L'interprétation historique et le répertoire Suzuki

Au cours de ma formation d'enseignant Book One, les menuets ont été présentés avec la citation souvent répétée : "L'éducation musicale de l'élève commence avec Bach". Il est certain que les élèves sont impatients d'apprendre les menuets du grand Johann Sebastian Bach et qu'ils éprouvent un grand sentiment d'accomplissement lorsqu'ils se produisent en récital. Ces joyaux baroques sont le point de départ d'un voyage musical, et ce ne sont que quelques-unes des nombreuses œuvres baroques figurant dans le répertoire Suzuki. En plus d'étudier et d'enseigner ces œuvres baroques dans l'optique de Suzuki, j'ai complété ma propre formation en participant à des ateliers et à des festivals axés sur l'interprétation historique. Cela n'est pas nécessaire pour apprécier, enseigner ou interpréter le répertoire, mais cela permet de donner à la musique une nouvelle vie et une nouvelle pertinence des siècles plus tard.

En réfléchissant à la prévalence des œuvres baroques dans le répertoire Suzuki, je me suis souvent posé la question du "pourquoi". Pourquoi les œuvres baroques sont-elles si courantes dans le répertoire ? Pourquoi enseignons-nous ces pièces ? Pourquoi sont-elles bonnes pour les jeunes ? Pour répondre à ces questions, je me suis concentrée sur deux objectifs : encourager la joie d'apprendre et de jouer, et promouvoir le sens de la découverte à travers la musique. Bien que ces objectifs ne soient pas limités au répertoire baroque, la représentation fréquente de la musique baroque dans le répertoire pédagogique nous oblige à nous demander pourquoi elle continue d'être un élément essentiel de l'interprétation et de l'enseignement. Je souhaite utiliser le répertoire baroque dans mon studio pour créer une approche joyeuse de l'apprentissage et promouvoir la découverte et l'épanouissement à travers la musique. Le répertoire baroque fait partie du canon des cordes depuis des générations, mais en plus de son importance canonique, il permet des moments d'enseignement vraiment merveilleux pour promouvoir la croissance musicale, la compréhension et l'inspiration chez les élèves. C'est dans cet esprit que nous commençons avec Bach.

Des chansons folkloriques aux danses

Pourquoi l'étudiant rencontre-t-il Bach pour la première fois après la série de chants folkloriques qui marque le début de ses études ? Le génie musical de Bach est une réponse facile, mais il y a une réponse plus simple, spécifique aux menuets : le menuet est une danse ! La danse nous aide à apporter notre propre caractère à la musique et à nous connecter à la musique écrite par le biais d'un mouvement à la fois ressenti et agi. Le menuet lui-même est une danse difficile (en tout cas, elle l'était pour moi lors d'un atelier !), mais le fort contretemps et le sentiment de danse sont facilement perçus, ce qui relie les élèves à la musique et à l'interprétation.

En guise d'introduction, il est utile d'expérimenter le modèle *strong-weak-weak *et d'essayer une danse inventée avec les élèves et leurs parents. Cela a bien sûr un but pédagogique, mais c'est aussi très amusant. Nous constatons que ce modèle convient même lorsque la ligne mélodique s'en écarte. La danse est l'une des plus anciennes activités collectives, et je l'utilise dans les cours collectifs pour créer une communauté et aider à identifier la forme dans la musique. C'est aussi un excellent moyen d'impliquer les parents. La danse est intrinsèquement source de joie, une émotion que les élèves adorent partager avec leur professeur, leur famille et leurs camarades lors de représentations en groupe ou en solo.

Puisqu'il s'agit de danses, le rythme de ces pièces reste relativement constant tout au long du morceau. Même lorsque nous passons à un répertoire plus avancé et à un répertoire extérieur, il est essentiel de découvrir et de reconnaître les rythmes de danse constants pour comprendre un nouveau morceau. Il n'est pas surprenant que de nombreux éditeurs incluent des danses dans leurs collections. J'aime particulièrement enseigner certaines d'entre elles en duo, car elles offrent une excellente occasion de partager la joie et la musicalité avec les élèves tout en les encourageant à trouver leur voix musicale. Ces caractéristiques unificatrices conduisent à des conversations sur le répertoire ultérieur en 3/4 ou 3/8 ou même sur des danses en double mètre, de la Valse de Brahms, des Minuets de Boccherini et de Beethoven, et éventuellement des mouvements des suites pour violoncelle de Bach, et bien plus encore. Trouver les éléments de danse dans ces œuvres ne développe pas seulement la musicalité des élèves, c'est aussi une façon joyeuse d'apprendre et de découvrir de nouvelles musiques.

