Fomentar la adaptabilidad

Integrando Repertorio Diverso en el Método Suzuki

por Gabriela Fogo

El Método Suzuki, creado en la década de 1950 por Shinichi Suzuki, ha ganado una gran popularidad y ha seguido creciendo de forma constante hasta nuestros días. Introducido en Estados Unidos en la década de 1960, ganó especial atención en 1964, cuando Suzuki llevó a sus alumnos de gira para actuar en la Conferencia Nacional de Educadores Musicales de Filadelfia. La actuación llamó la atención de los educadores y contribuyó a la creciente popularidad del método. Empezó a atraer a más alumnos y a aumentar el interés por la formación de profesores a través de institutos de verano, talleres y programas de larga duración para una formación intensiva en universidades. En 1986, el destacado educador musical John Kendall declaró su creencia en los signos de desarrollo continuo, refinamiento y adaptabilidad del Método Suzuki: "La energía imaginativa y creativa del Método Suzuki, que ha conmovido tan profundamente a niños, padres y profesores en los últimos veinticinco años, es probable que continúe afectando la educación musical de las generaciones venideras."¹

Con la asombrosa cifra de aproximadamente 400.000 alumnos aprendiendo instrumentos a través del Método Suzuki, las predicciones de John Kendall sobre el crecimiento del método parecen ser ciertas. Además de su impresionante crecimiento, el método ha formado con éxito a músicos altamente cualificados, incluyendo algunas figuras musicales distinguidas de la escena musical contemporánea. A medida que el Método Suzuki continúa su prominencia y desarrollo, es útil reexaminar sus elementos centrales con un énfasis particular en su adaptabilidad y en la incorporación de una gama más diversa de obras en el repertorio. Siguiendo este examen, describiré dos selecciones de repertorio suplementario de las muchas que he reunido en mi investigación que destacan este concepto de adaptabilidad y diversidad.

La filosofía Suzuki y el repertorio básico

La filosofía de Suzuki tiene sus raíces en el concepto de "lengua materna", que vincula el aprendizaje de instrumentos musicales con la adquisición del lenguaje. Suzuki creía que, al igual que los niños aprenden a hablar su lengua materna escuchando y repitiendo, pueden aprender a tocar un instrumento, haciendo hincapié en la importancia de la escucha y la repetición en el proceso de aprendizaje. También abogaba por un entorno positivo en el que los niños tuvieran una exposición constante a la música y pudieran escuchar grabaciones de piezas desde una edad temprana. La implicación de los padres en el proceso de aprendizaje y un entorno próspero y motivador son conceptos fundamentales de la filosofía Suzuki.² Con estos conceptos en mente, Suzuki planificó cuidadosamente el repertorio, seleccionando las obras presentadas en diez volúmenes del método de violín para reflejar su filosofía. Un concepto central es la presentación de nuevos elementos en pequeños trozos para que los alumnos puedan dominarlos conscientemente. Las piezas elegidas ofrecen muchas oportunidades de repetición al tiempo que introducen gradualmente nuevos elementos. La secuencia del repertorio permite una mejora constante, dividiendo el proceso de aprendizaje del repertorio más avanzado en muchos pequeños pasos. Suzuki diseñó la secuencia de canciones para desarrollar la técnica y la musicalidad.

El repertorio central a lo largo de los diez libros de violín comprende canciones populares, arreglos y composiciones extraídas del repertorio occidental estándar. La explicación del repertorio elegido proviene de la educación e instrucción musical de Suzuki. Los antecedentes musicales de sus profesores se remontan a pedagogos europeos, como Joseph Joachim, y Suzuki siguió el mismo camino y viajó a Alemania para estudiar violín. Incluso antes de estudiar violín formalmente, Suzuki estaba familiarizado con la música occidental gracias a sus experiencias infantiles.

La música occidental llegó a Japón en el siglo XIX, y los libros de texto de música incluían canciones europeas desde la década de 1880. Canciones como "Lightly Row" eran conocidas por los niños japoneses como parte de los libros de texto de música de las escuelas públicas japonesas.³ Al seleccionar estas canciones, Suzuki buscó melodías que resultaran familiares a los niños japoneses. Algunas de estas canciones populares también estaban presentes en los libros de texto estadounidenses y alemanes. Aunque las letras y los textos de estas canciones podían cambiar de un lugar a otro, las melodías seguían siendo las mismas. En resumen, estas melodías eran populares y conocidas en muchas culturas cuando Suzuki hizo esta selección. También seleccionó estas piezas porque estaban escritas en una escala bien temperada, permitiendo la introducción temprana de conceptos que llevarían al repertorio estándar avanzado que seleccionó para que los niños aprendieran a través de su método.⁴

