O estudo do Viola Concerto em G Major de Georg Philipp Telemann, encontrado no final do Livro Quatro, apresenta uma oportunidade única para o intérprete implementar elementos da prática de performance historicamente informada, mesmo usando os instrumentos de cordas atuais. A prática do concerto de Telemann através da lente da prática de performance historicamente informada requer familiaridade com os instrumentos usados na vida de Telemann, bem como conhecimento do contexto mais amplo no qual esta obra foi escrita. Considerado como um dos primeiros concertos de viola conhecidos, ele apresenta um desafio formidável, porém gratificante, para o violinista estudante. Aprendi o concerto de Telemann pela primeira vez quando tinha 11 anos de idade, no meu terceiro ano de violoncelo, e revisitei a peça como júnior no colegial quando a apresentei com a orquestra da minha escola. Agora, como um profissional que se apresenta freqüentemente tanto em violas modernas como barrocas, ensino e pratico o concerto de Telemann através da lente da prática de performance historicamente informada, esperando incutir uma profunda apreciação da música barroca em meus alunos e público.

O primeiro passo crucial para qualquer intérprete interessado em estudar uma peça musical através da lente da prática de performance historicamente informada é mergulhar na funcionalidade, sensação e som dos instrumentos utilizados no momento da escrita da música. Telemann, um dos compositores mais prolíficos da era barroca, escreveu o Viola Concerto por volta de 1715 para uma série semanal de concertos enquanto vivia em Frankfurt, Alemanha. Na época em que o concerto foi escrito, os arcos que os intérpretes estavam usando eram ligeiramente curvados para fora do meio do arco, e os arcos eram mais pesados no sapo. O arco barroco tem uma forma que funciona naturalmente em vantagem para o intérprete, moldando e afinando cada nota. De fato, o arco era o principal veículo de expressão na música da época barroca, enquanto o vibrato era usado como ornamento ou decoração apenas para certas notas. Por outro lado, o arco moderno é feito para projeção, e o peso do arco moderno é distribuído mais uniformemente do sapo à ponta. O design do arco moderno se presta a um som mais uniforme, conectado e o vibrato tende a ser a principal forma de expressão. O artista que estuda através de uma lente historicamente informada também deve levar em consideração a diferença entre as atuais cordas de aço e as cordas intestinais que eram usadas na era barroca. As cordas de tripa mais sensíveis (geralmente feitas de tripa de carneiro) respondem naturalmente à forma do arco barroco, enquanto que tocar em cordas de aço modernas requer mais esforço do artista para fazer qualquer tipo de forma com o arco.

Digite o termo messa di voce, que, segundo o dicionário Oxford Music, é definido como o canto ou o tocar de uma nota longa para que comece em silêncio, incha até o volume máximo, e depois diminua para o tom calmo original. Para cordas tocadas em música da era barroca, dominar messa di voce é a chave para dominar o arco barroco. Giuseppe Tartini (1692-1770) escreveu a seguinte carta em 1760 para sua aluna Maddalena Lombardini:

Seu estudo principal deve ser o uso do arco, a fim de se fazer amante na expressão de tudo o que possa ser tocado ou cantado. . . Primeiro, exercitar-se em um messa di voce sobre uma corda aberta, por exemplo, sobre a segunda, que é a corda D. Comece pianissimo, e aumente o tom em graus lentos para fortissimo; e isto deve ser feito igualmente no arco para baixo e no arco para cima. Faça este exercício imediatamente, e passe pelo menos uma hora nele todos os dias, embora em horários diferentes, um pouco pela manhã e um pouco à noite; e tenha sempre em mente que este é, de todos os exercícios, o mais difícil e o mais importante. Quando você dominar este exercício . . cada grau de pressão sobre a corda se tornará fácil e certo; e você será capaz de executar com seu arco o que quiser.

Nem toda nota de música da época barroca será tocada como messa di voce, mas a prática da técnica ajuda os tocadores de corda a moldar com precisão cada nota com o arco barroco, algumas com uma decadência, outras crescendo para a próxima nota. Mesmo quando uma nota começa forte, ser capaz de executar messa di voce permite ao intérprete afundar o arco na corda (ainda que rapidamente) sem um acento duro que poderia naturalmente acompanhar um forte semelhante tocado em um arco moderno.

Como o ator de hoje ganha experiência em um arco barroco e cordas intestinais? A maioria dos estudantes não tem acesso, especialmente no mundo socialmente distante de hoje em dia. Às vezes peço aos meus alunos que segurem seus arcos cinco a seis polegadas acima do sapo enquanto tocam uma passagem no concerto do Telemann.

Enquanto a forma física do arco barroco e a resposta dos cordões intestinais estão faltando nesta experiência, o peso extra do arco perto da mão do arco força os dedos da mão direita do intérprete a se tornarem mais flexíveis. Esta nova destreza permite que o artista pratique messa di voce no arco moderno enquanto segura o arco mais próximo do sapo como de costume.

