Enseigner la résilience émotionnelle

Tombez sept fois, relevez-vous huit fois.
- Proverbe japonais

"Pourquoi l'étude du violoncelle est-elle importante pour votre enfant ? "Qu'espérez-vous que votre enfant retienne de son éducation musicale ? Ces questions sont tirées directement de l'enquête que je fais passer à tous les adultes qui s'occupent d'enfants dans mon studio privé au début de chaque année scolaire. Les réponses vont des plus prévisibles, "Je veux que mon enfant développe un amour et une appréciation de la musique", aux moins prévisibles, "Mon enfant a besoin d'aide pour son fonctionnement exécutif et son thérapeute m'a dit que des cours de musique l'aideraient". Il y a ceux qui espèrent que les études musicales de leur enfant lui permettront de développer une multitude de compétences non techniques, telles que la concentration, la discipline, la gestion du temps et la persévérance. Il y en a même quelques-uns qui visent la compétition de haut niveau, les acclamations et les récompenses. Plusieurs participants à l'enquête ont indiqué qu'ils souhaitaient que leur enfant connaisse le "succès". Aucune personne n'a mentionné qu'elle espérait que son enfant apprenne à échouer.

Le jour (et certains soirs et la plupart des week-ends), je suis responsable du programme PMAY Artists' Initiative, un programme de formation musicale basé à Philadelphie. Notre programme soutient les jeunes artistes sous-représentés, principalement les étudiants BIPOC, dans leurs efforts pour devenir des musiciens classiques professionnels. Les artistes PMAY bénéficient d'un soutien financier, d'occasions de se produire, d'un précieux réseau de relations dans le domaine, ainsi que de nombreux conseils et d'un mentorat. Nous nous efforçons de préparer nos élèves, de la cinquième à la douzième année, à concourir avec succès pour l'admission dans les meilleurs collèges et conservatoires de musique du pays. Les anciens élèves de PMAY ont été acceptés dans des écoles telles que Curtis, Juilliard, New England Conservatory, The Colburn School, Cleveland Institute of Music, Eastman, Oberlin, et bien d'autres encore.

Notre programme d'études est volontairement rigoureux et exigeant, en particulier pour les lycéens de première et de terminale. De l'organisation de leçons d'essai avec des professeurs d'université potentiels, aux candidatures stratégiques pour les programmes d'été, en passant par la sélection du répertoire d'audition, les simulations d'audition, les présélections d'enregistrement et la saison des auditions elle-même. Comme nous le savons tous, le chemin pour devenir un musicien professionnel est exténuant, à un niveau similaire à celui d'un athlète olympique ou d'un athlète professionnel. Il n'y a pas de raccourci. Les exigences imposées à un jeune musicien hautement compétitif sont éprouvantes sur le plan physique, mental et émotionnel. Si l'on ajoute à cette équation le poids de la minorisation dans un espace, la gestion d'un barrage constant de microagressions et le développement d'une identité personnelle positive dans un domaine où il y a peu de modèles qui vous ressemblent, c'est beaucoup pour un lycéen.

L'automne dernier, l'un de nos aînés est monté sur scène pour la première d'une série d'auditions simulées en vue d'auditions universitaires. Dans la salle se trouvait un panel de juges : Des professeurs du PMAY, des membres de l'Orchestre de Philadelphie, des administrateurs et d'autres élèves de terminale du programme. L'élève sélectionnée commence par son concerto. Cela ne s'est pas bien passé. Après un certain nombre de trous de mémoire dévastateurs, elle a été arrêtée par le jury. Le reste de l'audition s'est déroulé en dents de scie. Solo Bach, études, pièce du 21e siècle. Nous avons vu l'étudiante reculer, son son diminuer, son archet commencer à trembler.