Suzuki diseñó cuidadosamente los libros para introducir habilidades específicas, deliberando cuidadosamente cómo y cuándo incluir cada una. El Volumen Uno incluye seis canciones populares, cinco piezas de Suzuki y arreglos para violín de piezas de J. S. Bach, R. Schumann y F. J. Gossec. Los primeros libros de Suzuki se centran en el desarrollo de habilidades técnicas fundamentales a través del repertorio, mientras que los últimos siguen un formato de lección más tradicional en el que las habilidades técnicas están al servicio de la música. A partir del Libro Cinco, cada libro incluye un prefacio que enfatiza que "la lección de un alumno bien formado debería incluir estudios adicionales sobre el cambio, el vibrato, las dobles paradas y la lectura."⁵ Algunas de las habilidades técnicas desarrolladas a lo largo del Libro Uno incluyen la introducción de golpes de arco fundamentales como el detaché y martelé, así como diferentes articulaciones y patrones de dedos. Por ejemplo, "Song of the Wind" introduce la retoma del arco, mientras que "May Song" presenta un nuevo patrón rítmico.⁶ Un aspecto notable del Libro I es la presencia de sólo tres tonalidades: La, Re y Sol mayor. Estas tonalidades permiten tanto al profesor como al alumno reforzar patrones de digitación específicos, proporcionando amplias oportunidades para que el alumno escuche los timbres mientras desarrolla otras habilidades. 

La filosofía Suzuki también asume que los niños están familiarizados con las melodías porque han escuchado las grabaciones y han visto a otros niños interpretar las piezas. Como resultado, pueden centrarse en aprender y dominar las habilidades técnicas al mismo tiempo que se centran en la belleza del tono. Un examen detallado de las piezas muestra que están organizadas de una manera secuencial que introduce una nueva habilidad o técnica, ofrece amplias oportunidades de repetición y añade progresivamente nuevo material.

Flexibilidad y adaptabilidad

Aunque la secuencia y la pedagogía del método están minuciosamente planificadas, permite flexibilidad en cuanto a la técnica de interpretación. Nancy Brooks destaca el enfoque y la adaptabilidad de Suzuki:

Es interesante observar que el propio Dr. Suzuki cambia las técnicas (como la altura del brazo del arco) de vez en cuando, una indicación segura de que las técnicas específicas no son la esencia de su enfoque. Somos propensos a aferrarnos a todo el cuerpo de pensamiento de Suzuki cuando lo aprendemos por primera vez y mantenerlo inflexiblemente. Quien hace esto puede encontrarse anticuado. El Dr. Suzuki no se queda quieto. Uno se acuerda del estudiante que dijo: "¡Señor, en su conferencia usted contradijo lo que escribió en su libro!". Profesor: "¿Cuándo se publicó mi libro?" Alumno: "Hace cinco años". Profesor: "Cinco años es mucho tiempo en la vida de un hombre pensante".⁷

Hay espacio para la adaptabilidad no sólo en términos de técnica sino también en términos de repertorio y formato. Cuando discute el repertorio de los libros Suzuki y el potencial de adaptabilidad, Brooks usa a los Estados Unidos como ejemplo, sugiriendo que un profesor americano contemporáneo podría incorporar canciones de fiddle y "debe asumir la responsabilidad de ampliar el repertorio Suzuki apropiadamente."⁸ En la segunda parte de este artículo, publicado en el número siguiente, Brooks continúa explorando el método Suzuki y, al referirse al repertorio, afirma que "el profesor imaginativo puede inventar estudios que deriven de los problemas de una pieza en particular."⁹

John Kendall habla en su artículo del papel de los directores de orquesta de las escuelas y de cómo pueden combinar los diferentes niveles de los alumnos, afirmando: "Los directores imaginativos han encontrado varias formas de involucrar a los alumnos Suzuki y, a la larga, mejoran el nivel de rendimiento de todo el grupo".¹⁰

En la conclusión de su artículo, Howe afirma lo siguiente respecto al repertorio:

"Debido a la actual preocupación por el multiculturalismo en la educación hoy en día, los profesores Suzuki deberían utilizar canciones populares de muchas culturas. También pueden seleccionar melodías para enseñar los conceptos musicales del método Suzuki. Los profesores deberían elegir canciones de la tradición cultural del alumno para que le sean familiares."¹¹

