O trabalho de Joel Thompson ilumina o caminho

O compositor Joel Thompson tem um dom precioso. Ele possui o que Shinichi Suzuki chamou de um belo coração. Isso é evidenciado em sua música, que em grande parte se concentra na experiência negra, tanto dolorosa quanto alegre. Thompson é especialmente capaz de ver e articular a angústia de um povo que tem sido sistematicamente silenciado. Suas composições falam sobre a precariedade da experiência negra e sobre o trauma recorrente. Por isso, elas estão recebendo a merecida atenção durante esses tempos tumultuados. O trabalho de Thompson preenche uma necessidade de música que tem o poder de abrir a alma e levar tanto o público quanto o músico a um lugar de maior compreensão e maior capacidade de conexão e cura. Por meio de sua generosidade, Thompson revisita esse espaço repetidas vezes no trabalho que produz, dando-nos uma visão para que também possamos ver e, mais apropriadamente, sentir a angústia da opressão racial.

Tive o prazer de conhecer Joel em um fim de semana de música de câmara de verão para toda a família quando ele ainda era adolescente. Lá, presenciei um momento improvisado de brincadeiras musicais entre alguns dos músicos. Já um pianista altamente qualificado e fluente em gêneros musicais clássicos e de jazz, o que me impressionou na época não foi apenas sua versatilidade ou seu virtuosismo, mas sua vontade de se envolver, de incluir, de trazer à tona o melhor dos outros. Agora, aos 31 anos, Thompson já teve obras executadas pela Orquestra Sinfônica de Atlanta, Orquestra Sinfônica de Tallahassee, Atlanta Master Chorale, Los Angeles Master Chorale, EXIGENCE e San Francisco Gay Men's Chorus. Sua ópera, The Snowy Day, baseada no amado clássico infantil de Ezra Jack Keats com o mesmo título, estava programada para estrear no início deste ano, mas devido à pandemia do coronavírus será estreada pela Houston Grand Opera em dezembro de 2021. A composição mais aclamada de Thompson, Seven Last Words of the Unarmed (Sete últimas palavras dos desarmados), é uma rara obra-prima musical, vencedora do Prêmio Americano de Composição Coral de 2018. A obra se baseia nas palavras de sete homens negros desarmados que morreram nas mãos da polícia. Ela é envolvente, profundamente comovente e profunda.

Preparando-me para a entrevista, ouvi "Hold Fast to Dreams", de Thompson. Fiquei impressionado com os contrastes - a proclamação de abertura do espiritual negro "Free at Last", a descida de todo o tom do piano à medida que essa proclamação rapidamente se torna reduzida, dissonante, amarga, como a promessa da Reconstrução. As ondas etéreas que sustentam o sonho, as harmonias abertas e a expansão para os registros superiores, assumem qualidades de um coro sagrado e de um coro grego, testemunhando. O sonho, uma alucinação - assombroso, efêmero, arejado, belo. O tenor e o baixo se juntam ao piano seguindo a letra estridente de Langston Hughes: "Does it stink like rotten meat?". O piano sobe os degraus de uma escala de tons inteiros que nos transporta para algum lugar acima do arco-íris e depois explode em uma cascata enquanto nos mantemos firmes em um reino celestial onde podemos discernir o sonho e sua distorção. Nessa curta obra clássica, que mistura elementos do jazz, da Broadway e do céu, obtemos uma compreensão visceral das contradições insípidas dos Estados Unidos, que se reconciliam com seu legado racista.

[size=120]Como você processa a luta nas ruas neste momento? E como você traduz essa luta na música que está trazendo para o mundo?