L'étudiante a gardé son sang-froid lorsque le jury lui a fait des remarques très sévères. Elle n'a pas perdu son calme, même lorsqu'ils lui ont dit qu'elle ne réussirait dans aucun des programmes des universités et conservatoires les plus réputés de sa liste. Ce n'est qu'après avoir quitté la scène que je l'ai vue s'effondrer, se dissoudre en un tas. De grosses larmes. Témoin de ce moment de tendresse, j'ai réalisé le mauvais service que nous avions rendu, le trou flagrant dans notre programme d'études bien intentionné. Ses commentaires, entre deux sanglots, étaient tous centrés sur sa nullité, son manque de talent, sur le fait qu'elle ne serait jamais violoniste, qu'elle devrait arrêter le violon et faire autre chose. En l'écoutant, sous le coup de l'émotion, je me suis rendu compte de deux choses importantes :

• Elle ne pouvait pas se dissocier de son identité et de sa valeur en tant qu'être humain, de son jeu de violon. Dans son esprit, les deux étaient intimement liés. Elle n'avait pas entendu leurs critiques sur son jeu, sa préparation, ses capacités techniques. Elle les avait entendus la rabaisser en tant que personne.
• En nous concentrant sur la préparation de nos élèves à la réussite, nous avions complètement oublié de leur apprendre à échouer. L'enseignement de la résilience émotionnelle a été négligé dans les objectifs de notre programme.

Ce n'est que récemment que j'ai commencé à intégrer délibérément l'apprentissage de l'échec dans mon travail, à la fois dans mon rôle administratif au sein de PMAY et dans mon enseignement. J'ai besoin que mes élèves se remettent d'aplomb après un échec, qu'ils reçoivent des commentaires négatifs et s'en servent pour s'améliorer, qu'ils se relèvent après un échec, qu'ils continuent à travailler et à aller de l'avant même lorsque c'est difficile. Mais comment aborder cette question ? Que puis-je faire exactement, d'un point de vue pédagogique, pour développer la résilience émotionnelle chez mes élèves ? Voici quelques stratégies que j'ai essayées avec un certain succès, dans le but de cultiver la force émotionnelle chez mes élèves.

Fournir un retour d'information sincère et véridique

Nous rendons un très mauvais service à nos élèves en ne leur donnant pas une vision véridique de leurs lacunes musicales. Dire à un élève à quel point il sonne bien alors que ce n'est pas tout à fait exact rend la chute d'autant plus longue lorsqu'il reçoit ce commentaire ailleurs. Une critique honnête, formulée sans porter de jugement, enseigne à l'élève qu'apprendre à jouer d'un instrument, à tous les niveaux, est un processus et non une chose à maîtriser. Évitez à tout prix les superlatifs. Faites l'éloge de quelque chose de spécifique si vous essayez d'élever un élève, comme "Pinky est resté sur l'archet pendant toute la phrase cette fois-ci", au lieu de "C'était incroyable !".

Un léger changement de langage

Après cette simulation d'audition au début de l'automne, je me suis enregistrée en train de donner mes cours particuliers la semaine suivante. J'étais à la recherche d'indices sur la manière dont je pouvais modifier ma pratique d'enseignement pour intégrer le développement de la résilience chez mes élèves. Je me suis souvent entendue dire que je donnais du feed-back en disant "vous". "Tu ne vibres pas à la bonne vitesse pour ce personnage ou cette dynamique". "Vous devez mieux planifier vos changements". "Vous n'êtes pas concentré sur votre point de contact". "Votre troisième doigt n'est pas sur la pointe".

En m'écoutant dire ces choses, j'ai imaginé que les élèves se sentaient jugés, non seulement sur leur jeu, mais aussi sur eux-mêmes. Dans mes critiques, je ne parvenais pas à séparer l'individu de son jeu. Depuis cette prise de conscience, j'ai opéré un petit changement dans mon langage, mais qui a eu un impact. J'ai supprimé le "vous" dans mes commentaires. "Vous devez mieux doser vos décalages" est devenu "Les décalages doivent être mieux dosés". "Vous n'êtes pas concentré sur le point de contact" a été remplacé par "Le point de contact a besoin d'une attention plus délibérée". "Votre troisième doigt n'est pas sur la pointe" est devenu "Le troisième doigt doit être plus sur la pointe".

Je souhaite former intentionnellement mes élèves, même les plus jeunes, à séparer leur identité de leur capacité à jouer du violoncelle. Cela leur permettra, je l'espère, de recevoir des critiques correctives sans qu'elles aient un impact sur leur estime de soi.

Minimiser la performance. Élevez le niveau de préparation.

