Preparar a los jóvenes violinistas para tocar música contemporánea

Cuando los alumnos terminan los libros Suzuki y entran en la universidad como estudiantes de música, la música contemporánea puede parecerles nueva y aterradora. A menudo la notación puede parecer aterradoramente diferente y los sonidos no se parecen a nada de lo que han sido entrenados para producir. Puede ser poco familiar porque a los alumnos no se les han dado las herramientas para entenderla. Las técnicas construidas en el repertorio Suzuki presentan a los alumnos una base sólida para tocar música de las eras Barroca y Clásica, y hay maravillosas compilaciones de piezas románticas para alumnos fácilmente disponibles. Sin embargo, existen menos recursos didácticos para el ámbito de la música clásica contemporánea, lo que hace que muchos profesores la eviten por completo. Pero no tiene por qué ser así. Como profesores, podemos dar a los alumnos las herramientas necesarias para tocar y apreciar la música contemporánea desde las primeras etapas del proceso de aprendizaje. En este artículo he recopilado algunas ideas para empezar.

Hay muchas razones para introducir a los alumnos en la música contemporánea. Una de las principales habilidades necesarias para acercarse a la música contemporánea es la capacidad de experimentar y pensar de forma innovadora. Esta creatividad les servirá no sólo para hacer música, sino para el resto de su vida. Por supuesto, no todos los alumnos seguirán una carrera musical, pero debemos prepararlos por si deciden tomar este camino. Exponerles a la música contemporánea es esencial para ello; omitirla es como no presentarles nunca a Bach sin acompañamiento, una categoría musical importante que al menos deberían conocer. Algunos de estos estudiantes se convertirán en los músicos que interpretarán la nueva música a medida que se vaya escribiendo. Los que no se dediquen a la música seguirán siendo espectadores de conciertos, y podemos ayudarles a entender y apreciar la música nueva.

La enseñanza de la música contemporánea se enfrenta a importantes obstáculos: muchos profesores no están familiarizados con ella y existen pocos recursos para enseñarla. Resulta incómodo enseñar lo que no se conoce y, a menudo, se necesita más tiempo para investigar del que disponemos con una apretada agenda docente. Espero que los recursos de este artículo puedan hacerlo más asequible. No tenemos que salirnos mucho del repertorio Suzuki para empezar a dar a los alumnos las habilidades que necesitarán para la música contemporánea. Todo lo que necesitamos es estar abiertos a experimentar un poco, a probar algo nuevo junto con nuestros alumnos. Nosotros, como profesores, también podemos seguir aprendiendo y esto es parte de lo que puede hacer que las clases sean frescas y emocionantes tanto para el profesor como para el alumno.

También existe el estigma de que la música contemporánea es bastante difícil, y queremos ser prudentes a la hora de proporcionar a nuestros alumnos una base sólida de habilidad interpretativa antes de complementarla. Parte de la música contemporánea sólo parece difícil porque utiliza técnicas o notación desconocidas, pero gran parte de ella es en realidad bastante difícil. Con la generosa ayuda de otros profesores, he estado recopilando una lista graduada de repertorio contemporáneo complementario, que se encuentra al final de este artículo. No es exhaustiva, pero las piezas que contiene son relativamente fáciles de encontrar, divertidas de tocar y accesibles para los alumnos.

Introducir la música contemporánea a los estudiantes

Desde Pre-Twinkle hasta el final de Violín Suzuki Vol. 3, los alumnos están aprendiendo habilidades básicas necesarias para cualquier música que encuentren. En esta etapa, el repertorio básico nos mantiene ocupados y contiene una gran secuencia para introducir técnicas, sin necesidad de complementar otras piezas. Pero incluso en esta etapa, podemos exponer a los alumnos a todo tipo de música a través de la audición. Puedes confeccionar una lista de audiciones recomendadas para tu estudio, que vaya creciendo a medida que conozcas nuevas piezas. También es fácil crear listas de reproducción y compartirlas con los alumnos. Las clases en grupo pueden escuchar piezas juntos y comentar lo que han oído. Anima a tus alumnos a ir a conciertos. Tengo muy buenos recuerdos de cuando mi profesora, la Dra. Rebekah Hanson, llevaba a nuestra clase de grupo a conciertos de orquesta; interpretábamos piezas Suzuki en el vestíbulo antes del concierto y después escuchábamos a la sinfónica profesional. Fueron grandes experiencias de unión en el estudio, y de esta manera me expuse a una música que no habría escuchado de otra manera.