Bem, eu processo essa luta primeiro como um ser humano, não como um artista. Como homem negro, é difícil processar isso. Isso vem ocorrendo há algum tempo e escrevi muitos artigos em resposta às tragédias. Como ser humano, há aquela pontada imediata de tristeza. Às vezes, há aquela raiva imediata - muita dor. E, então, olhamos para nossas paixões, sendo a minha a música e a composição dela, e tentamos ver como podemos usar nossa arte e aplicá-la a essa ferida que continua sendo reaberta. "Seven Last Words" foi escrita há cinco anos. Escrevi "Hold Fast to Dreams" e "Caged Birds Sings for Freedom" e várias outras peças que abordam esse flagelo da violência e é fácil sentir que tudo é inútil, que tudo é inútil porque continua acontecendo. Mas, como artista, não posso me apegar a isso, porque isso me leva ao desespero; e acho que a esperança é a fonte de minha criatividade, e ainda tenho que me apegar à esperança. É uma escolha. É uma escolha difícil. Pode até não ser a escolha mais racional, mas espero que minha arte possa continuar a criar um espaço para a empatia, um espaço para a educação, um espaço para a imaginação compassiva.

No momento atual, tem sido difícil, não apenas por causa da dor em resposta à morte de George Floyd, Breonna Taylor, Ahmaud Arbery, Tony McDade e a lista continua, mas também porque estamos em uma pandemia que está afetando desproporcionalmente as comunidades de cor. Isso faz com que reconheçamos que o gigante que estamos enfrentando é o racismo sistêmico, que está embutido na estrutura da nossa sociedade. E, embora pareça que há um acerto de contas em andamento, houve muitos momentos ao longo da história americana em que sentimos que há um acerto de contas. Também podemos perceber como é fácil nos deixar levar por um senso de complacência e acabar preservando o status quo. Portanto, como artista, estou tentando evitar essas armadilhas e continuar centralizando a experiência negra em meu trabalho.

Mas também estou percebendo que é preciso despertar a consciência da maior parte da América Branca. Precisamos despertar a consciência. Fico pensando nas fotos dos cartões postais dos linchamentos e vejo como era um evento familiar. E as pessoas levavam seus filhos para essas coisas. Falamos muito sobre o trauma dos negros. Acho que, para realmente curar a sociedade, precisamos abordar também o trauma da branquitude.

Não sei se é meu trabalho como artista, mas é algo em que estou pensando, em resposta ao momento atual, que havia crianças presentes nesses linchamentos e tenho certeza de que essas crianças sabiam, em seu íntimo, que isso era errado. Mas, quando todos os membros nobres da sociedade, desde o xerife até o pastor e seus próprios pais, estão levando você a esse ato, isso justifica a desumanização e o assassinato desse outro ser humano que parece diferente de você.

Acho que minha resposta como artista a este momento atual será tentar desvendar as maneiras pelas quais a desumanização dos negros e os mecanismos persistentes de violência contra os negros podem persistir devido à nossa incapacidade de confrontar nossa identidade. Precisamos de introspecção. Precisamos continuar olhando para dentro, para a forma como nos movemos neste mundo e para o nosso passado e como isso está influenciando o nosso presente.

Você me pegou em um momento em que estou sempre voltando àqueles cartões postais. Porque essas crianças podem estar em uma casa de repouso neste momento. Mas elas sofreram um trauma. Se o trauma intergeracional é verdadeiro na experiência negra, e você vê as manifestações disso em nossa experiência vivida, então o mesmo deve ser verdadeiro para nossos irmãos e irmãs brancos. Por que ainda estamos enfrentando a mesma luta que nossos pais, avós e bisavós enfrentaram? Estamos nos recusando a olhar para dentro de nós mesmos, a nos responsabilizar e a oferecer um espaço para a justiça restaurativa. Há muita coisa que eu nem sei se a arte pode consertar, mas quero fazer parte dessa conversa.

[size=120]É um fardo ser a voz de um povo angustiado e de uma época angustiada? [/size]

Na verdade, não me considero uma voz para todos os negros. A ideia de falar por um povo - embora possa parecer isso superficialmente, na verdade estou falando por mim mesmo. É tudo o que posso fazer.

Mas espero que, quando eu abordar minha arte com honestidade e vulnerabilidade, isso crie espaço para que outras pessoas respondam da mesma forma, com sua própria honestidade e vulnerabilidade.

