) est intégré au programme de formation musicale du SMID pour les élèves de tous âges et de tous niveaux. Ce fut un voyage riche qui m'a montré comment Dalcroze et Suzuki se complètent de manière assez élégante. Cela ne veut pas dire qu'il n'y a pas eu de contretemps et de difficultés, comme c'est le cas pour toute transition de programme. Nous sommes dans notre deuxième année, et je suis reconnaissant à la faculté SMID, y compris le Dr Rhea Edelman, directeur exécutif et chef du département des cordes, et le Dr Bret Serrin, chef du département des claviers et de la harpe, pour leurs efforts continus afin de réunir ces deux méthodes. Nous espérons que le partage de nos expériences pourra être utile aux lecteurs.

Perspectives historiques

Émile Jaques-Dalcroze (1865-1950) a été l'élève de Léo Delibes, Gabriel Fauré et Anton Bruckner. Il fut le premier à développer une méthode moderne d'éducation musicale qui consistait à faire bouger les élèves de tout leur corps en dehors de leur instrument pour devenir de meilleurs musiciens. Il a d'abord été professeur au Conservatoire de Genève, en Suisse, où il enseignait à des étudiants adultes professionnels. Il a compris que l'apprentissage du répertoire seul ne permettait pas toujours de créer des musiciens sensibles, souples et réguliers dans la pulsation, le rythme et la mesure. En outre, il estimait que les méthodes traditionnelles d'enseignement du solfège ne développaient pas toujours l'"oreille interne" des élèves et que ceux-ci ne comprenaient pas facilement la "sensation" des hauteurs. La poussée et la traction de certains tons de tendance au sein d'une gamme n'étaient pas claires pour eux, et ils n'avaient pas une compréhension claire de la fonction mélodique ou des noms de hauteurs.

Pour commencer, Dalcroze a fait travailler les élèves sur les compétences musicales par des mouvements simples : marcher, courir, sauter, se balancer, etc. Selon lui, le mouvement est essentiel pour approfondir les connaissances musicales, stimuler la créativité et l'imagination, promouvoir la souplesse du corps et de l'esprit et favoriser l'appropriation du matériel par l'élève. Il a demandé aux élèves de bouger pieds nus sur de la musique improvisée tout en changeant des éléments tels que le tempo, la dynamique, le rythme, le mètre et la tonalité. Les élèves devaient écouter avec une attention révolutionnaire parce qu'on leur demandait de démontrer ces changements dans la musique. À l'époque (et aujourd'hui encore !), le changement était la seule constante dans la salle Dalcroze, et cette pédagogie s'est avérée très efficace. Ainsi, au début des années 1900, la Méthode Jaques-Dalcroze était née. Plus tard, il adaptera avec succès sa méthode aux enfants ; il emmènera des troupes de ses jeunes élèves à travers l'Europe, où ils seront très applaudis. Parallèlement, il compose des volumes de musique symphonique, de musique de chambre, de musique pour piano, de musique vocale, d'opéras et de pièces de théâtre, et écrit de nombreux livres et articles sur sa méthode. Son travail a inspiré de futurs danseurs tels qu'Isadora Duncan, Sergei Diaghilev (et les Ballets Russes), Marie Rambert et Mary Wigman, ainsi que des musiciens tels qu'Ernest Bloch, Arthur Honegger, Jaqueline Du Pré et bien d'autres.

Aujourd'hui encore, les étudiants Dalcroze de tous âges étudient l'eurythmie (rythme, mesure, phrasé, forme et nuance), le solfège (formation des yeux et des oreilles à la mélodie et à l'harmonie), l'improvisation (combinaison des éléments de l'eurythmie et du solfège de manière créative et expressive) et la plastique animée (analyse visuelle d'un morceau de musique à l'aide du corps).

Philosophies similaires

Il existe de nombreuses similitudes entre Dalcroze et Suzuki, plus que je ne pourrais en énumérer dans le cadre de cet article. Je me concentrerai sur quelques-unes d'entre elles qui ont joué un rôle important dans mon travail jusqu'à présent, en mettant l'accent sur les éléments dalcroziens, puisque les lecteurs sont probablement plus familiers avec la pédagogie de Suzuki.