El repertorio Suzuki consiste principalmente en piezas de los periodos Barroco y Clásico a través de los diez volúmenes del método Suzuki. Estas selecciones fueron tomadas del repertorio estándar y meticulosamente seleccionadas. Sin embargo, como Suzuki señaló, la adaptación es necesaria y se fomenta con el tiempo. El propio Suzuki utilizó repertorio suplementario más allá del repertorio de los libros. Actualmente, la Suzuki Association of Americas ofrece una lista de material complementario sugerido, nuevas grabaciones y ediciones actualizadas y revisadas de los libros. Sin embargo, ninguno de estos recursos ofrece muchas opciones fuera de la literatura estándar para violín. En el espíritu del énfasis de Suzuki en la adaptabilidad, mi investigación se ha dedicado a crear una selección graduada de composiciones para violín de compositores latinoamericanos para servir como una selección suplementaria junto con el repertorio Suzuki.¹² En el espacio que sigue, he destacado dos obras latinoamericanas que complementan el repertorio temprano de violín Suzuki.

Miniaturas Violinísticas: Peças Fáceis para Violino e Piano por Carlos de Almeida

Nivel Inicial, Libros 1-2

Carlos Vianna de Almeida (1906-1990) fue un violinista, director de orquesta y profesor de violín y viola brasileño nacido en Río de Janeiro. Alumno de Francisco Braga, un destacado compositor del Romanticismo brasileño, Almeida desarrolló una carrera exitosa y versátil como profesor, compositor y pianista de géneros populares brasileños, y grabó composiciones instrumentales y de canciones.

La carrera de Almeida como compositor comenzó con Caprichosa para violín y piano. Posteriormente compuso otras obras para violín y piano, desde obras para principiantes hasta piezas avanzadas. Su estilo compositivo refleja la música de Río de Janeiro de la primera mitad del siglo XX, marcada por su carácter melódico y el uso de la síncopa. Durante los últimos años de su vida, Almeida se dedicó exclusivamente a la enseñanza del violín en el Conservatório Brasileño de Música hasta su muerte en 1990.¹³

Miniaturas Violinísticas, compuesta hacia 1964, consta de cuatro movimientos cortos, todos ellos en primera posición. Cada movimiento se inspira en estilos musicales populares de la época.

Melodía: Nivel Inicial, Libro 1

Melodía es el primer movimiento del conjunto. La línea del violín permanece en primera posición durante toda la pieza, utilizando únicamente las cuerdas Re y La. El movimiento (ej. 1) está en la tonalidad de Re mayor, utilizando el siguiente patrón de dedos durante la mayor parte de la composición: 1 23 4 (con medio paso entre el segundo y el tercer dedo). El cuarto dedo es necesario ocasionalmente, y hay un caso singular de un segundo dedo rebajado (con medio paso entre el primer y el segundo dedo).

Este movimiento enfatiza el legato golpes de arco y ligados con cruces de cuerda principalmente lentos. Se ejecuta moviendo todo el brazo hacia la cuerda siguiente. En los compases 21 y 29 (ej. 2) hay dos cruces de cuerda más rápidos, que requieren movimientos más pequeños y precisos. Además de estos aspectos técnicos, esta composición ofrece oportunidades de enseñar la distribución del arco para resaltar el fraseo, la forma y la dinámica.

Al comparar las habilidades necesarias para jugar Melodía Con la secuencia de canciones del Libro Uno Suzuki, esta pieza encaja aproximadamente en la mitad del libro. La cuerda Re se introduce en el repertorio Suzuki en la séptima pieza, Long Long Ago, y se usa más extensamente en Allegretto. Hasta entonces, el repertorio Suzuki ha explorado las cuerdas La y Mi y los patrones de dedos que utilizan un segundo dedo alto (paso entero entre el primer y el segundo dedo). Con la adición de la cuerda Re, el mismo patrón de digitación se extiende a tres cuerdas. La tonalidad de Sol mayor se introduce en Etude, donde los alumnos empiezan a utilizar un segundo dedo más bajo, una habilidad que también se requiere en Melodía. La introducción de la escala de Sol mayor es crucial para las siguientes canciones en la secuenciación Suzuki.

El primer uso requerido del cuarto dedo en el repertorio Suzuki ocurre en el Minueto No. 3 con el tono Si en la cuerda Mi. Antes de esto, la música impresa sugería instancias donde el cuarto dedo podía ser usado, pero esos mismos tonos podían haber sido tocados con cuerdas abiertas. Los profesores deberían considerar la posibilidad de introducir la habilidad antes de que sea necesaria, proporcionando así al alumno muchas oportunidades para perfeccionarla.