En estas primeras etapas, también podemos incorporar juegos rítmicos en las lecciones y clases colectivas que preparen a los alumnos para la nueva música. Una vez que los alumnos comprenden los compases 3/4 y 4/4, ¡no debemos detenernos ahí! Enseguida podemos introducir compases desiguales como el 5/4 y el 7/4, y cuando estén preparados, compases compuestos y síncopas. Todo esto puede hacerse con divertidos juegos aparte del instrumento que no interfieran con las técnicas básicas que estamos intentando establecer.

Una vez que los alumnos de violín alcanzan el Libro Cuatro Suzuki, a menudo es apropiado comenzar a complementar el repertorio. Ahora tienen las habilidades para comenzar a acercarse a otros tipos de música. Además, no es raro que los alumnos comiencen a sentirse agotados alrededor de este nivel. A menudo están listos para algo nuevo y diferente. Por estas razones, es un buen momento para empezar a introducir técnicas y piezas contemporáneas.

Introducción de nuevas técnicas

Para mí, las técnicas contemporáneas se dividen en dos categorías. En primer lugar, están las técnicas extravagantes que en realidad son bastante sencillas de aprender. Éstas no se suelen enseñar a menos que las encontremos en una pieza, y como no aparecen mucho en el repertorio Suzuki, se pueden pasar por alto accidentalmente. Cuando el alumno esté preparado, ¡puedes introducirlos! Incluyen: pizzicato/pizzicato mano izquierda, cambios rápidos entre pizz y arco, pizzicato Bartók (snap), col legno, sul tasto/sul ponticello, arco circular, trémolo, con sordino, y muchos más.

Estas pueden ser formas divertidas de darle sabor a las piezas de repaso Suzuki en la clase grupal. Es bastante fácil añadir sul ponticello al eco en Go Tell Aunt Rhody, por ejemplo. Y hay infinitas maneras de modificar Perpetual Motion para incluir pizzicato de mano izquierda, col legno, etc. A los niños les encantarán los nuevos sonidos que pueden producir, y cuando estas técnicas aparezcan en el repertorio, ya les resultarán familiares. También hay piezas complementarias estupendas que no son demasiado difíciles e incluyen algunas de estas técnicas. Un ejemplo es Masques de Persichetti, que tiene diez movimientos de carácter muy cortos.

La segunda categoría de técnica contemporánea incluye áreas de desarrollo continuo, que deben formar parte de las clases y la práctica rutinaria para que el alumno siga desarrollando sus habilidades. Se dividen en tres subcategorías: habilidades rítmicas, habilidades avanzadas de entonación y musicalidad.

Ritmo

El ritmo es uno de los elementos más importantes que necesita un desarrollo continuo. Es fácil dejar de trabajarlo activamente una vez que los niños saben leer música, o sólo trabajarlo cuando aparece en el repertorio. El problema es que el repertorio Suzuki contiene en su mayoría ritmos sencillos que no se parecen en nada a los que los alumnos encontrarán en la música nueva. Tenemos que ayudar a los alumnos a familiarizarse con estos elementos del ritmo: compases desiguales; cambio entre compases; ritmos cruzados (3 contra 2, 4 contra 3, etc.); y subdivisión en partes distintas de tres y dos.

Una vez más, podemos reutilizar piezas de repaso para trabajarlas. Puedes crear ritmos complicados para tocar en Twinkle. Perpetual Motion se adapta fácilmente al compás de 5/8 si añades una nota repetida a cada grupo de cuatro. Si te sientes aventurero, puedes incluso transformarla en 7/8 restando una nota a cada dos grupos de cuatro.

Como ya se ha mencionado, hay muchos juegos divertidos para aplaudir en grupo. Puedes practicar ritmos cruzados dividiendo la clase en dos partes y haciendo que un grupo aplauda a dúo y el otro a tres. Cuando te resulte fácil, prueba con ritmos cruzados más difíciles. Steve Reich incluso ha compuesto una pieza llamada *Clapping Music* que podría ser un gran proyecto de clase en grupo avanzado.