Se eu pretendesse ser uma espécie de porta-voz da revolução, minha música não teria o mesmo som. Estou falando de minha própria angústia.

Quero reconhecer que os negros não são um monólito, que minha experiência particular de ser negro neste país é muito diferente, uma vez que meus ancestrais são mais parte da opressão colonial no Caribe. E embora eu tenha aprendido a ser negro neste país, ainda é diferente da experiência dos descendentes americanos da escravidão. Mas o momento atual não respeita o legado ou a história. Ninguém vai parar e me perguntar se sou jamaicano ou não. Portanto, não sei se diria que falo por um povo, falo por mim mesmo, mas, ao mesmo tempo, se eu focar minha arte de forma honesta e vulnerável, espero que isso crie espaço para que outras pessoas tragam sua arte, seus ouvidos e seus espíritos para o que eu crio.

[size=120]Você teve experiências pessoais que influenciaram sua compreensão da injustiça social que está no centro de algumas de suas músicas? [Tamanho]

Sim. Escrevi a peça ["Seven Last Words of the Unarmed"] quando morava em Cuthbert, Geórgia, lecionando em uma pequena faculdade de dois anos. Em Cuthbert, a manutenção das casas e das estradas muda conforme você vai de um lado a outro da cidade, que tem um único semáforo. É uma diferença muito grande de um lado para o outro - quem está morando lá, como são suas casas, quais carros são dirigidos, quais são as ocupações dos moradores. Esse era o espaço em que eu estava processando a falta de justiça em resposta à morte de Eric Garner. Assim, você pode ver como o ambiente desempenhou um papel.

Além disso, eu era um dos poucos - talvez dois de nós - professores negros nessa faculdade predominantemente negra. Por esse motivo, meu horário de expediente era repleto de alunos que eu nem mesmo ensinava conversando comigo sobre racismo dentro e fora da sala de aula. Uma das alunas da minha aula de teoria musical estava distribuindo panfletos para um evento do qual ela participava. Ela estava indo ao motel para afixar os folhetos no quadro de avisos; foi recebida por gerentes que disseram: "Não atendemos seu tipo aqui". E estamos em 2014.

Quando [meus alunos] iam para a Flórida para ir à praia, encontravam lojas com placas que basicamente diziam que não era permitida a entrada de negros. Essas coisas persistem nas áreas rurais deste país. Portanto, o fato de estar nessa parte do país teve um papel importante, sim.

E, sim, fui parado algumas vezes em passagens rurais escuras, indo de [compras de supermercado em] Albany de volta a Cuthbert. Essas foram experiências assustadoras. Sim, fui parado várias vezes em Atlanta. Sim, eu estava abastecendo em um posto de gasolina em Decatur e alguém passou em um caminhão e gritou a palavra "N" para mim sem motivo algum, destruindo meu dia. Mas essas coisas acontecem com espaço suficiente entre elas para que você comece a esquecer, mas não com espaço suficiente para que você ainda se lembre delas em seus ossos.

[size=120]Enquanto crescia, você recebeu o que as pessoas agora chamam de "a conversa", que lhe dizia como se comportar se tivesse um encontro com a polícia?

Sim, sem dúvida. E a palestra - muitas pessoas, agora que a palestra entrou na consciência social, muitas pessoas pensam que é uma coisa única, como os pássaros e as abelhas. Mas a palestra provavelmente aconteceu pelo menos 15 vezes. Há um medo contínuo, especialmente quando o filho mais velho sai de casa. Dirigir pela primeira vez. Sair do estado pela primeira vez. A conversa era constante. Terminei meu mestrado e estava dirigindo para Cuthbert. Eu tinha 24 anos e ainda assim a conversa era constante. Isso foi há apenas sete anos.

*size=120] O que lhe deu coragem para seguir o que alguns podem chamar de uma área menos atraente? Você foi incentivado por sua família? E seus sentimentos sobre a música como profissão mudaram com o tempo?