O seguinte detalha um exemplo no qual utilizo a prática de messa di voce para dar forma a uma frase no contexto de um tempo lento.

No terceiro movimento do concerto de viola de Telemann, eu dou forma à frase de abertura em direção à baixa da primeira medida, e novamente em direção à baixa da segunda medida. Eu detalhei que tipo de direção eu dou a cada nota com as linhas traçadas sob as notas. As reverências do manuscrito de Telemann são desenhadas sobre as notas para referência.

Messa di voce não é simplesmente uma técnica a ser dominada para os tempi mais lentos na música barroca. Abaixo está um exemplo de como eu formo uma frase usando o arco na abertura do quarto movimento do concerto:

Em ambos os exemplos, a curva do arco barroco permite que o intérprete evite o início duro das notas e encoraja o movimento circular no pulso direito à medida que o intérprete transita para um arco para baixo a partir de um arco para cima ou uma retomada do arco. Se o intérprete tiver em mente estas vantagens naturais ao utilizar um arco moderno, cada nota ganhará vida com ressonância e forma.

Estudar o concerto de Telemann através da lente da prática de performance historicamente informada também envolve a pesquisa do contexto mais amplo de outras músicas escritas na era barroca. Grande parte da música escrita na Europa Ocidental na vida do Telemann foi escrita para a dança, que era composta de uma combinação de passos grandes e pequenos com o passo maior tipicamente na primeira batida de cada medida. Portanto, mesmo na música barroca da Europa Ocidental que não foi escrita diretamente para a dança, a primeira batida de cada medida é geralmente enfatizada, com as outras batidas da medida caindo de ou levando à próxima primeira batida. Com o arco barroco curvo em mente, a performer pode usar sua familiaridade com messa di voce para criar uma ênfase arredondada na batida forte, enquanto deixa o arco fazer batidas menores e mais leves para as batidas mais fracas. A performer também deve distinguir uma hierarquia de batidas fortes dentro de frases mais longas. Por exemplo, na abertura do primeiro movimento, o intérprete geralmente evitaria um sotaque no início, levaria ligeiramente à medida 10, mas depois chegaria verdadeiramente ao tom baixo da medida 12, mantendo as notas ressonantes e leves, como se estivesse em uma dança solene.

Os membros da platéia do Telemann estariam auralmente familiarizados com uma certa estrutura musical. Portanto, mudanças harmônicas surpreendentes ou inesperadas foram como compositores como Telemann infundiram drama em suas obras e atraíram a atenção de seus ouvintes. Os artistas de hoje também podem destacar estas notas “estranhas” para inspirar o drama e a expressão. Por exemplo, na medida 9 do terceiro movimento do concerto de Telemann, o B flat é uma nota totalmente inesperada na chave tônica do movimento (e menor). Telemann usa este B flat para resolver a um acorde g menor. Então, Telemann repete o B flat na medida 10, desta vez usando-o para construir tensão para uma eventual tônica b menor. O intérprete pode destacar as intenções de Telemann trazendo à tona estas notas especiais com uma combinação de fineza de mão esquerda e direita.

Finalmente, na época em que Telemann estava escrevendo seu concerto de viola, compositores como Bach estavam escrevendo música altamente contrapuntal para instrumentos de corda solo, com notas em todos os registros do instrumento arranjados como se dois, três, ou mesmo quatro instrumentos estivessem realmente tocando ao invés de apenas um. Exemplos de tais escritos são as Suites para Violoncelo de Bach, BWV 1007-1012 e as Partitas e Sonatas para Violino Solo, BWV 1001-1006. Ambas foram transcritas para viola solo.

As obras solo de Bach são importantes para que o intérprete tenha em mente enquanto estuda o concerto de Telemann devido à prevalência de contraponto entre duas ou mais “vozes” em várias passagens. No exemplo seguinte do segundo movimento, duas vozes se distinguem uma da outra na medida 45 e finalmente se reencontram no contraponto de 52. O intérprete pode trazer estas diferentes vozes com peso e velocidade diferentes do arco, mantendo em mente a curva e o peso do arco barroco.

No final do quarto movimento, o intérprete pode realmente distinguir entre três vozes separadas L (inferior), M (médio) e T (superior), como mostrado abaixo.

Estar familiarizado com o estilo de outras obras escritas na era barroca informa o intérprete de elementos a serem enfatizados no concerto de Telemann, tais como a forte conexão com a dança, bem como as tendências contrapuncionais.

Estudar o concerto de Telemann através da lente da prática de performance historicamente informada dá ao intérprete uma oportunidade gratificante de dar vida ao trabalho nos instrumentos de hoje. Armado com o conhecimento tanto do contexto musical quanto da funcionalidade dos instrumentos da época, o intérprete pode dar a qualquer peça musical uma interpretação fresca e pesquisada.