Rester en place

Réflexions sur l'intonation et la vie

Par Zara Lawler

"Reste !" a dit l'un des plus jeunes membres de l'Ensemble de flûtes Suzuki lors de notre dernière répétition avant le concert de clôture de la Conférence de la SAA 2024. Nous parlions des différentes choses dont nous voulions nous souvenir pour que la représentation soit réussie, et j'ai demandé : "Et qu'allons-nous faire sur la dernière note de Mary in the New World ?"

Rester accordé sur une note longue avec un diminuendo est un défi particulier pour les flûtistes et nous avons eu une grande discussion à ce sujet lors d'une répétition précédente. Avec des élèves et des professeurs de plusieurs États et de deux pays, et des jeunes joueurs des livres un à treize et au-delà, il était amusant et instructif d'avoir des discussions pendant les répétitions, plutôt que de me contenter de leur dire ce qu'ils devaient faire. Les suggestions pour rester accordé comprenaient le fait de garder l'air en mouvement rapide, de lever la tête et/ou de rouler la flûte un peu vers l'extérieur, mais ma suggestion préférée était d'utiliser ses oreilles pour se concentrer sur l'endroit où la hauteur devrait être et de "rester" à cet endroit.

Le slogan "Restez" est devenu notre cri de ralliement pour que la dernière note de Marie dans le Nouveau Monde reste dans le ton.

La flûte peut sembler être un instrument à hauteur fixe, puisque nous avons des clés qui déterminent la note que nous jouons. Cependant, avec les nombreuses variables que sont la vitesse et la direction de l'air, la forme de l'embouchure (lèvres), la façon dont la flûte elle-même est ajustée, et le fait qu'elle soit froide ou chaude, la flûte est en fait comme un instrument à cordes dont la hauteur est flexible... et tous les flûtistes doivent apprendre à écouter la hauteur et à s'ajuster à ce qu'ils entendent. Laisser nos oreilles guider notre jeu est l'un des principes clés de l'approche Suzuki, résumée dans le mot audition. L'audition est la capacité d'imaginer un son dans notre tête, tout comme l'imagination est la capacité de créer une image dans notre tête.

J'ai appris l'existence de l'audition lors de ma première conférence SAA en 2018. Cette année-là, j'étais codirectrice de l'ensemble de flûtes, avec la formatrice d'enseignants Rebecca Paluzzi. Je n'oublierai jamais l'avoir vue diriger la première répétition. Elle n'a PAS commencé par demander aux enfants de s'accorder, ce qui semblait être une initiative audacieuse ! Ils ont joué l'un des morceaux et vérifié quelques points de rythme et de notes. Au bout d'une vingtaine de minutes, elle a dit : "Maintenant que nous sommes échauffés, je pense qu'il est temps d'accorder".

Elle a demandé à l'un des jeunes flûtistes les plus expérimentés (un jeune de seize ans dans le livre dix) de jouer son la, et au lieu d'accorder chaque flûtiste individuellement, Rebecca a demandé à l'ensemble de chanter le la, ce qu'ils ont fait, parfaitement en accord. L'élève a rejoué le la, et l'ensemble l'a à nouveau chanté. La troisième fois, elle leur a demandé d'imaginer qu'ils chantaient le la dans leur tête. Puis elle leur a demandé d'imaginer que le la sortait de leur propre flûte. Elle leur a ensuite fait toucher le la sur leur flûte, mais sans le jouer - ils l'ont imaginé à nouveau.  

Je dois faire une pause ici pour dire qu'à ce stade de la répétition, j'étais sur le bord de mon siège, mourant d'envie de savoir ce qui allait se passer. Les élèves avaient imaginé As depuis environ 5 minutes . . et dans l'intense climatisation du centre de conférence, leurs flûtes étaient devenues de plus en plus froides. Je ne savais vraiment pas à quoi m'attendre lorsque Rebecca leur a permis de jouer enfin de leurs flûtes.

Mais il en est ressorti le la le plus magnifiquement accordé que j'aie jamais entendu ! J'avais l'impression d'assister à un tour de magie au ralenti. Comme Rebecca l'a fait remarquer lors d'une conversation ultérieure, ce n'était pas de la magie, mais de l'audition.

J'ai eu l'impression de boucler la boucle en utilisant l'audition comme outil lors des répétitions de notre ensemble de flûtes cette année. Nous avons utilisé notre pouvoir d'audition pour trouver un accord final juste pour Mary in the New World, puis nous avons utilisé ce même pouvoir pour "rester" dans le ton, en laissant nos oreilles guider tout ajustement physique de la hauteur.

L'idée qu'un simple mot puisse résumer plusieurs grands concepts (non seulement l'audition, mais aussi toutes les façons physiques dont nous, les flûtistes, nous accordons et restons accordés) était délicieuse et m'a rappelé un principe d'enseignement que j'ai appris d'une autre formatrice de professeurs de flûte, Wendy Stern. Lors de l'une de mes formations au livre supérieur, elle m'a enseigné que l'utilisation de mots et d'expressions sténographiques pour les grands concepts est un outil d'enseignement et d'apprentissage précieux. Cela nous permet, ainsi qu'à nos élèves, d'éviter de nous perdre dans de longues explications alors que quelques mots ou même un geste physique suffisent. J'ai donc été très heureuse d'apprendre le concept de "rester" lorsqu'il a été évoqué lors de nos répétitions à Louisville.