O aspecto comunitário era incentivado. Eu tocava na igreja. Criei corais e dirigi uma orquestra de cordas na igreja e tudo isso era incentivado, mas não deveria ser uma profissão, mas uma espécie de ocupação secundária. Eu também tinha uma paixão por fazer parte da cura de alguma forma. Portanto, como profissão, a medicina era um passo lógico. Então, fui atrás disso na graduação. Eu era pré-médico e também músico e tentei manter isso o máximo que pude, até mesmo tirando um ano de folga depois da graduação para ter certeza de que estava tomando a decisão certa. Acompanhei meu tio, que era obstetra/ginecologista na Jamaica - fazia partos, histerectomias, assistia a cirurgias.

Eu não diria que abandonei a medicina pela outra. Acredito que estou praticando a medicina em uma escala diferente, em um meio diferente. Ainda estou no negócio de tentar curar. Ainda estou no ramo da saúde pública, e acho que uma parte disso é abordar a alma, e a música me dá a oportunidade de fazer isso.

[Como você equilibra a música clássica, o jazz e a música da igreja, e há outras coisas que gostaria de mencionar nessa mistura?

Bem, acho que quanto mais velho fico, mais não me importo com as distinções entre os gêneros, mais as vejo como fronteiras desnecessárias que precisam ser borradas. Meu amor pelo jazz, pela liberdade de improvisação, pela complexidade das harmonias e pelas nuances emocionais que elas podem projetar informa minha arte de composição clássica. Minha experiência em música de igreja realmente me permitiu entrar no ciclo em que a arte cria a comunidade e a comunidade cria a arte. E isso também informa minha arte de composição de uma maneira muito importante: minha conexão com modelos litúrgicos realmente informa "Seven Last Words of the Unarmed", que se baseia nas sete últimas palavras de Cristo. Tudo isso está conectado. Portanto, não estou mais tentando separar as músicas pelas quais sou apaixonado. Tenho listas de reprodução que têm Esperanza Spalding, seguida de Samuel Barber, seguida de Jacob Collier, seguida de Kendrick Lamar - tudo. Estou no negócio de tentar encontrar a verdade, a verdade em letras maiúsculas de tudo o que estou ouvindo. Há muito que se pode aprender ouvindo músicas que mexem com minha alma, músicas que eu amo e até mesmo músicas que inicialmente não amo e que acabo amando. Eu até ouço músicas que não gosto de ouvir para descobrir o motivo. Esse processo me permite aprender sobre mim mesmo e sobre a música.

[size=120]Você sempre operou com esse entendimento e seu sucesso lhe permitiu adotar essa abordagem?

Não, nem sempre pensei dessa forma. Há um processo de pensamento de que, para entrar em um espaço clássico, é preciso deixar sua negritude na porta. E você deixa sua negritude na soleira da porta, passa por ela e agora está nos salões sagrados de Beethoven, Brahms e Bach - e isso leva a uma fragmentação do espírito. Mas a razão pela qual nos fragmentamos é real, porque se alguém trouxer sua negritude para um espaço clássico - um espaço predominantemente branco -, a pergunta que fica é: isso ainda é música clássica? E sabemos que, na fibra de nossos seres, se eu trouxesse os ritmos que movem minha alma, se eu trouxesse as harmonias e a maneira como elas se movem por meio de texturas específicas de canto, se um estilo ou timbre específico de canto estivesse sendo usado nesse contexto, ainda seria clássico? E isso é difícil quando uma parte integral de quem você é tem que ser deixada na porta antes de você entrar nesse espaço que você ama, e seu coração fala a linguagem da música clássica. Isso me levou ao momento atual, em que estou me esforçando ao máximo para não fragmentar meu espírito dessa forma. E, embora meu coração fale música clássica, ele também fala uma linguagem que está incorporada em meu DNA e na cultura em que fui criado. Quero trazer tudo o que sou para a mesa quando estiver criando música. Acho que agora estou em uma posição bastante precária, pois ainda não tenho certeza se posso trazer tudo o que sou.

