Vidas paralelas: Suzuki y el arte de la improvisación y el jazz

Tengo tanta suerte de que mis líneas musicales se desdibujaran en un
temprana edad. Mis padres eran amantes de la música y
a un manantial de blues, jazz, soul, la Motown
sonido y música clásica.
Al crecer en el sistema escolar público de Detroit, mi
profesores de secundaria y bachillerato de jazz

jugadores. Tocamos el repertorio clásico requerido en el estado...
amplios concursos orquestales. Pero también tocamos en orquestas

piezas de jazz.
El trompetista Jesse Virden fue mi profesor de secundaria que
nos animaba a tocar de oído. El violista Anderson White era mi
profesor de instituto que introdujo a mis compañeros en la electricidad
violines y arreglos orquestales de jazz. Nos hacía
"levántate y haz un solo" en la gloriosa tradición de las grandes bandas.
También tomé clases particulares con Joe Striplin, que era el
primer violinista negro de la Orquesta Sinfónica de Detroit.
Mi objetivo es crear y ejecutar una idea diferente cada vez

que improvise. Esto es lo que hace que un versa-
músico de baldosas. Porque no hay errores, sólo mejores

opciones. Por eso me encanta enseñar improvisación y jazz.
El Dr. Suzuki llega a América
Lirios en un campo de violines flotantes.
Eso es lo que me imaginaba cuando el Dr. Shinichi Suzuki vino a
el Max and Marjorie S. Fisher Music Center, en el centro de la ciudad.

Detroit. El Fisher Center era el lugar perfecto para experi-
de jazz y música de cámara. Antiguamente Orchestra Hall, el

El local había sido renovado después de muchos años y la acústica...
ticos eran ideales; rivalizaban con la perfección sonora de Carnegie

Hall y el Concertgebouw de Ámsterdam. Pude ver y

escuchar a cada niño individualmente y, simultáneamente, experi-
de la excelencia del conjunto: el matrimonio entre

las respiraciones y la música y la inspiración meditativa de
La pedagogía del Dr. Suzuki transformó mi forma de pensar. Yo quería
entrelazar las texturas del conjunto con las mías.
métodos de enseñanza y rituales de actuación. El Dr. Suzuki había
me lanzó a la cuarta dimensión.
Matsumoto con el Dr. Suzuki
Después de recibir mi formación Suzuki en el Spartanburg
Instituto Suzuki en Spartanburg, Carolina del Sur, viajé

a Tokio para dar conciertos en clubes de jazz, que coincidieron-.
de acuerdo con el Instituto de Investigación sobre Educación del Talento

programa de verano en Matsumoto. Y allí conocí al Dr.
Suzuki. Tuve el privilegio de pasar dos días fantásticos
observando sus significativos métodos de enseñanza.

Entre ellos:

• "Escuchar buena música"
• Desarrollar una buena producción tonal antes de leer notas
  competencias
• Aprender memorizando
• Ejercicios de colocación del arco para velocidad, equilibrio y fraseo
  y articulación.
  El Dr. Suzuki nos animó a escuchar de forma
  nuevo para mí. Esta es una filosofía universal para cualquier músico
  que quiera explorar y ampliar su arte.
  Para el músico curioso, transcribir improvisaciones
  solos nos permite comprender cómo el fraseo, la articulación,
  y se organizan los fundamentos acordales. La transcripción es
  especialmente valioso para el jugador de formación clásica que
  ansiosos por ir más allá de su nivel de comodidad. Lo visual
  transcripción nos permite conceptualizar -y además
  imaginar lo que estamos escuchando.
  También daría prioridad a la importancia de aprender a
  desarrollar un buen sonido. Esto viene con el aprendizaje de cómo alinear
  el instrumento con el cuerpo. Especialmente para los más jóvenes
  jugadores, sujetar el arco y tirar-empujar el arco es mucho
  información, incluso antes de aprender a leer. Por rutina

escuchar buena música, y estar atento a la alineación corporal...
y la producción de tonos, podemos preparar a nuestros alumnos para

un enfoque acertado para desarrollar su sonido y su estilo.

Una vez implantada esta logística física, la repeti-
facilita la destreza, la velocidad y una buena producción de tonos.

Para los jugadores principiantes, me gusta aplicar
repetición introduciendo escalas pentatónicas como apertura
juego de improvisación. Esta escala es fácil de escuchar y utiliza
una secuencia de digitación que se salta la segunda o la tercera
dedos, según la tonalidad. También pido a los alumnos que
dentro de este patrón pentatónico cuando improvisan.
(Por ejemplo, al utilizar la pentatónica de Mi, sólo utilizamos el Re y el
Una cadena).
La tendencia natural de un músico de cuerda que improvisa

es tocar una frase larga sin pausa. Y animo a stu-
dentes a mantenerse dentro de los límites tonales para que entiendan

la disciplina que implica la improvisación. Pero cuando los alumnos
se limitan a dos cadenas, se convierte en un reto único para
crear ritmos e ideas melódicas más cortas. Utilizo la analogía de
convertirse en narrador. Dentro del cuento hay frases que
tendrán comas y puntos. También habrá nuevos párrafos.
Mientras tocan estas nuevas frases melódicas, los alumnos deben

levantan el arco y respiran. Y cuando alcanzan un nuevo para-
gráfico, permite desarrollar un nuevo marco melódico.