Suzuki et Dalcroze partagent le même souci de développer la "langue maternelle" musicale afin que l'oreille guide l'élève dans sa compréhension de la musique. À cette fin, Dalcroze a créé des volumes de chansons pour les Suisses, en particulier avec et pour les enfants. Il a écrit des centaines de Rondes, de Pièces Enfantines, de Chansons Populaires et de Marches Rythmiques expressément pour encourager les citoyens suisses à chanter de la belle musique tout en développant la sensibilité musicale, l'expression et l'alphabétisation. Ces pièces sont encore chantées par les Suisses aujourd'hui, et il a laissé une marque indélébile sur cette culture grâce à ses contributions à leur communauté musicale.

Une autre similitude importante entre les deux méthodes est leur désir de créer une société de personnes sensibles à la musique, ce qui influencerait sans aucun doute d'autres aspects de leur vie quotidienne. Des phrases synonymes de Suzuki telles que "Beautiful tone, beautiful heart" et "Character first, ability second" sont reprises par Dalcroze à la page 5 de sa préface à Rhythmic Movement, Vol. 1 :

Le but de mon enseignement est de rendre mes élèves capables de dire à la fin de leurs études, non pas "je sais" mais "je sens", et aussi de créer chez eux le désir de s'exprimer ; car lorsqu'une émotion est fortement ressentie, il y a immédiatement le désir de la communiquer aux autres du mieux que l'on peut. Plus nous aurons de vie, plus nous pourrons répandre la vie autour de nous. Recevoir, donner, telle est la grande loi de l'humanité.

Il développe davantage à la page 130 de Rythme, musique et éducation : "L'élément le plus important des leçons de musique devrait être leur effet général d'éveiller chez l'élève l'amour de l'art ; pour cela, il est nécessaire - en passant du général au particulier - de l'initier aux deux éléments primordiaux de la musique : le rythme et la tonalité."

Dalcroze et Suzuki s'accordent également sur l'importance qu'ils accordent à la relation élève-enseignant. Les relations parentales étaient importantes pour Dalcroze et il a souvent écrit à ce sujet. Dans Eurhythmics Art and Education (p. 101), il fait allusion à la collaboration entre l'enseignant et le parent : "la fonction des parents et des enseignants est de renforcer et de développer l'enfant de telle manière que l'esprit et le corps forment un instrument parfait sur lequel apprendre à jouer la chanson de la vie". Comme Suzuki, Dalcroze cherchait constamment à aller plus loin que la simple virtuosité et les performances parfaites. L'instructeur (et le parent) a une grande responsabilité dans le développement de l'élève en tant qu'être à part entière. Il le dit clairement dans Rhythm Music and Education : "Un véritable pédagogue doit être à la fois psychologue, physiologiste et artiste. Le citoyen complet doit quitter l'école en étant capable non seulement de vivre normalement, mais aussi de ressentir la vie. Il doit être en mesure à la fois de créer et de répondre aux créations des autres".

{media:49171:med:r:Écouter avec tout le corps. Jeremy Dittus au piano dirige les élèves dans des exercices de réaction pour stimuler la créativité et l'imagination }.

Aspects uniques de la La Méthode Jaques-Dalcroze

Maintenant que nous avons mis en évidence certaines similitudes, il est intéressant d'aborder certaines caractéristiques uniques de l'enseignement Dalcroze qui le rendent utile aux professeurs Suzuki. En effet, les professeurs Suzuki peuvent déjà incorporer certaines de ces idées, mais il est intéressant de considérer la perspective dalcrozienne.

