Gratidão clara

Por James Goldsworthy

A primeira vez que vi Shinichi Suzuki pessoalmente foi em 17 de outubro de 1983, em uma sala no andar de cima do Saino Kyoiku Kaikan, em Matsumoto. Ele olhou para todos nós com um brilho nos olhos e disse: "Hoje eu tenho treze anos... oito... cinco". O inglês conciso e sem verbos, percebo agora, foi um subproduto da tradução instantânea em japonês: "Kyō watashi wa jūsan . . hachi . . go."

Seu olhar travesso de criança era de alegria, cumprimentando-nos com palavras concisas e brincalhonas. Naquele momento, eu soube que minha viagem de Nova Jersey a Nagano-ken estava instantaneamente concluída. Com alegria, ele ergueu um cartão de aniversário que havia chegado pelo correio com o único endereço de: "Dr. Suzuki, Japão", de uma criança do outro lado do mundo.

Imediatamente fui levado de volta no tempo e no espaço, quatro anos e meio antes, para minha aula de graduação em história da arte em Dallas, Texas, com Alessandra Comini, uma das melhores professoras de toda a minha vida universitária. Ela havia colocado um slide de um palhaço que parecia ser obra de uma criança e perguntou ao auditório cheio de alunos quem seria o artista. Com seu próprio brilho no olhar, depois de algum tempo de silêncio, ela disse: "Picasso". Ela continuou explicando: "Há uma diferença entre a perspectiva infantil e a perspectiva infantil; alguém com os olhos de uma criança em oposição a uma tentativa de ver ou agir como uma criança." Nesse momento, percebi que tinha uma compreensão e uma apreciação maiores dos olhos claros e brilhantes de alguém com clareza de sabedoria e espírito (não importa a idade). Você pode encontrar o desenho pesquisando no Google "Picasso L'homme au beret".

Agora, mais de quarenta anos depois do aniversário da "Terra do Sol Nascente", minhas reflexões sobre onde e quem sou como professor são mais devidas ao Dr. Suzuki e seus ensinamentos do que jamais imaginei. A clareza, do ponto de vista da lucidez, do foco, da luz e da franqueza, tem sido uma força em ação na evolução de meus ensinamentos ao longo desses vinte anos. Ele deve ter sido uma inspiração poderosa nessa jornada. Neste artigo de reflexão autobiográfica, como um tributo à minha residência de seis meses em Matsumoto e ao Dr. Suzuki, apresentarei aspectos de meu próprio ensino que reconheço como parte de uma busca apaixonada para ser mais claro na apresentação das aulas e na compreensão fundamental da vida e da música ao piano, tanto para mim quanto para meus alunos.

Sentimento e música

"O que você sente?" é provavelmente a pergunta que faço aos meus alunos com mais frequência do que qualquer outra. Geralmente é minha primeira resposta a qualquer coisa tocada em uma aula. Embora se possa pensar que isso esteja relacionado a uma experiência emocional, é a minha maneira de fazer com que o aluno se conscientize das sensações físicas que experimentou ao tocar. Isso pode muito bem ter suas raízes em um dos comentários favoritos do Dr. Suzuki para os alunos: "Não pense!" É impossível enumerar as inúmeras vezes em que o ouvi dizer isso, acompanhado de um dedo indicador apontado verticalmente para o alto, com um cigarro Camel na mão oposta, lançando fluxos de espirais de fumaça. Pensamentos, ou "pensar", emanam de autoavaliação crítica, diretrizes de ação, dúvidas sobre si mesmo ou preocupações com o desempenho, e claramente criam um tráfego neural interno que pode impedir a pureza da fisicalidade nas ações. 

Sempre que o dedo indicador era levantado, sabia-se que algum tipo de sabedoria sairia dele. Na maioria das vezes, eram essas duas palavras que surgiam: "Não pense!" Havia tanta coisa nelas que o sentimento na sala parecia mudar - ele claramente estava incentivando, se não persuadindo, os alunos a saírem de suas cabeças e tocarem. Percebo que minha atual adaptação repetitiva ou manifestação honorífica dessa técnica de ensino é estimular verbalmente meus alunos a "sentir" (sensação física em vez de algum tipo de emoção). Sempre que um dos meus alunos começa uma resposta para mim com "Eu acho", "Eu acredito", "Eu queria" ou "Eu estou tentando", eu respondo com: "Não pense; sentirou qualquer outra substituição de "feel", "felt" ou "feeling" para os verbos de sua própria resposta.