Cuando los alumnos hayan aprendido las aceleraciones de escala habituales, pruebe a introducir otras subdivisiones: ligados de cinco y siete por arco, y mezclar el orden de los patrones de ligado. También hay muchas obras complementarias estupendas para practicar el ritmo, como los 44 dúos de Bartók y las melodías de violín de Europa del Este, para las que existen recopilaciones de fácil acceso.

Entonación

En la música contemporánea, los alumnos se encontrarán con técnicas de entonación avanzadas, para las que también podemos prepararlos. Éstas son algunas de ellas: registros extremos, grandes saltos, glissandi, armónicos (naturales y artificiales), dobles registros, armonía no tradicional y microtonos.

Las piezas del Libro Uno Suzuki pueden adaptarse fácilmente para practicar la audición de nuevas armonías. Uno de mis juegos favoritos de clase en grupo es tocar Twinkle en tres tonalidades diferentes a la vez, escuchando las sorprendentes armonías resultantes. ¿Puedes seguir tocando afinado cuando es difícil oír el centro de tono? También puedes transponer Go Tell Aunt Rhody o Allegro a otros modos, como el frigio o el dórico. Perpetual Motion puede modificarse para incluir grandes saltos de una octava o dos; puedes añadir un glissando a un armónico en la nota repetida; puedes practicarlo en décima posición. Añade dobles paradas a las piezas de repaso, empezando por las cuerdas al aire y progresando gradualmente hacia otras más difíciles, como las terceras. La música de violín también es una buena forma de trabajar las dobles paradas. En nuestra rutina de escalas, podemos incorporar modos menos estándar, como escalas octatónicas u otros patrones de intervalos. Una vez más, muchas obras complementarias tienen grandes opciones para practicar estos retos de entonación, incluidos los dúos de Bartók y otros de la lista adjunta que presentan una parte tonal del alumno contra una línea más disonante del profesor o un acompañamiento de piano.

Musicalidad

La música contemporánea exigirá a los alumnos un mayor control sobre la calidad de su sonido y su musicalidad general. Estos retos pueden incluir cambios dinámicos y de carácter repentinos, nuevos timbres, una actitud de curiosidad y experimentación, e improvisación. Con el repaso, puede ser divertido elegir personajes, colores o texturas para representar. Por ejemplo, puedes tocar Hace mucho, mucho tiempo con el tono de la lija o el terciopelo, o el color naranja quemado. Discute con la clase lo que esto podría significar y probad cosas juntos. Practica cambios dinámicos repentinos: haz que el líder del grupo cambie sin previo aviso y que todos los demás vean lo rápido que pueden seguirle. Cuando practiques el tono, ve más allá de lo que "suena bien" para extremar las posibilidades del personaje. Explore toda la gama de posibilidades cromáticas, desde los tonos rasgados hasta el flautando. Incorpore repertorio complementario que practique una amplia variedad de caracteres. Persichetti Masques funciona bien para esto, o para estudiantes más avanzados, Penderecki's Tanz.

No se trata en absoluto de una exploración exhaustiva de las técnicas implicadas en la música contemporánea ni de las formas de presentar esta música a los estudiantes. Pretende ser un punto de partida y mostrar que no sólo es posible, sino esencial, enseñar a los alumnos a tocar música contemporánea. Podemos empezar a dotar a los niños de las habilidades que les permitan acercarse a esta música. Espero que esto te inspire a explorar la nueva música de una forma quizás nueva y a compartirla con los demás.

Un agradecimiento especial a los profesores que me ayudaron en este proyecto de investigación compartiendo generosamente su tiempo y sus recursos, entre ellos Wendy Seravalle-Smith, Charles Krigbaum y Carrie Reuning-Hummel.

Comfort Smith es violinista y profesora de Newberg, Oregón. Comfort tiene un máster en Pedagogía Suzuki e Interpretación de Cuerda por el Ithaca College, y una licenciatura en Interpretación Musical e Inglés por la Universidad George Fox. Además de enseñar, toca con la Orquesta Sinfónica de Vancouver y otros grupos locales, y también disfruta componiendo y haciendo arreglos. A Comfort le encanta enseñar y cree que todos los niños pueden aprender a tocar un instrumento. Para más información, visite la página web del estudio: ivystringsacademy.com.