Une gratitude claire

Par James Goldsworthy

La première fois que j'ai vu Shinichi Suzuki en personne, c'était le 17 octobre 1983, dans une salle à l'étage du Saino Kyoiku Kaikan à Matsumoto. Il nous a tous regardés avec une lueur dans les yeux et a dit : "Aujourd'hui, j'ai treize... huit... cinq." L'anglais concis et dépourvu de verbe, je m'en rends compte aujourd'hui, était un sous-produit de l'insta-traduction japonaise : "Kyō watashi wa jūsan . . hachi . . go."

Son regard d'enfant espiègle était un regard de joie, nous accueillant avec des mots ludiques et concis. J'ai su à ce moment-là que mon voyage du New Jersey à Nagano-ken était instantanément accompli. Avec jubilation, il a brandi une carte d'anniversaire qui était arrivée par la poste avec pour seule adresse : " Dr : "Dr. Suzuki, Japon", de la part d'un jeune enfant à l'autre bout du monde.

J'ai immédiatement été projeté dans le temps et l'espace, quatre ans et demi plus tôt, lors de mon cours d'histoire de l'art à Dallas, au Texas, avec Alessandra Comini, l'un des meilleurs professeurs de toute ma vie d'étudiant. Elle avait projeté une diapositive d'un clown qui semblait être l'œuvre d'un enfant et avait demandé à l'amphithéâtre rempli d'étudiants qui pouvait bien être l'artiste. Avec sa propre lueur dans les yeux, après un petit temps de silence, elle a dit : "Picasso" : "Picasso. Elle a poursuivi en expliquant : "Il y a une différence entre l'enfant et l'artiste : "Il y a une différence entre la perspective enfantine et la perspective enfantine ; quelqu'un qui a l'œil de l'enfant par opposition à quelqu'un qui essaie de voir ou d'agir comme un enfant. Lors de ce coup de tonnerre, j'ai réalisé que je comprenais et appréciais mieux l'œil clair et pétillant d'une personne dotée d'une sagesse et d'un esprit clairs (quel que soit son âge). Vous pouvez trouver le dessin en tapant "Picasso L'homme au béret" sur Google.

Aujourd'hui, plus de quarante ans après l'anniversaire du "pays du soleil levant", mes réflexions sur ce que je suis en tant qu'enseignant sont plus redevables au Dr Suzuki et à son enseignement que je ne l'ai jamais réalisé. La clarté, du point de vue de la lucidité, de la concentration, de la lumière et de la franchise, a été une force à l'œuvre dans et à travers l'évolution de mon enseignement tout au long de ces vingt-cinq années. Il faut croire qu'elle a été une puissante source d'inspiration dans ce voyage. Dans cet article de réflexion autobiographique, en hommage à ma résidence de six mois à Matsumoto et au Dr. Suzuki, je présenterai des aspects de mon propre enseignement que je reconnais comme faisant partie d'une poursuite passionnée pour être plus clair dans l'exécution des leçons et dans ma propre compréhension fondamentale de la vie et de la musique au piano, ainsi que dans celle de mes élèves.

Sentiments et musique

"Qu'est-ce que tu ressens ?" est probablement la question que je pose le plus souvent à mes élèves. C'est généralement ma première réponse à tout ce qui se joue dans une leçon. Bien que l'on puisse penser qu'il s'agit d'une expérience émotionnelle, c'est ma façon de faire prendre conscience à l'élève des sensations physiques qu'il a ressenties en jouant. Cela pourrait bien trouver son origine dans l'un des commentaires préférés du Dr Suzuki à l'intention des élèves : "Ne pensez pas !". Il est impossible de dénombrer les innombrables fois où je l'ai entendu dire cela, accompagné d'un index pointé verticalement en l'air et d'une cigarette Camel dans la main opposée, produisant des courants de fumée en spirale. Les pensées, ou "réflexions", émanent d'une auto-évaluation critique, de directives d'action, de doutes sur soi ou d'inquiétudes quant à la performance, et elles créent clairement un trafic neuronal interne qui peut entraver la pureté de la physicalité dans les actions d'une personne. 

Chaque fois que l'index se levait, on savait qu'une sorte de sagesse allait jaillir de lui. La plupart du temps, ce sont ces deux mots qui surgissent : "Ne réfléchissez pas !" Il encourageait clairement les élèves, voire les cajolait, à sortir de leur tête et à se mettre à jouer. Je me rends compte que mon adaptation répétitive actuelle ou la manifestation honorifique de cette technique d'enseignement consiste à inciter verbalement mes élèves à "ressentir" (sensation physique (par opposition à une sorte d'émotion). Chaque fois qu'un de mes élèves commence une réponse par "je pense", "je crois", "je voulais" ou "j'essaie", je réponds par : "Ne pensez pas ; sentirou toute autre substitution de "sentir", "ressenti" ou "sentiment" aux verbes de leur propre réponse.

Bien que je ne sache pas exactement comment un autre de mes commentaires aux étudiants se rapporte directement au Dr Suzuki, il ne fait aucun doute qu'il s'agit de clarifier et de cibler. Chacun de mes élèves reçoit maintenant une liste hiérarchique de ce qui est le plus important dans la musique et/ou dans la vie :

1. Flux temporel
2. Compteur
3. Rythme
4. Les hauteurs (mélodie et harmonie [relations entre les hauteurs], et intonation [pour un pianiste, comment il ressent un sol dièse par rapport à un la bémol]).