Tout au long de sa méthode, Dalcroze croyait que les élèves devaient d'abord expérimenter la musique avant de l'analyser, qu'ils devaient d'abord bouger au rythme de la musique avec tout leur corps avant de discuter des termes, et que le développement du corps en tant qu'instrument de musique était primordial pour toutes les autres formes d'apprentissage. C'est à la page 5 de la préface de Rhythmic Movement, Vol. 1, que Dalcroze exprime le mieux ses convictions : "Toute la méthode est basée sur le principe que la théorie doit suivre la pratique, que les règles ne doivent pas être enseignées aux enfants avant qu'ils n'aient eux-mêmes fait l'expérience des faits qui ont donné lieu aux règles, et que la première chose que l'on doit leur apprendre est de se connaître eux-mêmes. Les opinions et les conclusions des autres ne doivent leur être enseignées que plus tard". Il s'agit là d'un défi de taille, qui prend du temps à être relevé et qui ne peut être mené à bien dans la précipitation.

Dalcroze croyait fermement que la musique elle-même devait être le professeur de la manière la plus large possible ; aujourd'hui encore, de nombreux Dalcroziens décrivent leur travail comme "une éducation dans et par la musique". Suzuki partageait ce sentiment, puisqu'il déclara un jour à un journaliste que sa méthode "n'est pas l'éducation du violon, mais l'éducation par le violon". Cependant, contrairement à Suzuki, qui a développé une série systématique de répertoires pour enseigner la technique fondamentale de chaque instrument, Dalcroze était plutôt opposé à ce que les élèves apprennent la musique d'une manière, d'un système ou d'une approche donnés. C'est plutôt à l'enseignant de décider quoi, quand et comment la musique doit être enseignée. Quoi qu'il en soit, c'est avant tout la musique qui guide les oreilles, les yeux, les corps et les cœurs des élèves tout au long du cours. Comme le dit Dalcroze à la page 2 de La Grammaire de la Rythmique : "La méthode que j'ai créée et qui porte mon nom a pour but d'harmoniser les capacités spirituelles et corporelles par la musique. Notre système d'éducation utilise la musique pour jouer le triple rôle de stimulateur, de motivateur et de régulateur".

Il convient de préciser que Dalcroze n'a pas eu à se préoccuper du niveau technique de ses élèves : ils jouaient tous à un très haut niveau avant d'arriver au Conservatoire de Genève. De même, Suzuki n'avait pas nécessairement besoin de mettre l'accent sur les cours de formation musicale (théorie musicale, solfège, rythme, alphabétisation, etc.) dans les leçons de ses élèves, car cela était abordé dans leurs cours de solfège à l'école. Les deux pédagogues ont profité du fait qu'une partie importante du développement musical se déroulait en dehors de leurs méthodes respectives. Par conséquent, comme le Yin et le Yang, Dalcroze et Suzuki peuvent se mouler l'une à l'autre de manière exquise. Au fur et à mesure que les deux méthodes se sont développées au cours du siècle dernier et jusqu'à aujourd'hui, il n'est pas étonnant que beaucoup d'entre nous aient pris conscience des avantages qu'il y a à tisser ces deux pédagogies ensemble.

L'harmonie dans la diversité des approches

C'est avec ces principes uniques en tête que les Dalcroziens ont transmis leur amour de la musique par le mouvement aux élèves Suzuki au cours du siècle dernier. Grâce à sa passion pour l'excellence musicale et à son incroyable travail d'équipe, la communauté Suzuki a créé une fabuleuse plateforme permettant aux élèves d'apprendre à jouer de leur instrument à un très haut niveau, sans doute plus que n'importe quelle autre méthode sur la planète n'a pu le faire. Naturellement, il faut du temps pour accomplir cela chaque semaine - généralement plus de temps qu'il n'est possible d'en consacrer aux leçons individuelles. C'est là que je pense que Dalcroze Education s'intègre parfaitement dans le tableau : nous abordons les concepts que les professeurs de Suzuki n'ont pas le temps d'aborder chaque semaine. Bien sûr, cela ne veut pas dire que les professeurs Suzuki n'enseignent pas la musique. Cela ne pourrait pas être plus éloigné de la vérité, et il y a de nombreuses façons dont les professeurs Suzuki abordent activement ces compétences dans les classes de groupe et les leçons privées. Néanmoins, la pédagogie Dalcroze apporte des éléments importants à la pédagogie Suzuki, et en travaillant ensemble, nous pouvons créer une scène fantastique sur laquelle nos élèves peuvent se développer.