O "Seven Last Words" foi escrito há cinco anos, mas só agora está sendo relativamente aceito. Ninguém tocava nela. Há quatro anos, as pessoas rasgavam seus programas e saíam dos prédios quando a peça estava sendo programada. Se eu abrisse as comportas e trouxesse tudo o que sou, espero a mesma resposta agora, porque foi isso que aconteceu há quatro e cinco anos. Ainda tenho a intenção de ser fiel a mim mesmo. Ainda pretendo ser tão vulnerável e honesto quanto era há cinco anos, mas estou dolorosamente ciente de que tenho um público agora. E isso é muito difícil. Estou percebendo a altura dos muros que ergui e que me impedirão de me expressar de uma forma que possa entrar em conflito com os poderes constituídos.

[size=120]Você internalizou as regras[/size].

Sim, eu internalizei as regras. Foi isso que me levou a ter sucesso na navegação em espaços brancos. Eu realmente acredito nisso.

[size=120]Você trabalhou com um coral multirracial de jovens em Seven Last Words of the Unarmed. Como os membros do coral recebem seu trabalho e como é trabalhar com eles? [/size]

Trabalhar com o Men's Glee Club da Universidade de Michigan foi uma experiência interessante, e eu sabia que era um coral predominantemente branco em uma instituição predominantemente branca, mas o regente, Dr. Eugene Rogers, era negro. Foi ele quem decidiu estrear a obra, e nós dois estávamos preocupados com a aparência e a sensação de aprendê-la. Alguns membros do coral decidiram não cantar naquele concerto e não cantar a peça. Alguns acharam que ela entrava em conflito com suas políticas, outros acharam que era desrespeitoso com os policiais. E, por qualquer motivo, optaram por não se envolver com a obra. Os que permaneceram, porém, foram apresentados a uma pedagogia que se baseava no foco do Dr. Roger em três elementos: amor, vida e perda. Ele tentou torná-la o mais universal possível e, ao mesmo tempo, específica para esses homens. Assim, cada membro do coral estava ciente das circunstâncias que envolviam cada morte.

Houve uma discussão franca entre os membros do coral. Alguns membros negros do coral se sentiram um pouco desconfortáveis, porque estamos muito acostumados a mudar de código de um espaço para outro. As emoções que alguém carregaria em espaços negros com a família, os amigos e a comunidade em seu país de origem estavam, de repente, presentes nesse espaço predominantemente branco, onde não permitimos que essas emoções estejam presentes. Isso fez com que alguns membros negros do coral me dissessem que não se sentiam à vontade com o fato de a peça estar quebrando as barreiras entre os espaços separados e bem definidos pelos quais eles circulam. Mas, no final, o Dr. Rogers criou um ambiente de cura, honestidade e respeito, respeitando esses homens.

No entanto, digo que é comovente ver as palavras desses [sete] homens nos lábios e nos pulmões de pessoas que não estão ligadas à mesma luta de uma forma tão visceral. É muito, muito comovente. De certa forma, é curativo, porque essa é uma mensagem que os homens negros vêm dizendo há séculos e, finalmente, ver essas palavras escaparem dos lábios brancos, parece que finalmente estou sendo compreendido, ouvido ou escutado. Dito isso, há uma apresentação do Morehouse Glee Club e do Coro de Concerto da Universidade A&M da Flórida, juntamente com a Orquestra Sinfônica de Tallahassee. Como dizem as crianças, "é diferente". É possível ver que as pessoas estão cantando e se envolvendo com o trabalho a partir de suas experiências vividas. É uma sensação completamente diferente. Elas estão sentindo as palavras em seus ossos. A composição específica do coral desempenha um papel não apenas na forma como a peça é recebida, mas também como é produzida, como é compartilhada e como é encenada. Acho que a música coral oferece esse espaço para que as pessoas se envolvam em lutas que não são suas. Acho que isso deve ser feito de maneira muito, muito respeitosa.