L'aspect #1 de l'écoulement du temps est certainement une expérience collective inébranlable du Dr Suzuki qui a fait jouer un ensemble entier d'élèves débutants à avancés sur des œuvres du Livre 1, y compris, bien sûr, les Twinkles. Alors que Jean Piaget et/ou Maria Montessori applaudiraient les différents niveaux d'âge en jeu interactif simultané, il ne fait aucun doute que la " tyrannie de la barre de mesure " ou la pause dans le flux pour obtenir une hauteur correcte ou l'intonation idéale est engloutie par un raz-de-marée d'écoulement du temps en action. 

L'une de mes découvertes les plus récentes dans la hiérarchie a été de constater à quel point les jeunes musiciens ne sont pas conscients de la mesure de ce qu'ils jouent. Bien qu'ils respectent le flux temporel et qu'ils soient rythmiquement précis, ils ne ressentent pas vraiment le mètre. Il semble qu'il y ait une hypothèse, ou même une "pensée", selon laquelle le rythme correct produit la mesure, par opposition à la mesure qui incarne le(s) rythme(s). Ceci est certainement directement lié à la "sensation" et c'est ce qui a inspiré le fait de demander aux étudiants de marcher la mesure de n'importe quelle pièce qu'ils étudient, puis de marcher les rythmes dans la mesure de la pièce.

Pas plus tard qu'hier, après avoir demandé à un élève de s'entraîner à développer une sensation plus forte et plus claire de la mesure de sa main droite par rapport à un septuplet de bourdonnement figuratif de la main gauche, j'ai été choqué d'entendre comment, comme sous-produit de son travail, il avait maintenant une sensation charmante des phrases dans cette même partie de la main droite. Alors que son rythme avait toujours été précis, il était maintenant plus complètement connecté à la mesure de manière à ce qu'elle gouverne les rythmes. Pour moi, la leçon à tirer de tout cela est qu'il avait déjà un bon flux temporel, mais qu'il avait besoin d'un meilleur sens de la mesure. Grâce à ce sens accru de la mesure, il l'a obtenu, mais il a aussi acquis un sens plus riche de la phrase (les relations entre les hauteurs coalescent en phrases musicales). La clarté de l'attention portée à un élément de la hiérarchie clarifiée des considérations musicales a donné lieu à un autre point d'attention inattendu !

En clarifiant une hiérarchie de concepts importants, j'ai l'impression que l'on devient beaucoup plus connecté et autonome. Il s'agit très probablement d'une technique d'enseignement visant à encourager, voire à faciliter la "découverte de soi" ou l'"autocontrôle" chez les élèves, avec peut-être un lien direct avec "Ne pensez pas !" Nos élèves deviennent beaucoup plus indépendants, "dans l'instant", plutôt que de chercher à répondre à une directive de quelqu'un d'autre (à savoir, nous). Ils deviennent définitivement des enseignants-apprenants indépendants beaucoup plus forts dans leurs séances de pratique. Merci, Dr. Suzuki.

Une dernière précision concernant l'enseignement et l'apprentissage découle d'une citation que j'ai entendue un jour, attribuée au grand pianiste et professeur Béla Böszörményi-Nagy : "Toute grande musique doit chanter ou danser". Inspiré par cette pensée, je pense que toute grande musique doit chanter et la danse. À partir de là, chaque première leçon avec chacun de mes élèves inclut des déplacements dans la pièce (en ressentant physiquement l'écoulement du temps, la mesure et le rythme) et le chant en solfège. Encore une fois, en exigeant le jeu d'ensemble, en magnétisant la sensation collective de l'écoulement du temps, de la mesure et du rythme, et en encourageant de façon omniprésente la tonalisation, je pense que l'enseignement du Dr Suzuki est en accord avec le mouvement de la hauteur (vibration dans l'espace) au sein de la notion abstraite de mouvement dans le temps. Il ne fait aucun doute qu'il y a une énorme quantité de vibrations (mouvement) dans l'air lorsqu'une scène pleine de musiciens joue à l'unisson. Il n'est donc pas étonnant que cette expérience soit si émouvante pour les musiciens et le public. Pour moi et pour mes élèves, le point de mire est clair : "La musique est un mouvement (comme la vie). En l'honneur de tous mes élèves et professeurs, et avec cet écrit, en particulier le Dr Suzuki, je ressens et je suis émue par un sentiment de gratitude écrasante.

James GoldsworthyLe professeur de piano du Westminster Choir College of Rider University a créé et enregistré avec Judith Bettina des chansons de Milton Babbitt, Mel Powell, Chester Biscardi, Christopher Berg, Tobias Picker et David Rakowski. Son travail reflète les dons de l'enseignement de Dorothe Lanning, John Price, Louise Bianchi, Lloyd Pfautsch, Louise Mueller, Larry Palmer, Barbara Marquart, Alessandra Comini, Shinichi Suzuki, Adolph Baller, Erik Werba, Margaret Fabrizio, Fenner Douglass, Susan Bindig, Wendy Hilton, Leonard Ratner, Lilo Kantorowicz-Glick.