Dans chaque classe, les Dalcroziens s'efforcent de cultiver les compétences musicales de leurs élèves de l'intérieur vers l'extérieur. La pédagogie Dalcroze crée un environnement qui permet aux élèves de découvrir et d'expérimenter comment la musique sonne, comment elle est ressentie, comment elle bouge et enfin comment elle apparaît dans une partition. Nous offrons de multiples façons de savoir, afin que les différents apprenants puissent trouver un moyen de développer leur propre compréhension de la musique. Nous incitons les élèves à réfléchir de manière créative et imaginative à leur formation musicale, à improviser avec leur voix et leur corps, et à adopter différentes manières de connaître la musique au-delà de la pratique de leur instrument. Grâce à l'incarnation, les élèves développent une propriété musicale unique qui encourage la liberté et la souplesse lorsqu'ils abordent leur répertoire instrumental. De cette manière, Dalcroze et Suzuki jouissent d'une symbiose que je trouve à la fois élégante et inspirante.

Structures

Au Suzuki Music Institute of Dallas (SMID), les élèves inscrits au programme complet bénéficient d'une leçon privée hebdomadaire, d'une classe de groupe Suzuki spécifique à un instrument et d'une classe de groupe Dalcroze pour les élèves âgés de quatre ans et plus. Le programme d'études de la DSM pour les jeunes comprend trois programmes principaux : Les cours d'eurythmie pour les élèves de quatre à sept ans, les cours de rythmique-solfège (RS) pour les élèves de six à quatorze ans et les cours de Dalcroze avancé (AD) pour les élèves de onze à dix-huit ans (voir le site Internet de DSM pour plus de détails). Nous regroupons les élèves autant que possible par âge et par niveau Dalcroze, ce qui est essentiel car les enfants de cinq ans bougent très différemment de ceux de douze ans. Nous essayons de faire en sorte que le cours de groupe ou la leçon privée Suzuki de chaque élève ait lieu le même jour que son cours de Dalcroze afin de réduire la charge de travail des parents.

En ce qui concerne les devoirs, les étudiants Suzuki ont leurs gammes standard, leurs études et un répertoire qui dépend largement de chaque professeur. Les cours collectifs Suzuki durent généralement entre trente et soixante minutes par semaine. En Dalcroze, les élèves d'eurythmie assistent au cours sans leurs parents pendant quarante-cinq minutes. Ils disposent d'une "feuille d'activités" qu'ils ramènent à la maison et qu'ils complètent chaque semaine afin de renforcer ce qu'ils ont appris en classe. Les élèves de rythmique-solfège et de dalcroze avancé ont cours soixante minutes par semaine et reçoivent des devoirs hebdomadaires qu'ils doivent travailler à la maison en utilisant leur métallophone. Les devoirs comprennent des mélodies et des rythmes à chanter, à jouer ou à diriger, ainsi que des travaux écrits sous forme d'énigmes, de jeux et autres, afin de développer leurs connaissances en théorie musicale et de les relier à leur musicalité générale. Nous utilisons les systèmes de hauteur et de fonction pour enseigner le solfège : les noms de lettres pour les noms de notes et les nombres de degrés de la gamme pour la fonction de hauteur. Nous utilisons une variété de langages rythmiques pour le solfège (mots de mouvement, couleurs de rythme, etc.) afin d'aider les élèves à intérioriser profondément le rythme et le mètre. Le fait d'avoir une variété de systèmes pour le rythme et la hauteur aide les élèves à accepter l'idée qu'il y a plusieurs façons de connaître la musique.
{media:49170:med:c:Des adolescents participant à un cours de Dalcroze au Colorado Suzuki Institute.}

