Aprendendo Telemann por meio de uma nova (velha) lente

O estudo do Concerto para viola em sol maior de Georg Philipp Telemann, encontrado no final do Livro Quatro, apresenta uma oportunidade única para o intérprete implementar elementos da prática de execução historicamente informada, mesmo usando os instrumentos de corda atuais. Praticar o concerto de Telemann sob a ótica da prática de performance historicamente informada requer familiaridade com os instrumentos usados na época de Telemann, bem como conhecimento do contexto mais amplo em que essa obra foi escrita. Considerado um dos primeiros concertos para viola conhecidos, ele apresenta um desafio formidável, porém gratificante, para o estudante de violino. Aprendi o concerto de Telemann pela primeira vez aos 11 anos de idade, no meu terceiro ano de viola, e revisitei a obra no segundo ano do ensino médio, quando a apresentei com a orquestra da minha escola. Agora, como profissional que se apresenta com frequência em violas modernas e barrocas, ensino e pratico o concerto de Telemann através das lentes da prática de desempenho historicamente informada, na esperança de instilar uma profunda apreciação da música barroca em meus alunos e no público.

A primeira etapa crucial para qualquer intérprete interessado em estudar uma peça musical sob a ótica da prática de performance historicamente informada é mergulhar na funcionalidade, na sensação e no som dos instrumentos usados na época em que a música foi escrita. Telemann, um dos compositores mais prolíficos da era barroca, escreveu o Concerto para viola por volta de 1715 para uma série de concertos semanais enquanto vivia em Frankfurt, Alemanha. Na época em que o concerto foi escrito, os arcos que os músicos usavam eram ligeiramente curvados para fora a partir do meio do arco, e os arcos eram mais pesados na rã. O arco barroco tem um formato que naturalmente funciona a favor do intérprete, moldando e afinando cada nota. De fato, o arco era o principal veículo de expressão na música da era barroca, enquanto o vibrato era usado como ornamento ou decoração apenas para determinadas notas. Por outro lado, o arco moderno é feito para projeção, e o peso do arco moderno é distribuído de maneira mais uniforme da rã à ponta. O design do arco moderno se presta a um som mais uniforme e conectado, e o vibrato tende a ser a principal forma de expressão. O intérprete que estuda por meio de uma lente historicamente informada também deve levar em consideração a diferença entre as cordas de aço atuais e as cordas de tripa que eram usadas na era barroca. As cordas de tripa, mais sensíveis (geralmente feitas de tripa de carneiro), respondem naturalmente à forma do arco barroco, enquanto tocar com cordas de aço modernas exige mais esforço do intérprete para criar qualquer tipo de forma com o arco.

Digite o termo mensagem de vozque, de acordo com o dicionário Oxford Music, é definido como o canto ou a execução de uma nota longa, de modo que ela comece silenciosa, aumente até atingir o volume máximo e, em seguida, diminua até o tom silencioso original. Para tocar cordas na música da era barroca, dominar a *messa di voce* é a chave para dominar o arco barroco. Giuseppe Tartini (1692-1770) escreveu a seguinte carta em 1760 para sua aluna Maddalena Lombardini:

Seu estudo principal deve ser o uso do arco, a fim de se tornar mestre na expressão de tudo o que pode ser tocado ou cantado. . . Primeiro, exercite-se em uma *messa di voce *sobre uma corda aberta, por exemplo, sobre a segunda, que é a corda Ré. Comece pianíssimoe aumente o tom em graus lentos para fortíssimoE isso deve ser feito igualmente com o arco para baixo e o arco para cima. Comece a fazer esse exercício imediatamente e dedique pelo menos uma hora a ele todos os dias, embora em horários diferentes, um pouco pela manhã e um pouco à noite; e tenha sempre em mente que esse é, de todos os exercícios, o mais difícil e o mais importante. Quando você dominar esse exercício. . todo grau de pressão sobre a corda se tornará fácil e seguro, e você será capaz de executar com o arco o que quiser.

Nem toda nota de música da era barroca será tocada como uma mensagem de vozMas a prática da técnica ajuda os instrumentistas de cordas a moldar com precisão cada nota com o arco barroco, algumas com um decaimento, outras crescendo em direção à próxima nota. Mesmo quando uma nota começa forteSe o arco for tocado em um arco moderno, a capacidade de executar a *messa di voce* permite que o artista afunde o arco na corda (embora rapidamente) sem o acento áspero que poderia acompanhar naturalmente um *forte* semelhante tocado em um arco moderno.

Como o músico de hoje adquire experiência com um arco barroco e cordas de tripa? A maioria dos alunos não tem acesso, especialmente no mundo socialmente distante de hoje. Às vezes, peço aos meus alunos que segurem seus arcos cinco a seis polegadas acima da rã enquanto tocam uma passagem do concerto de Telemann.

Embora a forma física do arco barroco e a capacidade de resposta das cordas de tripa não estejam presentes nesse experimento, o peso extra do arco próximo à mão do arco força os dedos da mão direita do músico a se tornarem mais flexíveis. Essa destreza recém-descoberta permite que o músico pratique *messa di voce* no arco moderno enquanto segura o arco mais perto da rã, como de costume.