El siguiente paso sería añadir el
cadenas que tendrían diferentes
notas y digitaciones. Es importante
que los alumnos piensen en las mismas notas
en diferentes octavas, en diferentes
cuerdas. Una gama más amplia
de octavas amplía el color del
improvisación; esto también desafía
un estudiante para crear simultáneamente
más allá de su zona de confort.
A medida que profundizamos, hay
también notas específicas dentro de una tonalidad (normalmente
dominante o subdominante) que

se prestan a la alineación con com-
mas, periodos, respiración y resolución.

Siempre me gusta recordar a los alumnos que
estamos creando música, melodías,
ritmos y momentos que han
¡nunca se ha oído!
Vidas paralelas

Aprender a ejecutar es la funda
de juego.

Para los improvisadores, practicar
escalas específicas, patrones, acordes
progresiones e ideas melódicas en
la repetición constante se vuelve borrosa

intencionadamente después de que se aprenda com-
fortably. El motivo es crear un

variación o nueva idea sobre lo que
tema, fragmento melódico o frase
que practicamos.
Muchas veces, una idea melódica o célula
que se ha desarrollado a partir de este proceso de
practicar se convierte en un tema original
por el que los improvisadores que también
son compositores utilizarán esto para un
segmento de una composición original.
Y esta es la belleza y la magia de
conceptualizar: la noción de que

compositores e improvisadores se inter
músicos cambiantes.

Creo que la inclinación es el giro
punto en el arte de la música improvisada.
Se puede crear maravillosamente cálido, resbaladizo,
sonidos soul, jazz y blues. I
me encanta la voltereta del arco al revés que el Dr.
Suzuki utiliza en sus enseñanzas; es un gran
manera de adquirir fluidez en el fraseo y
articulación. En general, los músicos de cuerda
pueden hacerse la máxima justicia
prestando mucha atención a la delicadeza
de fraseo en otros instrumentos.
Esto también puede ser especialmente útil

para estudiantes que cursan estudios específicos
trabajos de escala y transcripción en los que
se requiere una repetición constante.
Estudiando cantantes, trompetistas,
pianistas o cualquier otro instrumento

de algún otro lugar de nuestra vil- global
lage, podemos aumentar nuestra sensibilidad

y concienciación más allá de lo clásico
de los nuevos sonidos no sólo
transporte, sino que también te comprometen a jugar
con el objetivo gran angular.
Incorporación de
Improvisación y jazz
¿Cómo animamos a un alumno a
solo durante un ensayo de orquesta?
Cuando enseño en residencias y
no han tenido tiempo suficiente para convertirse
conocer a los estudiantes, a veces
incorporar la idea de "colectivo/libre
improvisación" como forma de proporcionar un
refugio para que todos se sientan "suficientemente libres"
experimentar sin ser escuchado.
Les animo a elegir una escala
que sea cómodo para todos y
componer un tema melódico corto para tocar
en un enfoque de estilo libre. Al observar el
colectivo en movimiento, puedo notar qué
los estudiantes parecen centrarse en su
sonido; esto me permite individualizarlos
breves momentos de improvisación

y luego comprometerse con todo el en-
semble de nuevo. Puede que repita este patrón

unas cuantas rondas más con varios
otros estudiantes para
pulso de quién se "intriga"
con este juego de improvisación.
También soy un gran creyente en la ruptura
grupo. A lo largo de mis años como
artista docente, he sido testigo de la
resultados más sorprendentes de joven
las personas tienen libertad creativa para
explorar entre ellos. Verlos
acurrucarse y volver con una nueva melodía
o una armonía que acaban de componer
es impresionante. El proceso no sólo
les capacita artísticamente pero también

fomenta el librepensamiento, la con-
y un tipo democrático de

trabajo en equipo y creación de equipos. El pro
también fomenta los talentos ocultos y

habilidades, y pone de relieve la promesa y
potencial de muchos arreglistas en ciernes.

Corazones y mentes

Éstos son algunos de los clásicos
improvisadores y compositores formados

que me han inspirado:
Violín
John Blake, Stephane Grappelli, Cosas
Smith, Ray Nance, Ginger Smock,
Leroy Jenkins, India Cooke, Jean
Luc Ponty, Billy Bang, Regina Carter,
Charles Burnham, Papa John Creach
Viola
Svend Asmussen
Violonchelo
Akua Dixon, Deirdre Murray, Tomeka
Reid
Cuartetos
Cuarteto de cuerda Turtle Island, Harlem
Cuarteto, Nuevo Muse4tet, Catalyst
Cuarteto, Cuarteto Publiq

Y así os dejo con el fol-
pensamientos inquietantes: ¿Estás abierto a

explorar sonidos y técnicas be-
¿más allá de su formación y experiencia? ¿Puede

te permites ser creativo
vulnerable? ¿Tiene la obligación

como profesor para representar a su stu-
¿una visión multicultural de la música?

Gwen Laster es miembro del Consejo de
Directores de BeaconArts, una organización 501 (c)
3 organización sin ánimo de lucro que ha
promovió y fomentó las artes en
Beacon desde hace más de 15 años. La misión

de BeaconArts es fomentar y alentar...
de la Ciudad de

Beacon como centro de arte y cultura.
Para saber más y apoyar a BeaconArts,