A la fin de chaque année scolaire, les élèves de Rythmique-Solfège et de Dalcroze Avancé passent des évaluations de sortie au cours desquelles ils bougent, chantent et dirigent des mélodies et des rythmes devant un jury pour passer au niveau Dalcroze suivant, de la même manière que les élèves doivent réussir leurs récitals du Livre Suzuki pour passer au livre suivant. Au fur et à mesure que les élèves passent aux niveaux supérieurs, nous ajoutons la dictée, l'improvisation et d'autres éléments à leurs évaluations. En outre, le SMID organise chaque hiver une semaine de la réussite au cours de laquelle les élèves font des gammes, des études, du répertoire et une composante Dalcroze pour l'ensemble de la faculté. Tout cela favorise un niveau élevé et l'intégration des deux méthodes au sein d'une même institution.

Les professeurs sont en mesure de collaborer et de répondre aux besoins des étudiants qui éprouvent des difficultés avec certains concepts musicaux. Nous avons connu de belles réussites. Les enseignants peuvent signaler qu'un élève en particulier a des difficultés avec un modèle rythmique donné ou à entendre la différence entre les pas entiers et les demi-pas, et je peux prendre du temps en classe pour répondre à ces préoccupations. La faculté SMID s'est montrée très ouverte à l'utilisation d'un nouveau vocabulaire rythmique dans ses cours, que les élèves utilisent en classe avec moi. Cela contribue à créer une solidarité au sein de la faculté. Bien entendu, les enseignants ne sont pas tenus d'utiliser le vocabulaire ou les systèmes que les élèves utilisent en classe, ce qui est également une bonne chose pour les élèves : la diversité des approches ne fait qu'aider les élèves à grandir.

Comme la méthode Suzuki, l'enseignement Dalcroze prend du temps. Transmettre les vertus de la patience et de l'assiduité est un défi pour tous les enseignants, et celui-ci ne fait pas exception. Je dis souvent que ce type d'apprentissage est un marathon, pas un sprint ; les progrès sont souvent non linéaires. Les élèves ne reconnaissent pas toujours l'impact réel du mouvement et de la musique sur leur développement. Cela s'explique principalement par le fait que l'apprentissage fondé sur l'expérience et la découverte n'est pas instantané, alors que nous vivons dans un monde de gratification instantanée. De plus, certains élèves ne sont pas habitués à la liberté d'expression et de mouvement qu'offre Dalcroze, ce qui peut être déstabilisant au début. L'une de mes stratégies consiste à proposer aux élèves au moins une façon d'aborder un concept donné, tout en les encourageant à trouver leurs propres moyens. Avec le temps, nos élèves développeront leur vocabulaire gestuel et seront plus à l'aise pour exprimer leurs propres idées. C'est ce qui se passe déjà, à petite échelle, avec beaucoup de nos élèves, et c'est passionnant de le voir se développer ! Nous avons observé une croissance musicale substantielle entre les représentations de la Semaine des réalisations 2022 et celles de la Semaine des réalisations 2023. Je ne peux m'empêcher de penser que l'ajout de Dalcroze dans le tissu musical de ces élèves a joué au moins un petit rôle dans leur développement et leur amélioration. A cette fin, il serait utile d'entendre deux présidents de département SMID parler de leurs expériences.

Perspectives pour les cordes

Par Rhea Edelman

L'une des grandes forces de la méthode Suzuki est qu'elle permet aux jeunes enfants de jouer de la musique réelle et intéressante dès le début de leur formation. Cependant, le défi est d'abord d'enseigner la musique bien au-delà de leur compréhension intellectuelle, puis de développer à la fois la compréhension et l'intuition pour qu'elles correspondent à leurs compétences. En tant qu'enseignants, nous avons tous du mal à trouver un équilibre entre l'enseignement de la technique, du répertoire, de la théorie, de la géographie de la touche et de la musicalité, le tout dans le cadre d'une leçon hebdomadaire.