Musique baroque et tonalité expressive

Bien qu'il ne soit pas obligatoire d'interpréter la musique baroque sur des instruments d'époque, il s'agit d'une expérience enrichissante. Les cordes en boyau et les archets historiques fonctionnent différemment des instruments modernes à haute tension. Le son est moins strident et produit une qualité riche et résonnante. Le son est beaucoup plus organique, et je pense que c'est la raison pour laquelle nous trouvons une telle variété d'émotions et d'expressions dans le répertoire baroque. La production du son est l'une des nombreuses bases importantes que nous développons dans le premier livre de Suzuki et je ne me précipite jamais pour l'aborder. Le ton devrait être un point central non seulement dans le premier répertoire, mais tout au long de la série, car nous devrions toujours chercher à développer un ton plus résonnant, plus expressif et plus personnel. Je considère le Concerto en la mineur de Vivaldi comme l'une des pièces baroques les plus importantes pour l'étudiant qui progresse dans l'exploration de la sonorité. Il offre de nombreuses possibilités de façonner la musique par des motifs séquentiels, des changements de caractère/couleur dramatiques et des solos virtuoses. C'est l'une des premières occasions de démontrer une réelle variété dans la production du son, l'articulation et l'expression. L'énergie est renouvelée lorsque les élèves trouvent le contraste dans l'harmonisation des séquences, les éléments de surprise dans les grands sauts, et beaucoup de ces idées correspondent à l'interprétation musicale commune, mais peuvent également être liées à la façon dont les instruments historiques sont joués.

De même, j'aime revenir à la Suite n° 1 de Bach avec des coups d'archet tirés d'une édition critique, car Bach écrivait pour l'instrument de son époque. Nous pouvons utiliser les coups d'archet pour nous aider à déterminer la forme des gestes et du phrasé tout au long des mouvements. Le premier coup d'archet que nous apprenons dans l'édition Suzuki est simple et cohérent. Revenir au morceau donne aux élèves l'occasion de comparer et de contraster, et de réfléchir à la manière dont ces éléments permettent d'interpréter et de jouer la musique de Bach et d'autres œuvres du répertoire ancien.

Ornementation baroque

Le Concerto pour alto en sol majeur de Telemann est un joyau du répertoire pour alto. Il présente de nombreuses similitudes entre l'écriture instrumentale et vocale, en particulier en ce qui concerne l'ornementation. Encourager les élèves à "chanter" les premier et troisième mouvements permet de renforcer leur musicalité et leur expression. En guise de révision, les élèves avancés écouteront plusieurs enregistrements de Telemann et entendront de nombreuses interprétations de l'ornementation qui ne faisaient pas partie de leur expérience initiale du concerto. C'est une excellente occasion d'encourager les élèves à explorer leur propre ornementation, en s'inspirant d'autres interprétations, et à revenir au concerto de Telemann avec leurs propres idées pour orner les mouvements lents. Je trouve que le premier mouvement est très utile pour atteindre cet objectif.

Les Danses françaises et La Folia de Marais sont d'excellents exemples de transcriptions pour viole de gambe qui fonctionnent bien pour l'alto et permettent de démontrer l'ornementation et les variations. La Suite en la de Caix d'Hervelois en est un autre exemple. Une grande partie du répertoire pour alto existe grâce à des transcriptions qui adaptent la musique aux qualités de l'alto, et la réalisation et la transcription de cette suite par Doris Preucil en sont un excellent exemple. Les élèves pourront explorer le répertoire qu'ils aimeraient transcrire pour alto à l'avenir et les professeurs trouveront l'inspiration pour élargir le répertoire pour leurs élèves et pour eux-mêmes. J'ai quelques mouvements de Couperin qui se prêtent bien à la transcription pour alto (également à partir de la viole de gambe) et, en prime, ce sont des mouvements de danse !

Je suis reconnaissante que mon expérience de l'interprétation historique m'ait donné des outils et des exemples supplémentaires pour présenter une interprétation plus profonde et une personnalisation du répertoire baroque dans les livres Suzuki pour les élèves. Créer une expérience d'apprentissage joyeuse pour tous et encourager le sens de la découverte est une pratique de studio qui, je l'espère, restera dans la mémoire de mes élèves tout au long de leur vie.

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Michael Hill est un altiste et un éducateur basé à Louisville, KY. Il joue de l'alto moderne et historique dans plusieurs ensembles. En jouant et en enseignant, Michael cherche à partager la musique avec les autres par le biais de l'éducation et des efforts visant à rendre la musique classique plus accessible au public. Il a travaillé avec des élèves allant de débutants à des étudiants de l'enseignement supérieur et il gère un studio privé et des cours collectifs pour un peu moins de 30 élèves extraordinaires en violon et en alto.