Telemann a través de un nuevo (viejo) prisma

El estudio del Concierto para viola en Sol mayor de Georg Philipp Telemann, que se encuentra hacia el final del Libro Cuarto, presenta una oportunidad única para que el intérprete ponga en práctica elementos de la práctica interpretativa históricamente informada incluso utilizando instrumentos de cuerda actuales. Practicar el concierto de Telemann a través del prisma de la práctica interpretativa históricamente informada requiere familiaridad con los instrumentos utilizados en vida de Telemann, así como conocimiento del contexto más amplio en el que se escribió esta obra. Considerado uno de los primeros conciertos para viola conocidos, supone un reto formidable pero gratificante para el estudiante de violín. Conocí el concierto de Telemann a los 11 años, en mi tercer año de viola, y volví a tocar la pieza en el primer año de instituto, cuando lo interpreté con la orquesta de mi escuela. Ahora, como profesional que toca con frecuencia violas modernas y barrocas, enseño y practico el concierto de Telemann a través de la lente de la práctica interpretativa históricamente informada, con la esperanza de inculcar una profunda apreciación de la música barroca en mis alumnos y en el público.

El primer paso crucial para cualquier intérprete interesado en estudiar una pieza musical a través de la lente de la práctica interpretativa históricamente informada es sumergirse en la funcionalidad, el tacto y el sonido de los instrumentos utilizados en la época en que se escribió la música. Telemann, uno de los compositores más prolíficos del Barroco, escribió el Concierto para viola hacia 1715 para una serie de conciertos semanales mientras vivía en Fráncfort (Alemania). En la época en que se escribió el concierto, los arcos que utilizaban los intérpretes estaban ligeramente curvados hacia fuera desde la mitad del arco, y los arcos tenían más peso en la ranilla. El arco barroco tiene una forma que favorece de forma natural al intérprete a la hora de dar forma y afinar cada nota. De hecho, el arco era el principal vehículo de expresión en la música de la época barroca, mientras que el vibrato se utilizaba como ornamento o decoración sólo para ciertas notas. Por otro lado, el arco moderno está hecho para la proyección, y el peso del arco moderno se distribuye más uniformemente desde la rana hasta la punta. El diseño del arco moderno se presta a un sonido más uniforme y conectado, y el vibrato tiende a ser la principal forma de expresión. El intérprete que estudia a través de una lente históricamente informada también debe tener en cuenta la diferencia entre las cuerdas de acero actuales y las cuerdas de tripa que se utilizaban en la época barroca. Las cuerdas de tripa más sensibles (normalmente de oveja) responden de forma natural a la forma del arco barroco, mientras que tocar con cuerdas de acero modernas requiere un mayor esfuerzo por parte del intérprete para realizar cualquier tipo de forma con el arco.

Introduzca el término messa di voceque, según el diccionario Oxford Music, se define como el canto o la interpretación de una nota larga de forma que comienza en voz baja, se hincha hasta alcanzar el volumen máximo y luego disminuye hasta el tono bajo original. Para tocar la cuerda en la música de la época barroca, dominar la *messa di voce* es la clave para dominar el arco barroco. Giuseppe Tartini (1692-1770) escribió la siguiente carta en 1760 a su alumna Maddalena Lombardini:

Tu principal estudio debe ser el uso del arco, para hacerte maestra en la expresión de todo lo que se pueda tocar o cantar. . . Primero, ejercítate en una *messa di voce *sobre una cuerda abierta, por ejemplo, sobre la segunda, que es la cuerda Re. Comienza pianissimoy aumentar el tono lentamente hasta fortissimoY esto debe hacerse por igual en el arco hacia abajo y en el arco hacia arriba. Emprended inmediatamente este ejercicio, y dedicadle por lo menos una hora diaria, aunque a horas diferentes, un poco por la mañana y otro poco por la tarde; y tened constantemente presente que éste es, de todos los ejercicios, el más difícil y el más importante. Cuando domines este ejercicio . . cada grado de presión sobre la cuerda será fácil y seguro; y serás capaz de ejecutar con tu arco lo que quieras.

No todas las notas de la música de la época barroca se interpretarán como un messa di vocePero la práctica de esta técnica ayuda a los instrumentistas de cuerda a dar forma precisa a cada nota con el arco barroco, algunas con decaimiento y otras con crecimiento hacia la nota siguiente. Incluso cuando una nota comienza forteLa ejecución de la *messa di voce* permite al intérprete hundir el arco en la cuerda (aunque rápidamente) sin el acento áspero que podría acompañar naturalmente a un *forte* similar ejecutado con un arco moderno.

¿Cómo adquiere experiencia el intérprete de hoy en día con un arco barroco y cuerdas de tripa? La mayoría de los estudiantes no tienen acceso, especialmente en el mundo socialmente distante de hoy en día. A veces pido a mis alumnos que sostengan sus arcos cinco o seis pulgadas por encima de la rana mientras tocan un pasaje del concierto de Telemann.

Aunque en este experimento se carece de la forma física del arco barroco y de la capacidad de respuesta de las cuerdas de tripa, el peso adicional del arco cerca de la mano obliga a los dedos de la mano derecha del intérprete a ser más flexibles. Esta nueva destreza permite al intérprete practicar *messa di voce* con el arco moderno mientras sujeta el arco más cerca de la rana, como es normal.