Embora eu não tenha certeza de como exatamente outro de meus comentários para os alunos se relaciona diretamente com o Dr. Suzuki, não há dúvida de que se trata de esclarecimento e foco. Cada um de meus alunos agora recebe uma lista hierárquica do que é mais importante na música e/ou na vida:

1. Fluxo de tempo
2. Medidor
3. Ritmo
4. Pitches (melodia e harmonia [relações de pitch] e entonação [para um pianista, como ele sente um G-sharp versus um A-flat])

Se nada mais, certamente o aspecto #1 do fluxo de tempo é uma experiência coletiva inabalável do Dr. Suzuki com um conjunto inteiro de alunos iniciantes e avançados tocando juntos obras do Livro Um, incluindo, é claro, os Twinkles. Embora Jean Piaget e/ou Maria Montessori aplaudissem os níveis de idade distintos e multicamadas no jogo interativo simultâneo, não há dúvida de que a "tirania da linha do compasso" ou a pausa no fluxo para obter a afinação correta ou a entonação ideal é engolida por uma onda de fluxo de tempo em ação. 

Uma das minhas descobertas mais recentes na hierarquia foi reconhecer a frequência com que os jovens músicos desconhecem a métrica do que estão tocando. Embora estejam mantendo o fluxo do tempo e sejam ritmicamente precisos, não há uma sensação real da métrica. Parece que há uma suposição, ou até mesmo um "pensamento", de que o ritmo correto produz a métrica, em vez de a métrica incorporar o(s) ritmo(s). Isso certamente está diretamente ligado ao "sentimento" e é a inspiração para fazer com que os alunos percorram a métrica de qualquer peça que estudem, seguida de percorrer os ritmos na métrica da peça.

Ontem mesmo, depois de atribuir a um aluno uma etapa específica de prática em sua aula anterior para desenvolver uma sensação mais forte e clara da métrica de sua mão direita em relação a um padrão de baixo figurativo droning em septuplet na mão esquerda, fiquei chocado ao ouvir como, como subproduto de seu trabalho, ele agora tinha uma sensação adorável de frases nessa mesma parte da mão direita. Embora seu ritmo sempre tenha sido preciso, agora ele estava mais totalmente conectado à métrica, de modo que ela regia os ritmos. A lição que aprendi com tudo isso foi que ele já tinha um fluxo de tempo forte, mas precisava de mais senso de métrica. Com o maior senso de métrica, eis que ele conseguiu isso, mas também obteve um senso de frase mais rico (relações de afinação que se fundem em frases musicais). A clareza do foco em um elemento na hierarquia esclarecida de considerações sobre a criação musical gerou um outro ponto de foco inesperado!

Ao esclarecer uma hierarquia de conceitos importantes, sinto que a pessoa se torna muito mais conectada e capacitada. Isso provavelmente é uma técnica de ensino para incentivar, se não facilitar, a "autodescoberta" ou o "automonitoramento" para os alunos, talvez com uma ligação direta com o "Não pense!". Nossos alunos se tornam muito mais independentes "no momento" em vez de buscarem cumprir uma diretriz de outra pessoa (ou seja, nós). Sem dúvida, eles se tornam professores-aprendizes independentes muito mais fortes em suas sessões de prática. Obrigado, Dr. Suzuki.

Um último esclarecimento sobre ensino/aprendizagem surge de uma citação que ouvi certa vez atribuída ao grande pianista e professor Béla Böszörményi-Nagy: "Toda grande música deve cantar ou dançar". Inspirado por esse pensamento, acredito que toda grande música deve cantar e dança. A partir disso, todas as minhas primeiras aulas com todos os meus alunos incluem movimentos pela sala (sentindo fisicamente o fluxo do tempo, a métrica e o ritmo) e o canto em solfejo. Novamente, por meio de sua exigência de tocar em conjunto, magnetizando o sentimento coletivo de fluxo de tempo, métrica e ritmo, em meio ao incentivo onipresente da tonalização, sinto que o ensino do Dr. Suzuki está de acordo com o movimento do tom (vibração no espaço) dentro da noção abstrata de movimento no tempo. Não há dúvida de que há uma enorme quantidade de vibrações (movimento) no ar em um palco cheio de músicos tocando em uníssono. Não é de se admirar que essa seja uma experiência tão emocionante para os músicos e para o público. Um ponto claro de foco para mim e para meus alunos é: "Música é movimento" (assim como a vida). Em homenagem a todos os meus alunos e professores, e com este texto, especialmente ao Dr. Suzuki, sinto e sou movido por um foco avassalador de gratidão.

James GoldsworthyO professor de piano do Westminster Choir College da Rider University estreou e gravou com Judith Bettina canções de Milton Babbitt, Mel Powell, Chester Biscardi, Christopher Berg, Tobias Picker e David Rakowski. Seu trabalho reflete os ensinamentos de Dorothe Lanning, John Price, Louise Bianchi, Lloyd Pfautsch, Louise Mueller, Larry Palmer, Barbara Marquart, Alessandra Comini, Shinichi Suzuki, Adolph Baller, Erik Werba, Margaret Fabrizio, Fenner Douglass, Susan Bindig, Wendy Hilton, Leonard Ratner, Lilo Kantorowicz-Glick.