L'audition, le concours, le récital, le jury : ce ne sont pas les objectifs. C'est le processus actif d'amélioration qui est l'objectif. Faites de l'évolution technique et musicale votre objectif au lieu de vous concentrer sur la performance elle-même. Au lieu de dire "Nous allons préparer ce morceau pour le récital de printemps", essayez plutôt de dire "Préparer ce morceau à un niveau élevé améliorera votre gamme dynamique et votre capacité à manipuler la couleur du son. Vous aurez l'occasion de montrer votre travail lors du récital". Cela permet à l'élève de voir que le processus de travail acharné et d'amélioration est quelque chose à célébrer, quelque chose qu'il peut accomplir avec succès. Le fait d'associer toute la réussite à une performance, un moment parmi des millions d'autres, peut être préjudiciable sur le plan émotionnel si les choses ne se passent pas comme prévu.

Changer la taille de l'étang. Modifier la taille des poissons.

Tout le monde a besoin de l'expérience d'être le joueur le plus avancé dans la salle. Les élèves apprennent ainsi à diriger. Ils se sentent confiants et responsabilisés. Inversement, tout le monde a besoin de faire l'expérience d'être le joueur le moins avancé de la salle. Les élèves doivent faire l'expérience du niveau suivant de compétence ou d'art, celui qu'ils doivent viser, celui auquel ils aspirent. C'est ainsi que les élèves sont motivés et inspirés. En tant qu'enseignants, nous devons être conscients de cet équilibre. Nos élèves ont autant besoin de s'asseoir sur la première chaise que sur la dernière. Ils ont besoin d'être "à leur place", qu'ils soient le plus petit ou le plus grand poisson de l'étang, et de toutes les tailles intermédiaires. Nous devons leur offrir des expériences musicales qui facilitent le développement de la résilience émotionnelle et de la confiance en soi pour s'épanouir dans n'importe quel rôle au sein d'un paysage musical.

Modéliser la résilience émotionnelle

"Je n'ai pas été accepté à Juilliard. Voilà. Je l'ai dit. C'était très dur à l'époque, mais ça va. J'ai une carrière de musicien couronnée de succès. Je n'ai pas laissé ce petit échec, qui m'a semblé énorme sur le moment, déterminer mon avenir." Partager ses propres histoires de défaite de manière sincère montre aux élèves qu'il y a une vie au-delà de l'échec. Nous nous servons de nos échecs pour orienter nos prochaines étapes. Cet aspect de l'enseignement nous oblige, en tant qu'enseignants, à être vulnérables et à partager nos défaites comme nos victoires.

Enseigner l'autodéfense

Il faut apprendre aux élèves à se défendre. Ils doivent poser des questions de clarification lorsqu'ils reçoivent des critiques, ce qui est difficile à un moment où ils peuvent se sentir dénigrés. Ils doivent s'exprimer lorsqu'ils se sentent jugés. J'ai pris l'habitude de dire à mes élèves de s'exprimer lorsqu'ils se sentent dénigrés. Récemment, une élève m'a dit qu'elle se sentait mal parce que j'avais fait une grimace pendant qu'elle jouait "Humoresque" dans son cours de violoncelle. Je me suis sentie à la fois terriblement mal et immensément fière. Le fait qu'une enfant de huit ans ait eu suffisamment confiance en elle pour me dire cela était une grande victoire. En m'appuyant sur ses commentaires pour m'améliorer, je fais désormais beaucoup plus attention à mes expressions faciales lorsque les élèves jouent faux !

Je ne suis ni un professionnel de la santé mentale, ni un travailleur social, ni un médecin. Les outils que je propose ici sont basés sur mes propres recherches, sur la formation que j'ai reçue en matière d'enseignement musical tenant compte des traumatismes, et sur un grand nombre d'essais et d'erreurs. J'espère souligner l'importance de cultiver le respect de la santé mentale et du bien-être chez nos élèves. Je veux enseigner aux élèves à être à l'aise avec eux-mêmes, avec et sans leurs instruments. Je préconise l'enseignement ciblé de la résilience émotionnelle comme l'une des compétences essentielles qui va de pair avec notre pédagogie Suzuki incroyablement intentionnelle. Je veux apprendre aux jeunes musiciens à tomber avec grâce et dignité, à renaître de leurs cendres, plus forts et avec encore plus de détermination, à se relever et, une fois de plus, à tenter de voler.