Enseñar resiliencia emocional

Cae siete veces, levántate ocho.
- Proverbio japonés

"¿Por qué estudiar violonchelo es algo que su familia considera importante para su hijo?". "¿Qué espera que su hijo se lleve de su educación musical?". Son preguntas extraídas directamente de la encuesta que hago a todos los adultos a cargo de niños en mi estudio privado al principio de cada curso escolar. Las respuestas van desde las predecibles: "Quiero que mi hijo desarrolle amor y aprecio por la música", hasta las menos predecibles: "Mi hijo necesita ayuda con el funcionamiento ejecutivo y su terapeuta me dijo que las clases de música le ayudarían". Hay quienes esperan que los estudios musicales de su hijo desarrollen multitud de habilidades interpersonales, como la concentración, la disciplina, la gestión del tiempo y la perseverancia. Incluso hay algunos a los que les interesa la competición de alto nivel, la aclamación y los elogios. Varios encuestados han mencionado que quieren que su hijo experimente el "éxito". Ni una sola persona mencionó que deseara que su hijo aprendiera a fracasar.

Durante el día (y algunas noches y la mayoría de los fines de semana), soy la Directora de Programas de PMAY Artists' Initiative, un programa de itinerarios musicales con sede en Filadelfia. Nuestro programa apoya a jóvenes artistas infrarrepresentados, en su mayoría estudiantes BIPOC, en su esfuerzo por convertirse en músicos clásicos profesionales. Los Artistas PMAY reciben apoyo financiero, oportunidades de actuación, una valiosa red de contactos en el campo, y un montón de orientación y tutoría. Nos esforzamos por preparar a nuestros estudiantes, de quinto a duodécimo grado, para que compitan con éxito por la admisión en las mejores universidades y conservatorios de música del país. Alumnos de PMAY han sido aceptados en escuelas como Curtis, Juilliard, New England Conservatory, The Colburn School, Cleveland Institute of Music, Eastman, Oberlin, y más.

Nuestro plan de estudios es intencionadamente riguroso y exigente, especialmente para los estudiantes de tercer y cuarto año de secundaria. Desde la organización de clases de prueba con posibles profesores universitarios, pasando por solicitudes estratégicas para programas de verano, selección de repertorio para audiciones, simulacros de audiciones, preselección de grabaciones, hasta la temporada de audiciones propiamente dicha. El camino para convertirse en músico profesional, como todos sabemos, es agotador a un nivel similar al de convertirse en olímpico o en atleta profesional. No hay atajos. La exigencia para un joven músico altamente competitivo es agotadora desde el punto de vista físico, mental y emocional. Si añadimos a esa ecuación el peso de pertenecer a una minoría en un espacio, el manejo de un aluvión constante de microagresiones y el desarrollo de una identidad propia positiva en un campo con pocos modelos que se parezcan a ti, es mucho para un estudiante de secundaria.

El otoño pasado, uno de nuestros alumnos de último curso subió al escenario en la primera de una serie de audiciones simuladas previas a las audiciones universitarias. En la sala había un panel de jueces: profesores de PMAY, miembros de la Orquesta de Filadelfia, administradores y otros estudiantes de último curso del programa. La estudiante seleccionada comenzó con su concierto. No le fue bien. Tras varios lapsus de memoria devastadores, el jurado la detuvo. El resto de la audición fue cuesta abajo a partir de ahí. Solo Bach, estudios, pieza del siglo XXI. Vimos cómo la estudiante se retiraba, su sonido se reducía y su arco empezaba a temblar.

La estudiante mantuvo la compostura cuando el jurado le hizo comentarios muy severos. No perdió la compostura ni siquiera cuando le dijeron que no tendría éxito en ninguna de las mejores universidades y conservatorios de su lista. Sólo la vi desmoronarse y deshacerse en lágrimas cuando bajó del escenario. Grandes lágrimas. Al presenciar este tierno momento, me di cuenta del flaco favor que habíamos hecho, del evidente agujero en nuestro bienintencionado plan de estudios. Sus comentarios, entre sollozos, giraban en torno a su inutilidad, a su falta de talento, a que nunca sería violinista, a que debería dejar el violín y dedicarse a otra cosa. Al escucharla, en su estado emocional, me di cuenta de dos cosas muy importantes:

• No era capaz de separar su identidad y su valor como ser humano de su forma de tocar el violín. En su mente, ambas cosas estaban entrelazadas. No había oído sus críticas sobre su forma de tocar, su preparación, su capacidad técnica. Les había oído criticarla como persona.
• Al centrarnos tanto en preparar a nuestros alumnos para el éxito, nos habíamos olvidado por completo de enseñarles a fracasar. La enseñanza de la resiliencia emocional se había pasado por alto en los objetivos de nuestro programa.

Enseñar a los alumnos a fracasar es algo que he empezado a incorporar a mi trabajo, tanto en mi función administrativa en PMAY como en mi labor docente. Necesito que mis alumnos se sientan bien después de un revés, que reciban comentarios negativos y los utilicen para mejorar, que se levanten después de un fracaso, que sigan trabajando y avanzando aunque sea difícil. Pero, ¿cómo se aborda esto? ¿Qué puedo hacer exactamente, desde una perspectiva pedagógica, para fomentar la resiliencia emocional en mis alumnos? He aquí algunas estrategias que he estado probando con cierto éxito, en un esfuerzo por cultivar la fortaleza emocional en mis alumnos.

Ofrezca información sincera y veraz

Hacemos un flaco favor a nuestros alumnos si no les damos una visión sincera de sus defectos musicales. Decirle a un alumno lo bien que suena cuando no es del todo exacto hace que la caída sea mucho más larga cuando recibe ese comentario en otra parte. La crítica sincera, realizada sin prejuicios, enseña al alumno que aprender a tocar un instrumento, en todos los niveles, es un proceso, no algo que hay que dominar. Evite a toda costa los superlativos. Elogia algo específico si intentas levantar a un alumno, como "Meñique se quedó en el arco toda la frase esa vez", en lugar de "¡Eso fue increíble!".

