Ensinando resiliência emocional

Caia sete vezes, levante-se oito.
- Provérbio japonês

"Por que estudar violoncelo é algo que sua família considera importante para seu filho?" "O que você espera que seu filho aprenda com a educação musical?" Essas são perguntas extraídas diretamente da pesquisa que dou a todos os adultos responsáveis em minha comunidade de estúdio particular no início de cada ano letivo. As respostas variam desde as previsíveis: "Quero que meu filho desenvolva amor e apreço pela música", até as menos previsíveis: "Meu filho precisa de ajuda com o funcionamento executivo e o terapeuta dele me disse que as aulas de música o ajudariam". Há aqueles que esperam que o curso de estudos musicais de seus filhos desenvolva uma série de habilidades sociais, como foco, disciplina, gerenciamento de tempo e perseverança. Há até mesmo alguns que estão interessados em competições de alto nível, aclamação e elogios. Vários participantes da pesquisa mencionaram que desejam que seus filhos tenham "sucesso". Nenhuma pessoa mencionou que espera que seu filho aprenda a fracassar.

Durante o dia (e em algumas noites e na maioria dos finais de semana), sou gerente de programa da PMAY Artists' Initiative, um programa de caminhos musicais com sede na Filadélfia. Nosso programa apoia jovens artistas sub-representados, em sua maioria estudantes BIPOC, em seu trabalho para se tornarem músicos clássicos profissionais. Os artistas do PMAY recebem apoio financeiro, oportunidades de apresentação, uma rede valiosa de conexões no campo e muita orientação e mentoria. Nós nos esforçamos para preparar nossos alunos, que vão da quinta à décima segunda série, para competir com sucesso pela admissão nas principais faculdades e conservatórios de música do país. Os ex-alunos do PMAY foram aceitos em escolas como Curtis, Juilliard, New England Conservatory, The Colburn School, Cleveland Institute of Music, Eastman, Oberlin e outras.

Nosso currículo é intencionalmente rigoroso e exigente, especialmente para alunos do último ano do ensino médio. Desde a organização de aulas experimentais com possíveis professores universitários, passando por inscrições estratégicas para programas de verão, seleção de repertório para audições, simulações de audições, pré-triagem de gravações e a própria temporada de audições. O caminho para se tornar um músico profissional, como todos sabemos, é árduo, em um nível semelhante ao de um atleta olímpico ou profissional. Não há atalhos. A demanda de um jovem músico altamente competitivo é desgastante em termos físicos, mentais e emocionais. Acrescentando a essa equação o peso de ser minorizada em um espaço, lidar com uma enxurrada constante de microagressões e o desenvolvimento de uma autoidentidade positiva em um campo com poucos modelos que se pareçam com você - é muita coisa para um estudante do ensino médio assumir.

No último outono, um de nossos alunos do último ano subiu ao palco para a primeira de uma série de audições simuladas antes das audições para a faculdade. Na sala, havia um painel de jurados: Professores do PMAY, membros da Orquestra da Filadélfia, administradores e outros alunos do último ano do programa. A aluna selecionada começou com seu concerto. Não foi bem. Depois de uma série de deslizes de memória devastadores, ela foi interrompida pelo painel. O resto da audição foi ladeira abaixo a partir daí. Solo de Bach, estudos, peça do século XXI. Observamos enquanto a aluna se retirava, seu som diminuindo, seu arco começando a tremer.

A aluna manteve a compostura enquanto o painel lhe dava um feedback muito severo. Ela não perdeu a calma nem mesmo quando lhe disseram que ela não teria sucesso em nenhum dos principais programas de faculdade e conservatório de sua lista. Foi somente depois que ela saiu do palco que a vi desmoronar, dissolver-se em uma pilha. Chorei muito. Ao testemunhar esse momento de ternura, percebi o desserviço que havíamos prestado, o buraco gritante em nosso currículo bem-intencionado. Seus comentários, entre soluços, giravam em torno de sua inutilidade, de sua falta de talento, de como ela nunca seria uma violinista, de como deveria abandonar o violino e fazer outra coisa. Ao ouvi-la, em seu estado emocional carregado, percebi duas coisas importantes:

• Ela não conseguia separar a si mesma - sua identidade e valor como ser humano - de seu violino. Em sua mente, as duas coisas estavam entrelaçadas. Ela não tinha ouvido as críticas deles sobre sua forma de tocar, sua preparação, sua habilidade técnica. Ela os tinha ouvido criticando-a como pessoa.
• Em nosso foco intenso em preparar nossos alunos para o sucesso, esquecemos completamente de ensiná-los a fracassar. O ensino da resiliência emocional havia sido negligenciado nos objetivos de nosso programa.

Ensinar os alunos a fracassar é algo que só recentemente comecei a incorporar propositalmente em meu trabalho, tanto em minha função administrativa no PMAY quanto em meu ensino. Preciso que meus alunos fiquem bem depois de um contratempo, que recebam feedback negativo e o utilizem para melhorar, que se reergam depois de um fracasso, que continuem trabalhando e avançando mesmo quando for difícil. Mas como abordar isso? O que exatamente posso fazer, de uma perspectiva pedagógica, para desenvolver a resiliência emocional em meus alunos? Aqui estão algumas estratégias que venho experimentando com algum sucesso, em um esforço para cultivar a força emocional em meus alunos.

Dê um feedback sincero e verdadeiro

Prestamos um grande desserviço aos nossos alunos quando não lhes damos uma visão verdadeira de suas deficiências musicais. Dizer a um aluno como ele soa bem quando não é totalmente preciso faz com que a queda seja muito maior quando ele recebe esse comentário em outro lugar. A crítica honesta, feita sem julgamentos, ensina ao aluno que aprender a tocar um instrumento, em todos os níveis, é um processo, não algo a ser dominado. Evite superlativos a todo custo. Elogie algo específico se estiver tentando elevar um aluno, como "O mindinho ficou no arco durante toda a frase dessa vez", em vez de "Isso foi incrível!".