A continuación se detalla un ejemplo en el que utilizo la práctica de la *messa di voce* para dar forma a una frase en el contexto de un tempo lento.

En el tercer movimiento del concierto para viola de Telemann, doy forma a la frase de apertura hacia el tiempo muerto del primer compás, y de nuevo hacia el tiempo muerto del segundo compás. He detallado qué tipo de dirección doy a cada nota con las líneas dibujadas debajo de las notas. Los arcos del manuscrito de Telemann están dibujados sobre las notas como referencia.

*La "messa di voce" no es simplemente una técnica que hay que dominar para los tempi más lentos de la música barroca. A continuación se muestra un ejemplo de cómo doy forma a una frase utilizando el arco en la apertura del cuarto movimiento del concierto:

En ambos ejemplos, la curvatura del arco barroco permite al intérprete evitar los comienzos ásperos de las notas y fomenta el movimiento circular de la muñeca derecha cuando el intérprete pasa de un arco arriba a un arco abajo o vuelve a tomar el arco. Si el intérprete tiene en cuenta estas ventajas naturales al utilizar un arco moderno, cada nota cobrará vida con resonancia y forma.

Estudiar el concierto de Telemann desde el punto de vista de una práctica interpretativa históricamente informada también implica investigar el contexto más amplio de otra música escrita en la época barroca. Gran parte de la música escrita en Europa occidental durante la época de Telemann estaba destinada a la danza, que se componía de una combinación de pasos grandes y pequeños, con el paso más grande normalmente en el primer tiempo de cada compás. Por lo tanto, incluso en la música barroca de Europa Occidental que no fue escrita directamente para la danza, el primer tiempo de cada compás es generalmente enfatizado, con los otros tiempos en el compás cayendo lejos de o conduciendo al siguiente primer tiempo. Con el arco barroco curvado en mente, el intérprete puede utilizar su familiaridad con la *messa di voce* para crear un énfasis redondeado en el tiempo fuerte, mientras deja que el arco haga golpes más pequeños y ligeros para los tiempos más débiles. La intérprete también debe distinguir una jerarquía de tiempos fuertes dentro de las frases más largas. Por ejemplo, en la apertura del primer movimiento, el intérprete generalmente evitaría un acento al principio, llevaría ligeramente al compás 10 pero luego llegaría realmente al tiempo de caída del compás 12, todo ello manteniendo las notas resonantes y ligeras, como en una danza solemne.

El público de Telemann estaba familiarizado con una estructura musical determinada. Por eso, los cambios armónicos sorprendentes o inesperados servían a compositores como Telemann para infundir dramatismo a sus obras y captar la atención de sus oyentes. Los intérpretes actuales también pueden resaltar estas notas "extrañas" para inspirar dramatismo y expresión. Por ejemplo, en el compás 9 del tercer movimiento del concierto de Telemann, el si bemol es una nota totalmente inesperada en la tonalidad tónica del movimiento (mi menor). Telemann utiliza este si bemol para resolver un acorde de sol menor. A continuación, Telemann repite el si bemol en el compás 10, esta vez para crear tensión hasta llegar a la tónica de si menor. El intérprete puede resaltar las intenciones de Telemann sacando a relucir estas notas especiales con una combinación de delicadeza de la mano izquierda y derecha.

Por último, en la época en que Telemann escribía su concierto para viola, compositores como Bach escribían música muy contrapuntística para instrumentos de cuerda solistas, con notas en todos los registros del instrumento dispuestas como si en realidad estuvieran tocando dos, tres o incluso cuatro instrumentos en lugar de uno solo. Ejemplos de ello son las Suites para violonchelo de Bach, BWV 1007-1012, y las Partitas y Sonatas para violín solo, BWV 1001-1006. Ambas han sido transcritas para viola sola.

Las obras para solo de Bach son importantes para que el intérprete las tenga en cuenta al estudiar el concierto de Telemann debido a la prevalencia del contrapunto entre dos o más "voces" en varios pasajes. En el siguiente ejemplo del segundo movimiento, dos voces se distinguen entre sí en el compás 45 y finalmente se vuelven a encontrar en el tiempo de caída del 52. El intérprete puede resaltar estas diferentes voces con diferente peso y velocidad del arco, teniendo en cuenta la curva y el peso del arco barroco.

Al final del cuarto movimiento, el intérprete puede distinguir tres voces distintas: L (inferior), M (central) y T (superior), como se muestra a continuación.

Estar familiarizado con el estilo de otras obras escritas en la época barroca informa al intérprete de los elementos que debe destacar en el concierto de Telemann, como la fuerte conexión con la danza, así como las tendencias contrapuntísticas.

Estudiar el concierto de Telemann a través de la lente de la práctica interpretativa históricamente informada ofrece al intérprete una gratificante oportunidad de dar vida a la obra con los instrumentos actuales. Armado con el conocimiento tanto del contexto musical como de la funcionalidad de los instrumentos de época, el intérprete puede dar con confianza a cualquier pieza musical una interpretación fresca e investigada.