Un ligero cambio de lenguaje

Después de este simulacro de audición a principios de otoño, me grabé dando clases particulares la semana siguiente. Buscaba pistas sobre cómo podía modificar mi práctica docente para incorporar el desarrollo de la resiliencia en mis alumnos. A menudo me oía a mí misma dando feedback con afirmaciones del tipo "tú". "No estás vibrando a la velocidad adecuada para este personaje o dinámica". "Necesitas programar tus cambios más deliberadamente". "No estás concentrado en tu punto de contacto". "Tu tercer dedo no está en la punta".

Al escucharme decir estas cosas, me imaginaba a los alumnos sintiéndose juzgados, no sólo por su forma de tocar, sino por todo su ser. En mis críticas, no separaba al individuo de la interpretación. Desde que me di cuenta de esto, he hecho un cambio muy pequeño pero impactante en mi lenguaje. He eliminado el "tú" de mis comentarios. "Necesitas medir el tiempo de tus cambios más deliberadamente" se ha convertido ahora en "Los cambios necesitan ser medidos más deliberadamente". "No estás centrado en el punto de contacto" se ha cambiado por "El punto de contacto necesita un enfoque más deliberado". "Tu tercer dedo no está en la punta" ahora es "El tercer dedo necesita estar más en la punta".

Quiero formar intencionadamente incluso a mis alumnos más jóvenes para que separen su identidad de su habilidad con el violonchelo. Espero que esto les permita recibir críticas correctivas sin que afecten a su autoestima.

Resta importancia a la actuación. Elevar la preparación.

La audición, el concurso, el recital, el jurado: esos no son los objetivos. El proceso activo de mejora es el objetivo. Haz del crecimiento técnico y musical el objetivo en lugar de centrarte en la actuación en sí. En lugar de "Vamos a preparar esta pieza para el recital de primavera", intenta "Preparar esta pieza a un alto nivel mejorará tu rango dinámico y tu capacidad para manipular el color del sonido. Podrás presumir de tu duro trabajo en el recital". Esto permite que el alumno vea que el proceso de trabajar duro y mejorar es algo que hay que celebrar, algo que puede lograr con éxito. Atribuir todo el éxito a una actuación, un momento entre un millón, puede ser emocionalmente perjudicial si no sale según lo previsto.

Cambiar el tamaño del estanque. Cambiar el tamaño de los peces.

Todo el mundo necesita la experiencia de ser el jugador más avanzado de la sala. Así, los alumnos aprenden a ser líderes. Se sienten seguros de sí mismos y con poder. A la inversa, todo el mundo necesita la experiencia de ser el jugador menos avanzado de la clase. Los alumnos necesitan experimentar el siguiente nivel de competencia o arte, al que aspiran. De este modo, los alumnos se sienten motivados e inspirados. Como profesores, debemos ser conscientes de este equilibrio. Nuestros alumnos necesitan sentarse en la primera silla tanto como en la última. Necesitan ser tanto el pez más pequeño del estanque como el más grande, y de todos los tamaños intermedios. Tenemos que cultivar experiencias musicales para ellos que faciliten el desarrollo de la resiliencia emocional y la confianza para prosperar en cualquier papel dentro de un paisaje musical.

Modelar la resiliencia emocional

"No entré en Juilliard. Ya está. Lo he dicho. Fue muy duro en su momento, pero estoy bien. Tengo una exitosa carrera como músico. No permití que ese pequeño fracaso, que me pareció enorme en el momento, determinara mi futuro." Compartir tus propias historias personales de derrota de forma genuina muestra a los estudiantes que hay vida más allá del fracaso. Utilizamos nuestros fracasos para dar los siguientes pasos. Este aspecto de la enseñanza requiere que nosotros, como profesores, seamos vulnerables y compartamos nuestras derrotas tanto como nuestras victorias.

Enseñar autodefensa

Hay que enseñar a los alumnos a defenderse. Tienen que hacer preguntas aclaratorias cuando reciben críticas, algo difícil en un momento en el que podrían sentirse menospreciados. Tienen que hablar claro cuando se sientan juzgados. Me he propuesto decirles a mis alumnos que hablen cuando se sientan denigrados. Hace poco, una alumna me dijo que se sentía mal porque le había hecho una mueca mientras tocaba "Humoresque" en su clase de violonchelo. Me sentí terrible y a la vez inmensamente orgullosa. El hecho de que ella, una niña de ocho años, se sintiera lo suficientemente segura de sí misma como para decirme eso fue una gran victoria. Gracias a sus comentarios, ahora tengo mucho más cuidado con mis expresiones faciales cuando los alumnos desafinan.

No soy profesional de la salud mental, trabajadora social ni médico de ningún tipo. Las herramientas que ofrezco aquí se basan en mi propia investigación, la formación que he recibido en la enseñanza de la música basada en el trauma y un montón de ensayo y error. Espero resaltar la importancia de cultivar el respeto por la salud mental y el bienestar de nuestros alumnos. Quiero enseñar a los alumnos a sentirse cómodos consigo mismos, tanto con sus instrumentos como sin ellos. Estoy abogando por la enseñanza intencionada de la resiliencia emocional como una de las habilidades esenciales que van de la mano con nuestra increíblemente intencionada pedagogía Suzuki. Quiero entrenar a jóvenes músicos para que caigan con gracia y dignidad, se levanten de las cenizas, más fuertes y con aún más determinación, se cepillen y, una vez más, intenten volar.