El legato El trazo de arco puede ser introducido al comienzo del Libro Suzuki Uno. A medida que el golpe de arco evoluciona a lo largo del libro, las canciones más cercanas al final requerirán una variedad de golpes de arco que el profesor y el alumno pueden desarrollar juntos a través de las canciones, escalas, ejercicios impresos y ejercicios adicionales personalizados. Las ligaduras se introducen en el repertorio Suzuki sólo en el Minueto No. 2. Antes de esta pieza, los alumnos se encontraban con las ligaduras de arco. Antes de esta pieza, los alumnos encontraban arcos en la misma dirección pero con separación. A partir del Minueto No. 2, prácticamente todas las piezas tendrán ligaduras.

Aunque encontrar bibliografía que se ajuste a los objetivos técnicos de los Libros Primero y Segundo de Suzuki puede ser todo un reto, Miniaturas Violinísticas es una pieza excelente para los alumnos de este nivel, ya que comparte muchas técnicas comunes con la literatura Suzuki de los dos primeros libros.

Toada: Nivel Inicial, Libros 1-2

El segundo movimiento de esta obra se titula Toada. En Toada es un género de canción sin forma fija que se distingue por su carácter melodioso y doliente.¹⁴ La marca de tempo es Moderato, y la línea del violín es repetitiva, reflejando la simplicidad del género. En cambio, el acompañamiento de piano se caracteriza por su carácter sincopado, un rasgo común en varios géneros musicales de la música popular brasileña.

Las habilidades técnicas necesarias para tocar este movimiento son comparables a las del primer movimiento. Se emplea el patrón de dedos de Sol mayor, que requiere el uso de los segundos dedos alto y bajo. En este movimiento, los cambios de segundo dedo alto y bajo se producen con más frecuencia, lo que requiere una estructura de la mano más refinada. Hay un único caso de bajada del primer dedo hacia el final del movimiento.

Los patrones de arco y los tipos de cruce de cuerdas son similares a los del primer movimiento. Sin embargo, a diferencia del primer movimiento, en el que el patrón rítmico de una negra con puntillo seguida de una corchea se presenta bajo una ligadura, aquí está separado, lo que requiere una mayor conciencia de la distribución del arco. El ejemplo 3 ilustra las habilidades descritas en los dos párrafos anteriores.

La música tiene muchas marcas dinámicas, lo que ofrece oportunidades para explorar la distribución del arco y la posible experimentación con los puntos de contacto. El acompañamiento de piano es activo, marcado por síncopas y pasajes fuera de compás que requieren especial atención al ritmo. Toada Se adapta al Libro Suzuki Uno o Dos. Puede usarse para introducir el primer dedo bajo o añadirse después de que el alumno esté familiarizado con la habilidad. De cualquier manera, la mayoría de las técnicas presentadas en la pieza ya han sido exploradas a lo largo del Libro Uno.

Conclusión

Como el Método Suzuki pretende ser un enfoque de Educación del Talento más que un simple método de violín, permite adaptabilidad. Los profesores pueden adaptar con éxito las ideas fundamentales a diferentes entornos de enseñanza. También pueden explorar un repertorio más amplio fuera de la literatura canónica, adaptando o complementando el repertorio Suzuki como se desee. Al incorporar la flexibilidad en su enseñanza, los educadores pueden contribuir a expandir el material suplementario que abarca una selección más diversa de composiciones y compositores, al mismo tiempo que abordan los variados antecedentes culturales de los alumnos y sus habilidades técnicas y musicales. necesita.

Notas

Gabriela Fogo es violinista y pedagoga brasileña. Es licenciada en interpretación de violín por la Faculdade Cantareira, tiene un máster en interpretación de violín y pedagogía de cuerda por la Universidad de Nuevo México y un doctorado en interpretación de violín por la Universidad Estatal de Florida. Actualmente reside en Memphis y es violinista del Colectivo IRIS. Profesora Suzuki capacitada durante mucho tiempo, Gabriela ha impartido clases particulares y grupales en la escuela de laboratorio de cuerdas de UNM y ha entrenado orquestas juveniles en todo Brasil y los EE. UU. Como intérprete, toca con varias orquestas y ha ocupado puestos de liderazgo, incluido el segundo violín principal con la Filarmónica de Nuevo México. En 2019, representó a Brasil en una gira con la Orquesta de las Américas y participó en 2023 en el Sphinx NAAS Audition Intensive. Ávida intérprete de música de cámara, ha sido miembro de varios conjuntos, como los cuartetos de cuerdas graduados de UNM y FSU, y actualmente en el dúo de violín y viola FogoNuevo. Comenzó sus estudios de violín a los 10 años a través del método Jaffé Collective.