Uma pequena mudança na linguagem

Depois desse momento de audição simulada no início do outono, gravei-me dando minhas aulas particulares na semana seguinte. Eu estava em busca de pistas sobre como poderia ajustar minha prática de ensino para incorporar o desenvolvimento da resiliência em meus alunos. Com frequência, eu me ouvia dando feedback com afirmações do tipo "você". "Você não está vibrando na velocidade certa para esse personagem ou dinâmica." "Você precisa cronometrar suas mudanças de forma mais deliberada." "Você não está concentrado no seu ponto de contato." "Seu terceiro dedo não está na ponta."

Ao me ouvir dizer essas coisas, imaginei que os alunos estavam se sentindo julgados, não apenas pela forma de tocar, mas por si mesmos. Em minhas críticas, eu não conseguia separar o indivíduo da execução. Desde que percebi isso, fiz uma mudança muito pequena, mas impactante, em minha linguagem. Removi o "você" do meu feedback. "Você precisa cronometrar seus turnos de forma mais deliberada" agora se tornou "Os turnos precisam ser cronometrados de forma mais deliberada". "Você não está focado no ponto de contato" foi alterado para "O ponto de contato precisa de mais foco deliberado". "Seu terceiro dedo não está na ponta" agora é "O terceiro dedo precisa estar mais na ponta".

Quero treinar intencionalmente até mesmo meus alunos mais jovens para separar sua identidade de sua habilidade no violoncelo. Com isso, espero que eles possam receber críticas corretivas sem que isso afete sua autoestima.

Desvalorize o desempenho. Eleve a preparação.

A audição, a competição, o recital, o júri: esses não são os objetivos. O objetivo é o processo ativo de aprimoramento. Faça do crescimento técnico e musical a meta em vez de se concentrar na apresentação em si. Em vez de "Vamos preparar essa peça para o recital de primavera", tente "Preparar essa peça em um nível alto melhorará seu alcance dinâmico e sua capacidade de manipular a cor do som. Você poderá mostrar seu trabalho árduo no recital". Isso permite que o aluno veja que o processo de trabalhar duro e melhorar é algo a ser comemorado, algo que ele pode realizar com sucesso. Atribuir todo o sucesso a uma apresentação, um momento em um milhão de momentos, tem o potencial de ser emocionalmente prejudicial se não sair como planejado.

Altere o tamanho do lago. Alterar o tamanho dos peixes.

Todos precisam ter a experiência de ser o jogador mais avançado da sala. Com isso, os alunos aprendem a ter liderança. Eles se sentem confiantes e capacitados. Por outro lado, todos precisam ter a experiência de ser o jogador menos avançado da sala. Os alunos precisam experimentar o próximo nível de proficiência ou arte, aquele que devem almejar, aquele ao qual aspiram. Com isso, os alunos são motivados e inspirados. Como professores, precisamos estar atentos a esse equilíbrio. Nossos alunos precisam se sentar na primeira cadeira tanto quanto precisam ser a última cadeira. Eles precisam ser "batidos" tanto como o menor peixe do lago quanto como o maior peixe do lago, e como peixes de todos os tamanhos entre eles. Precisamos cultivar experiências musicais para eles que facilitem o desenvolvimento da resiliência emocional e a confiança para prosperar em qualquer função dentro de um cenário musical.

Modelo de resiliência emocional

"Eu não entrei na Juilliard. Pronto. Eu disse isso. Foi muito difícil na época, mas estou bem. Tenho uma carreira de sucesso como músico. Não permiti que aquele pequeno fracasso, que parecia enorme no momento, determinasse meu futuro." Compartilhar suas próprias histórias pessoais de derrota de forma genuína mostra aos alunos que há vida além do fracasso. Usamos nossos fracassos para informar nossos próximos passos. Esse aspecto do ensino exige que nós, como professores, sejamos vulneráveis e compartilhemos nossas derrotas, bem como nossas vitórias.

Ensinar a autodefesa

Os alunos precisam ser ensinados a se defenderem. Eles precisam fazer perguntas esclarecedoras quando recebem críticas, algo difícil em um momento em que podem estar se sentindo menosprezados. Eles precisam se manifestar quando se sentirem julgados. Tornei-me determinado a dizer a meus alunos que falem quando se sentirem denegridos. Recentemente, uma aluna me disse que se sentia mal porque eu fiz uma careta enquanto ela tocava "Humoresque" em sua aula de violoncelo. Ao mesmo tempo, senti-me péssimo e imensamente orgulhoso. O fato de ela, uma menina de oito anos, ter confiança suficiente em si mesma para me dizer isso foi uma grande vitória. Usando seu feedback para melhorar, agora sou muito mais cuidadoso com minhas expressões faciais quando os alunos tocam fora do tom!

Não sou profissional de saúde mental, assistente social ou médico de qualquer tipo. As ferramentas que ofereço aqui baseiam-se em minhas próprias pesquisas, no treinamento que recebi em ensino de música com base em traumas e em um monte de tentativas e erros. Espero destacar a importância de cultivar o respeito pela saúde mental e o bem-estar de nossos alunos. Quero ensinar os alunos a se sentirem confortáveis consigo mesmos, com e sem seus instrumentos. Estou defendendo o ensino intencional da resiliência emocional como uma das habilidades essenciais que anda de mãos dadas com nossa pedagogia Suzuki incrivelmente intencional. Quero treinar jovens músicos para que caiam com graça e dignidade, ressurjam das cinzas, mais fortes e com ainda mais determinação, se recomponham e, mais uma vez, tentem voar.