Les élèves de SMID ont toujours eu un cours de théorie séparé, et cela a été un soutien énorme pour nos leçons privées et collectives. Cependant, même les élèves ayant suivi un programme théorique ont souvent du mal à appliquer les connaissances acquises dans leur contexte sur leur instrument. En raison de la nature expérimentale de l'apprentissage, Dalcroze semble combler ce fossé et donne aux élèves à la fois une compréhension intellectuelle et une véritable appropriation des concepts. Alors que nous n'en sommes qu'à notre deuxième année, j'ai constaté plusieurs évolutions importantes chez mes élèves grâce à leurs cours de Dalcroze. Une compétence importante que j'avais auparavant laissée de côté sur ma longue liste de choses à faire en tant qu'enseignante est l'incorporation de la signature. 

La capacité de chanter ouvre un monde de possibilités pour les élèves. Un passage difficile peut être simplifié en supprimant la logistique du violon et en développant d'abord une véritable compréhension de ce qui doit être joué. Si un élève a des difficultés avec quelque chose et que je le fais d'abord chanter, il peut ensuite, presque invariablement, mieux le jouer. Chanter avec le solfège donne également aux élèves la liberté de créer la forme de la phrase qu'ils veulent dans leur esprit d'abord, puis de créer le son sur leur instrument. Pensez au nombre de fois où, dans notre pratique professionnelle, nous chantons quelque chose dans notre tête avant de le jouer. Les hauteurs peuvent alors être anticipées au lieu d'être recherchées, et le rythme peut être ressenti au lieu d'être forcé. Cependant, il est difficile, voire impossible, pour les élèves d'apprendre à chanter dans leur tête s'ils ne sont pas d'abord capables d'apprendre à chanter à voix haute. Même les élèves qui ont une très bonne oreille ne savent pas toujours comment utiliser leur voix, et il est extrêmement utile qu'ils développent cette capacité lorsqu'ils apprennent le solfège, les degrés de la gamme, les intervalles, etc. 

Je constate également que les élèves sont plus sensibles au rythme. Ils ont adopté les systèmes Dalcroze Rhythmic-Solfège et les utilisent dans leur jeu. Comme ils sont habitués à chanter et à bouger les rythmes, leur facilité et leur constance à les jouer est un prolongement naturel. Cela semble également contribuer au développement de la lecture, puisque les rythmes des premiers niveaux de lecture et l'apprentissage des rythmes Dalcroze sont étroitement alignés.

Au fur et à mesure que nos jeunes débutants grandiront au cours des deux prochaines années, je serai très intéressé de voir comment leur expression musicale et leur intuition se développent également. Les élèves habitués à chanter, à diriger et à bouger leur corps en musique développeront probablement un mouvement plus naturel et une expression physique dans leur propre jeu. Dans les cours Dalcroze, les élèves réagissent à ce qu'ils entendent et apprennent à anticiper. Par exemple, ils peuvent entendre une phrase antécédente et improviser leur propre phrase conséquente qui équilibre la structure de la période. Je suis impatient de voir comment ce développement de l'intuition musicale en dehors de leur instrument se combinera avec l'accent que nous mettons sur le jeu musical dans le studio au fur et à mesure que ces jeunes élèves grandiront. 

En tant que parent d'un pianiste de quatre ans qui a commencé Dalcroze en même temps que les cours, j'ai remarqué des développements similaires dans son apprentissage. Bien que nous n'ayons pas commencé à lire les notes en cours de piano, il est impatient et capable d'identifier des motifs rythmiques simples à la vue et à l'oreille dans sa musique, et nous incorporons le chant des couleurs rythmiques pour maintenir une pulsation régulière et des rythmes corrects. Je l'ai vu développer ses capacités vocales, ce qui lui permet de chanter ses morceaux en accord ; après tout, ce n'est pas parce qu'un enfant peut entendre qu'il peut vocaliser avec précision. Il s'amuse à créer/improviser des paroles et je le surprends souvent en train de fredonner ses morceaux pendant la journée. Mais le plus important à ce stade, c'est qu'il adore bouger de manière expressive au son de la musique. Il apprend à ressentir la musique, à écouter et à réagir aux rythmes, à la dynamique, au caractère et à la forme. Nous créons un véritable intérêt pour le jeu avec expression dès le plus jeune âge, soutenu par l'excellence technique pour permettre la musicalité et le développement de la compréhension intellectuelle pour soutenir l'intuition. 