Há uma tradição de usar o Black spiritual como uma espécie de "bon-bon" no final dos concertos de coral. Como os arranjos de William Dawson são tão incríveis, os arranjos de Harry Burleigh são tão incríveis que as pessoas tendem a usá-los como encerramento de concertos, ignorando o contexto histórico e emocional que envolve a criação dessas obras, a transcrição dessas obras. Acho que se deve ter mais respeito com essas obras e músicas que nasceram da escravidão em uma sociedade que não reconhece os legados da escravidão que persistem até hoje. Acho que isso é o mínimo que podemos fazer como artistas. Acho que Seven Last Words é uma continuação, faz parte da genealogia da tradição espiritual, no sentido de que estou usando a música para corrigir a condição da existência negra neste país, que é o que os spirituals faziam antigamente.

E o mesmo respeito e cuidado que se tem ao cantar "Sometimes I Feel Like a Motherless Child" - certificando-se de que se está cantando com a nuance correta e honrando a tradição da qual ela nasceu -, o mesmo cuidado deve ser tomado com qualquer música atual que esteja respondendo a um trauma negro. Há uma maneira de fazer isso de forma desrespeitosa, e estou muito ciente disso e estive presente em algumas dessas apresentações.

É por isso que o site Sevenlastwords.org tem muitos recursos desenvolvidos pela professora da Faculdade de Direito da Universidade de Michigan, Margo Schlanger, pelo Dr. Eugene Rogers, por Rachil Davids e por mim, para incentivar as pessoas a se envolverem com o trabalho e não terem medo de errar por qualquer motivo, mas sim de maneiras pelas quais é possível se envolver de forma respeitosa e saudável com a música que fala sobre o trauma negro atual.

[Você viu os membros do coral mudarem como resultado da incorporação da poderosa narrativa de homens negros cujas vidas terminaram em violência racial nas mãos de brancos?

Sim, sim, eu já vi isso. Muitas pessoas disseram que não pensaram nisso [antes]. E eu nem sei se isso é verdade. Acho que o que provavelmente é mais verdadeiro é que é fácil para as pessoas não negras fugir de conversas sobre nossa existência atual neste país e como ela pode ser precária às vezes devido ao flagelo da brutalidade policial. Mas a peça cria um espaço em que não se pode fugir do assunto. Assim, muitos dos membros brancos de corais que a apresentaram me agradeceram por tê-la criado, porque o processo de trabalhar na peça, conviver com a peça e depois trabalhar para apresentá-la cria um espaço em que eles não podem deixar de pensar nela. Portanto, tenho muita sorte de as pessoas estarem dispostas a ser vulneráveis e compartilhar isso comigo.

Acho que é preciso reconhecer também como a pandemia desempenhou um papel nesse acerto de contas atual, porque literalmente nos prendeu dentro de casa e não nos permitiu escapar da conversa. E acho que esse acerto de contas não teria acontecido sem a pandemia porque não há escapatória. Não podemos interromper a conversa, dizer "estou muito desconfortável" e ir assistir a um filme, porque estamos presos dentro de casa. Muitas pessoas mencionaram experiências transformadoras semelhantes ao se envolverem com esse trabalho.

[size=120]Algumas pessoas diriam que o mundo da música clássica não está aberto às pessoas negras de cor, não é acolhedor ou não faz parte da experiência negra. Você acha que sua música está sendo ouvida pelo público a que se destina? [/size]

Com Seven Last Words, não havia a intenção de ter um público, mas tudo o que escrevi desde então está ciente de um público. Espero que o público se expanda, que não seja apenas o público clássico típico, que é predominantemente homogêneo em termos de raça, classe e, muitas vezes, gênero. Espero que a minha mera criação de música nesse gênero crie espaço para que o público também mude.