A seguir, detalho um exemplo em que uso a prática de *messa di voce* para moldar uma frase no contexto de um andamento lento.

No terceiro movimento do concerto para viola de Telemann, formatei a frase de abertura em direção à batida descendente do primeiro compasso e novamente em direção à batida descendente do segundo compasso. Detalhei o tipo de direção que dou a cada nota com as linhas desenhadas abaixo das notas. Os arcos do manuscrito de Telemann estão desenhados sobre as notas para referência.

*A Messa di voce não é apenas uma técnica a ser dominada para tempos mais lentos na música barroca. Abaixo está um exemplo de como eu formo uma frase usando o arco na abertura do quarto movimento do concerto:

Em ambos os exemplos, a curva do arco barroco permite que o intérprete evite inícios ásperos das notas e estimula o movimento circular no pulso direito à medida que o intérprete faz a transição de um arco para baixo a partir de um arco para cima ou uma retomada do arco. Se o músico mantiver essas vantagens naturais em mente ao usar um arco moderno, cada nota ganhará vida com ressonância e forma.

Estudar o concerto de Telemann pelas lentes da prática de performance historicamente informada também envolve a pesquisa do contexto mais amplo de outras músicas escritas na era barroca. Grande parte da música escrita na Europa Ocidental durante a vida de Telemann foi escrita para a dança, que era composta por uma combinação de passos grandes e pequenos, com o passo maior geralmente na primeira batida de cada compasso. Portanto, mesmo na música barroca da Europa Ocidental que não foi escrita diretamente para a dança, a primeira batida de cada compasso é geralmente enfatizada, com as outras batidas do compasso se afastando ou levando à próxima primeira batida. Com o arco barroco curvo em mente, o intérprete pode usar sua familiaridade com a *messa di voce* para criar uma ênfase arredondada na batida forte, enquanto deixa o arco dar golpes menores e mais leves nas batidas mais fracas. A intérprete também deve distinguir uma hierarquia de batidas fortes em frases mais longas. Por exemplo, na abertura do primeiro movimento, a intérprete geralmente evitaria um acento no início, levaria um pouco até o compasso 10, mas depois chegaria de fato à batida descendente do compasso 12, mantendo as notas ressonantes e leves, como se estivesse em uma dança solene.

Os membros do público de Telemann estariam familiarizados auditivamente com uma determinada estrutura musical. Portanto, mudanças harmônicas surpreendentes ou inesperadas eram a forma como compositores como Telemann infundiam drama em suas obras e chamavam a atenção dos ouvintes. Os intérpretes de hoje também podem destacar essas notas "estranhas" para inspirar drama e expressão. Por exemplo, no compasso 9 do terceiro movimento do concerto de Telemann, o Si bemol é uma nota totalmente inesperada na tonalidade tônica do movimento (mi menor). Telemann usa esse Si bemol para resolver um acorde de Sol menor. Em seguida, Telemann repete o Si bemol no compasso 10, dessa vez usando-o para criar tensão para uma eventual tônica em Si menor. O intérprete pode destacar as intenções de Telemann ao trazer à tona essas notas especiais com uma combinação de delicadeza das mãos esquerda e direita.

Por fim, na época em que Telemann estava escrevendo seu concerto para viola, compositores como Bach estavam escrevendo músicas altamente contrapontísticas para instrumentos de corda solo, com notas em todos os registros do instrumento, organizadas como se dois, três ou até quatro instrumentos estivessem tocando em vez de apenas um. Exemplos desse tipo de escrita são as Suítes para violoncelo de Bach, BWV 1007-1012 e as Partitas e Sonatas para violino solo, BWV 1001-1006. Ambas foram transcritas para viola solo.

É importante que o intérprete tenha em mente as obras solo de Bach ao estudar o concerto de Telemann devido à predominância do contraponto entre duas ou mais "vozes" em várias passagens. No exemplo a seguir, do segundo movimento, duas vozes se distinguem uma da outra no compasso 45 e finalmente se encontram novamente na batida de 52. O intérprete pode destacar essas diferentes vozes com diferentes pesos e velocidades do arco, tendo em mente a curva e o peso do arco barroco.

No final do quarto movimento, o intérprete pode de fato distinguir entre três vozes separadas: L (inferior), M (média) e T (superior), conforme mostrado abaixo.

O fato de estar familiarizado com o estilo de outras obras escritas na era barroca informa o intérprete sobre os elementos a serem enfatizados no concerto de Telemann, como a forte conexão com a dança e as tendências contrapontísticas.

O estudo do concerto de Telemann através das lentes da prática de performance historicamente informada oferece ao intérprete uma oportunidade gratificante de dar vida à obra nos instrumentos atuais. Armado com o conhecimento do contexto musical e da funcionalidade dos instrumentos de época, o intérprete pode dar a qualquer peça musical uma interpretação nova e pesquisada.