Perspectives pour le clavier et la harpe

Par Bret Serrin

L'ajout de la composante Dalcroze au programme d'études musicales de SMID a été révolutionnaire. Il nous a permis d'adopter une approche plus globale et intégrée dans la manière dont nous aspirons à créer les musiciens les plus réfléchis et les plus intuitifs. En tant que professeurs Suzuki, nous comprenons tous la nécessité vitale et l'importance de la théorie musicale, car elle informe à la fois notre approche et notre compréhension intellectuelle du répertoire que nous enseignons. En tant que pianiste, on ne peut certainement pas enseigner les compositions importantes de Bach, Mozart, Beethoven, Chopin, Liszt et Rachmaninoff sans avoir une compréhension approfondie des harmonies, des relations rythmiques, du contrepoint, de la mesure et d'une foule d'autres éléments. Une compréhension cérébrale confère une plus grande profondeur de sentiment à l'interprétation de l'élève, simplement par la nature d'une meilleure perception. Cependant, j'ai toujours cherché la meilleure façon d'appliquer ces concepts au pianisme d'un enfant.

Ce que Dalcroze fait avec tant de succès, et ce que j'ai vu en abondance dans la croissance de mes élèves au cours des deux dernières années, c'est une véritable fusion de l'intellect et de l'intuition de l'enfant. En tant qu'enseignante, j'ai toujours été très intéressée par l'application - comment ils écoutent, comment ils perçoivent la tonalité, comment ils apprennent et intègrent une phrase, et comment ils intériorisent et "ressentent" la musique. Mes plus jeunes pianistes apprennent à se déplacer dans le temps et à incarner ce qu'ils jouent, ce qui est beaucoup plus applicable à une performance réussie que la simple compréhension de la nature d'une signature temporelle d'un point de vue numérique.

L'élément chant et solfège, bien que n'étant pas unique à Dalcroze, est une partie importante de leur formation. Notre voix est l'instrument que nous possédons tous et c'est la partie la plus naturelle de l'apprentissage de la formation d'une phrase à tous les niveaux de développement. Apprendre à chanter de la manière la plus expressive sur les degrés de la gamme, les nombres de lettres et le Solfège rythmique a une application fantastique d'un point de vue théorique et musical. Mes élèves avancés apprennent à se déplacer et à exécuter des polyrythmes, qui sont si importants dans l'interprétation du répertoire pianistique avancé. Ils apprennent également à chanter en harmonie les uns avec les autres, ce qui implique de comprendre comment et pourquoi les harmonies dictent leur phrasé. Ce ne sont là que quelques exemples de l'impact du programme Dalcroze sur ce département du SMID.

Codetta

J'attends avec impatience les années à venir pour voir comment le programme Dalcroze au SMID se développera et comment le dialogue entre les deux méthodes se développera. Nous n'en sommes qu'au début de notre collaboration, et je peux déjà dire que nous faisons la différence... et c'est vraiment passionnant !

Références

Jaques-Dalcroze, Émile.* Eurhythmics, Art, and Education.* Trans. Fredrick Rothewell. Ed. Cynthia Cox. Londres : Chatto and Windus, 1930.

Jaques-Dalcroze, Émile. Rythme, musique et éducation. Trans. Harold Rubenstein. Londres : The Dalcroze Society, 1921.

Jaques-Dalcroze, Émile. "La Grammaire de la Rythmique, *Le Rythme *N° 17, trad. Jeremy Dittus. Genève, Institut Jaques-Dalcroze, 1926.

Jaques-Dalcroze, Émile. *Mouvement rythmique Volume I. *Londres : Novello and Company, 1920.