Sei que é preciso fazer um trabalho mais prático para expandir nosso público, e isso se resume à educação musical e ao acesso a essas apresentações. Portanto, não sou ingênuo a ponto de acreditar que a minha própria composição, por si só, é uma defesa suficiente para mudar o cenário da música clássica, o público e sua aparência. Sei que a educação musical - acesso a instrumentos, acesso a aulas - são coisas práticas que podem mudar o cenário da música clássica e são coisas nas quais quero me envolver o mais rápido possível. No momento, estou me concentrando em como sustentar uma carreira de compositor e concluir uma graduação, mas sim, quero que essas coisas façam parte da minha arte daqui para frente, para que possamos mudar a aparência do público da música clássica e expandir o escopo dessa forma de arte universal que tentamos afirmar que é.

[size=120]Que conselho você daria aos educadores musicais para atingir esse objetivo?

Meu conselho está enraizado no alicerce de minha arte de composição, que é a arte de ouvir. Temos que ouvir. Temos que ouvir nossos alunos. Temos que ouvir nossa comunidade. E temos que ouvir a nós mesmos. Acho que muitas vezes permitimos que a doutrinação de nossa educação musical atual atrapalhe a educação real. Sou adepto da pedagogia que permite que o aluno seja ele mesmo em sua plenitude. Que tragam para a sala de aula tudo o que são, mesmo que o currículo que temos não dê espaço para eles. Acho que devemos abrir espaço e isso requer ouvir.

Eu dava aulas de apreciação musical e o currículo era típico. Chamava-se apreciação musical, mas na verdade era apreciação de música clássica. Ela passava pelos períodos: Medieval, Renascentista, Barroco, Clássico, Romântico, Século XX, etc. E eu ouvia os alunos que estavam chegando a essa faculdade e reconheci que muitos deles vinham de contextos em que não tinham a menor ideia sobre música clássica. Eles não tinham ideia das alegrias e das experiências transcendentes que se pode ter com a música clássica. Portanto, tive de ouvi-los e permitir que tudo o que eles são entrasse pela porta. Assim, estamos estudando o canto gregoriano e analisando o canto silábico, o canto neumático e o canto melismático, e ao explicar esses diferentes tipos de canto gregoriano, eu o associei ao R&B. Há o R&B neumático, o R&B melismático e o R&B silábico. O R&B melismático é o mais popular. E comparei as execuções de melismas no canto gregoriano até mesmo com as árias das óperas barrocas, e as comparei com as execuções de Mariah Carey e Beyoncé e No Name e quem quer que esteja cantando para que entendam que música é música.

Comparei com algo com o qual eles estão mais familiarizados e depois os orientei na direção de algo que experimentei como transcendente. Acho que isso é fundamental. Quando estávamos falando sobre música de programa sinfônico, como Romeu e Julieta, de Tchaikovsky, também analisamos álbuns conceituais. Analisamos To Pimp a Butterfly, de Kendrick Lamar, e The Wall, do Pink Floyd. A ideia de criar um objeto musical completo que se refere a uma ideia extramusical não é antiga e não é nova. Ela é atemporal. Tchaikovsky e Smetana estavam fazendo a mesma coisa que Marvin Gaye estava fazendo com What's Going On. [Eu estava encontrando uma maneira de conectar diferentes tipos de música a esses mesmos conceitos musicais e incentivá-los, como músicos amadores, a se envolverem da maneira que acharem melhor, mas também sabendo que há um tesouro de conhecimento, verdade e sabedoria e que eles podem ter acesso a ele.

[size=120]Você tem algum conselho para o jovem Joel ou para os pais de crianças negras e pardas que possam estar lendo isto? E, de forma mais universal, para pais e educadores em geral?

Acho que os pais e os alunos devem se concentrar no currículo que têm em mãos, concentrar-se em fazer o melhor que puderem com o que lhes for dado. Ainda assim, procurem a verdade com "T" maiúsculo que está embutida em cada música com a qual vocês se envolvem. Pense além do que lhe é apresentado simultaneamente. Portanto, suas Sonatinas Clementi ou qualquer outra coisa - concentre-se em torná-las tão incríveis quanto possível. Traga quem você é para a mesa. Expresse-se por meio delas. Mesmo que elas não sejam historicamente precisas, permita-se espaço para essa quantidade de experimentação.