Depuis mon retour au pays, j'ai découvert que la formule " restez " m'est utile en tant qu'enseignante et parent Suzuki pour bien plus que la simple réflexion sur l'intonation. Lorsqu'un élève n'est pas prêt à passer au morceau de répertoire suivant ou à la technique de flûte suivante, je me dis "reste". Nous pouvons toujours revoir les morceaux précédents et rester à leur niveau actuel jusqu'à ce qu'ils soient vraiment prêts à passer à autre chose. C'est particulièrement utile lorsque les parents et moi-même faisons pression sur les enfants pour qu'ils passent à l'étape suivante.

En ce moment, j'ai quelques élèves du Livre 1 qui peuvent jouer des notes aiguës avec moi pendant leurs cours, mais qui reviennent la semaine suivante incapables de le faire seuls. J'avoue qu'après plus d'une leçon de ce type, j'étais un peu désespéré : suis-je un mauvais professeur ? Sont-ils des enfants terribles ? Est-ce qu'on dépassera un jour le stade de Lightly Row ? Et puis j'ai pensé à "rester", et nous sommes maintenant très heureux de rester dans nos morceaux à l'octave inférieure et de les rendre plus beaux chaque semaine. Et ce faisant, nous avons le temps de résoudre divers petits problèmes d'embouchure et d'air qui m'avaient échappé auparavant.

Et n'est-ce pas l'une des idées principales de la révision que de se contenter de "rester" ? Lorsque nous permettons à nos élèves de rester sur un morceau grâce à la révision, ils ressentent ce que c'est que de vraiment jouer de la musique, de vraiment communiquer leurs beaux cœurs à travers leur belle sonorité, au lieu d'avoir toujours l'impression d'être à la limite, ou même au-delà, de leur propre compétence.

En tant que parent de violoncelliste, j'ai trouvé que l'idée de "rester" était encore plus utile sur le plan émotionnel. La pratique d'un instrument est un travail difficile et, dans notre foyer, les émotions fortes ont tendance à faire surface pendant la pratique du violoncelle. En tant que professeur de Suzuki avec des années d'expérience, mon premier réflexe a été d'essayer de "résoudre" les grandes émotions de ma fille en résolvant son problème de pratique, en l'aidant à jouer plus lentement, ou à jouer un plus petit morceau, etc. Aujourd'hui, il m'arrive de rester. Je reste avec elle pendant qu'elle se débrouille toute seule, qu'il s'agisse de ses sentiments ou de sa musique, ou des deux en même temps. Lorsque je peux rester et être présent pendant qu'elle fait son travail, nous sommes tous les deux satisfaits du résultat. Et "rester" fonctionne bien comme un cri de ralliement intérieur pour me rappeler que mon travail consiste principalement à être présent avec elle. Son travail est de jouer du violoncelle, le mien est de rester. Il n'est pas toujours facile de rester, surtout lorsque j'ai envie de quitter la pièce en hurlant, mais j'apprends à ajuster mon attitude, tout comme les flûtistes ajustent subtilement leur tonalité, afin de pouvoir rester.

Bien avant de devenir professeur de flûte Suzuki ou parent, je suis tombée sur la phrase suivante : "Le principal obstacle au progrès est de penser que nous devrions être plus avancés sur le chemin que nous ne le sommes". Cette phrase m'a semblé être une vérité profonde de la vie, et j'aime y penser aujourd'hui en tant que professeur et en tant que parent. L'un des obstacles aux progrès de nos élèves et de nos enfants est peut-être l'idée que nous nous faisons, en tant qu'adultes, qu'ils devraient être plus avancés qu'ils ne le sont, qu'ils devraient être capables de jouer des notes aiguës, qu'ils devraient passer à un morceau plus avancé, qu'ils devraient être capables de gérer leurs sentiments ! Et nous, enseignants et parents, nous pensons aussi souvent que nous devrions être plus avancés nous-mêmes ! Ne devrions-nous pas avoir déjà résolu ces problèmes pour nos enfants ? Obtenir cette promotion ? Avoir écrit et envoyé cet e-mail ?

Et si, au lieu de penser à ce que nous aurions dû faire, nous permettions à nos jeunes et à nous-mêmes de rester ?

Flûtiste d'avant-garde Zara Lawler a fait ses débuts en tant que concertiste avec l'Orchestre symphonique de Houston et ses débuts en récital au Merkin Concert Hall de New York. Elle est connue pour avoir créé et dirigé des œuvres de grande envergure, notamment la première américaine de Il Cerchio Tagliato dei Suoni, l'œuvre de Salvatore Sciarrino pour 104 flûtistes, dirigée par Zara au musée Guggenheim, un Flute Jamboree dirigé par Zara au Kennedy Center, et E Pluribus Flutum pour 60 flûtistes danseurs, joué à Central Park à New York. Elle enseigne à la Manhattan School of Music Precollege, à Silver Music, à l'Allen-Stevenson School et en privé, et a suivi une formation Suzuki aux Great Lakes, Eastern Tennessee et Lake Sylvia Institutes. Zara a étudié à Juilliard et écrit un blog sur les techniques de pratique à l'adresse suivante www.thepracticenotebook.comPour en savoir plus sur son travail, consultez le site suivant www.zaralawler.com