Sinto que a jornada com a música é, em muitos aspectos, uma jornada de autodescoberta, uma maneira de aprender sobre si mesmo. Às vezes, a pedagogia musical, a educação musical, pode ser apresentada como uma forma muito dogmática e sistemática de apenas seguir as regras. Sempre faça perguntas. Por que eu deveria fazer isso dessa maneira? Muitas vezes você descobrirá que as respostas estão corretas - por que você deve começar os trinados barrocos de cima para baixo -, mas isso não significa que você deva sair por aí quebrando todas as regras. Pergunte por que e, se isso não for satisfatório para você, encontre suas próprias formas de expressão.

Os pais devem incentivar seus filhos a criar músicas. Se uma criança trouxer uma música para eles, elogie-a! Digam que é incrível! Mesmo que seja algo que você talvez não entenda, é incrível, incentive isso! Eu tive esse incentivo. As primeiras coisas que escrevi, as primeiras coisas que arranjei não podiam ser tocadas. Mas mesmo assim fui incentivado. E isso me levou a continuar nessa jornada de autodescoberta no campo da música e sou muito grato por isso.

[size=120]Você falou sobre ouvir. Gostaria de encerrar com uma citação de Shinichi Suzuki e pedir que você compartilhe seus pensamentos sobre o que ressoa para você: "Ouvir até que nos lembremos não é suficiente. Devemos ouvir até que não possamos esquecer." [/size]

Para mim, a parte que mais ressoa é ouvir até não esquecer. Acho que ouvir é uma arte por si só. Ouvir é o que separa os artistas incríveis dos demais. Os melhores corais são aqueles que ouvem melhor uns aos outros. As melhores orquestras são como um organismo uniforme. Elas ouvem umas às outras com muita atenção. Essa é uma das características não celebradas da produção musical. Dá-se muito mais ênfase ao desempenho e a todos os aspectos que o cercam. Mas ouvir, como músico, é tão essencial - para qualquer ofício, para qualquer disciplina dentro dele. Mas também acho que o motivo pelo qual me sinto tão atraído pela audição como forma de arte é o fato de ela ser a forma de arte que salvará o mundo. Sei que sou um idealista, mas nós, como sociedade, se pudermos valorizar essa arte de ouvir uns aos outros, muitos de nossos problemas serão resolvidos. Eu realmente acredito nisso. Acho que muito do que está curando esse acerto de contas é o fato de estarmos finalmente ouvindo uns aos outros. Há muita raiva que está sendo expressa - raiva de maneiras mais saudáveis do que outras. Mas, ainda assim, as pessoas estão ouvindo e isso é uma parte necessária do crescimento e da cura, assim como os incêndios precisam remover a vegetação rasteira para que uma nova vida se forme em uma floresta. Assim como ouvir a raiva do momento presente. Portanto, espero que os Estados Unidos estejam ouvindo o momento atual com muita atenção para que não nos esqueçamos. Esquecemos tão facilmente as lutas do passado e nos encontramos nesse ciclo interminável de lutas e promessas e, em seguida, o reenraizamento do status quo e da opressão e, depois, a luta pela frente. Se realmente ouvirmos o momento presente para não nos esquecermos, acho que a cura é possível.

Joel Thompson é formado pela Emory University com bacharelado em música e mestrado em regência coral. Atualmente, ele é aluno da Yale School of Music. Em 2017, Thompson foi bolsista de pós-graduação no Ensemble Lab/Projecting All Voices Initiative da Arizona State University e bolsista de composição no Aspen Music Festival and School, onde estudou com os compositores Stephen Hartke e Christopher Theofanidis e ganhou o Prêmio Hermitage 2017.